sábado, 31 de julio de 2010

¿Original o Cover?: "Little Wing"

Esta vez voy a hablaros de una de las mejores canciones que hayan podido llegar a mis oídos, además de ser una de esas que no dejan de gustarte por muchas veces que la escuches, y también se trata de una canción que ha sido y sigue siendo versionada por una infinidad de artistas y grupos.

"Little Wing" fue compuesta por el magnífico guitarrista estadounidense Jimi Hendrix, cuyo nombre conocemos todos tanto los que hayamos oído hablar de él o no.

Existe el rumor de que obtuvo la inspiración para componer esta maravilla bajo influencia de las drogas (de ahí que haya tanta gente ignorante que diga que los buenos músicos de rock tocan y componen maravillas sólo si están colocados, con lo que no estoy nada de acuerdo).

La canción empieza con la guitarra tocando punteos en base a los acordes de la estrofa y seguidos por el riff principal, que es inconfundible.

La letra habla de una supuesta mujer que trae la alegría al que está hablando de ella (es decir, el cantante), y debido a lo que decía antes, se ha supuesto que se refiere metafóricamente a la sensación de bienestar que alcanzaba al consumir drogas.

Ante esto puedo decir que la letra se puede interpretar como uno quiera, porque viene a hablar de aquello que te hace sonreír, ya sea estar con tu pareja, con tus amigos, escuchar una canción, etc.

En la versión original de Hendrix suena como instrumento central su guitarra, haciendo adornos, el riff, y después el solo (que también es inconfundible, aunque la base da mucho juego para improvisar). Por esta razón "Little Wing" sea posiblemente una de las más famosas y admirables composiciones en cuanto a la guitarra eléctrica se refiere.

Un detalle que aparece solo en la versión de estudio es una especie de xilófono que toca la nota principal de cada acorde.

De entre las muchas covers que he encontrado me decanto por una del grupo de rock Toto, uno de los principales representantes del AOR, también llamado soft rock o simplemente rock melódico.

Esta cover se remonta a una de sus actuaciones en directo, más concretamente en París en el año 1990, durante su época más rockera en la que la banda estuvo liderada por su guitarrista Steve Lukather, un músico de estudio excelente que ha llegado a trabajar con artistas de la talla de Michael Jackson, entre otros.

En la versión de "Little Wing" Lukather es el único músico presente en la mayor parte de la canción tanto en la guitarra como en la voz. Al empezar el solo entra el sintetizador de David Paich.

Como dice el propio Lukather antes de empezar: "la canción fue tocada como tributo a Jimi Hendrix y Stevie Ray Vaughan" (éste último haría una versión instrumental de la misma con su banda de apoyo, Double Trouble a mediados de los 80, y cabe destacar que dicha versión es también muy buena).

Puestos a comparar también destaca la gran diferencia del sonido de la guitarra de Hendrix y la de Lukather, puesto que uno usa una Fender Stratocaster con sonido limpio y después pasa a usar su característica distorsión fuzz, mientras que el otro utiliza distorsión en todo momento, complementada también con reverberación y delay.

Esta es una de las pocas veces que en esta sección me gustan ambas versiones, tanto por la guitarra como por la voz.
En cuanto a vosotros os recuerdo que podéis comentar cuál de ambas os gusta más, y en la siguiente sección del mes que viene será nombrado el resultado.

-Versión original de Jimi Hendrix:



-Versión de Toto:



P.D.: Con respecto a la sección del mes pasado ("Ain't No Sunshine") queda en empate a uno entre la original de Bill Withers y la versión de Sting.

viernes, 30 de julio de 2010

Stone Sour se "poperizan" en su nuevo single


Cómo oís. Stone Sour nunca ha sido una banda "dura" por así decirlo, no tiene absolutamente nada que ver con Slipknot, de todas formas, parece que esta vez han bajado aún más su grado de "dureza" y se han pasado un poquillo a lo que vende. Ahora mismo podemos confirmar sin miedo ninguno que la banda se ha pasado al pop-rock y a los estribillos pegadizos.


Podéis comprobarlo vosotros mismos con el vídeo de abajo (tarda unos segundillos en aparecer). Vemos a Corey muy calmadillo, con barba de cuatro días y cantando de una forma excesivamente melódica. Sin más... echad un vistazo al vídeo y a la canción. Sencillamente no es lo que se buscaba, pero siendo sincero tampoco voy a decir que está tan mal.

Con todos vosotros, "Say You'll Haunt Me":

Crónica: Love Of Lesbian + Noise Project + Undertown (Cambados, Plaza de Fefiñáns 28/07/10)

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Llevaba bastante tiempo queriendo ver a estos señores en directo, y ayer me "llegó el momento", no iba tan ilusionado porque no es un grupo que me cause un gran furor, pero hay canciones que me gustan mucho, además sus directos suelen ser muy buenos. Principalmente iba por ellos, pero recientemente he conocido a Noise Project (véase la anterior publicación) y me ha gustado un montón. A Undertown no los conocí hasta ayer, y flipé bastante, me parecieron realmente buenos, además tocaban un estilo de música que está en mi podio de gustos.

A eso de las 21:15 "aterrizamos" en Cambados. Era, relativamente, bastante tarde teniendo en cuenta que el concierto empezaba a las 22.00, pero en realidad llegamos con el tiempo perfecto porque no había casi gente esperando y además tocaban tres bandas en total incluídos Love Of Lesbian, de lo que no tenía ni idea, pensaba que era sólo un grupo como telonero y ellos mismos.

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Puntuales, sobre las 22:05, salieron Undertown, banda originaria de O Salnés que entretuvo y divirtió a mucha gente con su grunge mezclado con metal y rock progresivo. Era un grupo muy prometedor desde mi punto de vista, tenían sus toques fuertes y sus pases melódicos, todo a su justa medida. Vamos, que agradaron mucho, al menos a mí. Si no me equivoco estaban presentando su primera maqueta titulada "+18" que salió a la venta a principios de este año.

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A eso de las 23:00, después de hacer algunos pequeños cambios en el escenario aparecieron Noise Project, grupo del que ya os hablé en mi anterior post. Presentaron su segundo álbum "Asuntos que se resolven co tempo". Fue otro grupo que agradó un montón, quizás a mí más que a mucha gente, porque me gustaría remarcar la actitud de cuatro menopáusicas que no paraban de molestar cantando canciones de Lori Meyers, Love Of Lesbian y cosas por el estilo que no procedían mucho, incluso hubo una que no pertenecía al grupito este que estuvo todo el maldito concierto hablando con sus amigos y diciendo "¡Iros ya!", detalle que me pareció propio de una persona ignorante, estúpida y sin ningún aprecio hacia la música. Desde mi punto de vista estas cosas sobran en conciertos o mini-festivales. Si alguien va a coger sitio antes o cualquier cosa que no esté molestando con niñadas a la gente que le gusta escuchar (o RESPETAR) todo tipo de música. Dejando este tema de lado me gustaría decir que el directo de este grupo de Valga es "acojonante", su estilo puede parecer aburrido a mucha gente, pero estuvieron de 10. Las guitarras "rápidas" y "sucias" del post y noise rock en algunos fragmentos de las canciones son geniales. Dos canciones que destacar: "Que se pare o mundo cando me dea o sol" y "A madalena" que incluso animaron por momentos al público que iba a su bola.

Sobre estos dos grupos no tengo mucho más que decir, me gustaría hablar más, pero como de Noise Project ya hablé y a Undertown los descubrí ayer mismo no podría escribir nada que no se hiciera repetitivo.
Hablemos ahora un poco del concierto de Love Of Lesbian...

Sobre las 00:00, más o menos, terminó la penúltima actuación y volvieron a hacer algún que otro cambio en el escenario, ninguno significativo. Unos minutos después, comenzó a oírse la intro que abre los conciertos de Love Of Lesbian habitualmente, un tema del último disco de la banda francesa M83.

Comenzaron a escucharse las primeras notas de "Allí donde solíamos gritar" al poco tiempo, una de los mejores canciones de la banda para mucha gente, entre la que me incluyo. Esta canción terminó de una forma bastante peculiar, el grupo la enlazó con "Por qué te vas", tema interpretado en el año 74 por Jeanette Dimech. A continuación el concierto siguió con "Las malas lenguas", "Mi personalidad", "1999", "Club de fans de John Boy", "El ectoplasta", "Noches reversibles", "Música de ascensores", "Incendios de nieve" y "Los colores de una sombra" (creo que el orden está bien). De estas canciones no hay ningún detalle curioso que destacar, asique proseguimos: La siguiente canción fue "Me amo", la cual fue presentada de una forma bastante peculiar, en la que Santi Balmes citó algo así como: "Esta canción está dedicada a aquellas personas que cuando se miran al espejo se sienten como Iniesta". 

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lunes, 26 de julio de 2010

Sons de Galicia (V): "Noise Project"

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Aquí estamos de nuevo, después de "tanto tiempo" sin publicar. Para ser sincero no he publicado en 13 días más que nada por mi vagueza y por el calor que esta asolando nuestra provincia. Cada vez nos estamos apagando más en lo que refiere a publicar, pero nunca llegaremos, al menos yo, al apagado completo, ya os he dicho desde prácticamente cuando cree el blog que nunca dejaré de lado esta página, a pesar de nuestro éxito cada vez más nulo. Aunque tenga que publicar una o dos veces al mes, lo haré, al fin y al cabo no busco (ni buscamos) una fama como otros muchos blogs musicales, sólo queremos (o intentamos) que nos lean algunas buenas gentes, que opinen (de opiniones andamos escasos, eso sí) y que les resulte agradable la instancia en este blog. Sin más, esta introducción no servirá de precedente de aquí en adelante, ya que cada vez que me retraso un poco publicando os suelto cosas que no interesan en un principio. Sólo quiero aclarar que estamos y estaremos vivos mientras mi "espíritu musical" permanezca en mi ser.

Hoy es lunes 26 de abril, acabamos de pasar el "boom" Xacobeo de ayer, y parece que la gente está algo más relajadilla, asique hoy es un buen día para presentaros a un grupo de post-rock gallego que está intentando hacerse hueco en nuestro escaso panorama de post-rock/shoegaze/noise rock, reciben el nombre de Noise Project, y nacieron hace unos seis años aproximadamente en el municipio pontevedrés de Valga.

Según sus letras, ellos mismos citan que tratan temas bastante abstractos que tocan la muerte, melancolía, el amor... principalmente. Por otro lado, se influencian de bandas como por ejemplo son Sonic Youth, The Jesus & Mary Chain, Mogwai o de los propios "creadores" del shoegaze: My Bloody Valentine. También hay que aclarar que la mayoría se criaron con la música de su época, los 90s, bandas como Nirvana, Los Planetas, Smashing Pumpkins, Melvins o Screaming Trees cobran un papel secundario en sus influencias, aunque suponemos que por ello no son menos importantes para ellos.

Este mismo año han lanzado su segundo disco (el primero recibe el nombre de "Teleclube", se estrenó en el año 2007) bajo el título "Asuntos que se resolven co tempo", álbum grabado en O Grove durante el año 2009, en el "Estudio Círculo Polar" y lanzado a través de "A Regueifa Discos". El álbum, en el que abunda la distorsión, las atmóferas oscuras y la melancolía, tiene un punto de referencia aparentemente instrumental, pero en muchas canciones se escuchan algunas voces tímidas y bastante distorsionadas (algo que quizás dificulte un poco la compresión de algunos temas pero que no causa ningún problema importante), un ejemplo claro está en la canción "A madalena", canción de amor que se basa en una relación imposible entre dos personas, en la cual cuesta bastante entender la letra, la voz suena demasiado baja y se esconde entre melodías intermitentes de "ruído"/limpieza, rasgo que caracteriza a muchos grupos de su estilo y que por lo tanto no se puede criticar de una forma negativa.

En el álbum también tenemos canciones con algo más de fuerza, como "Sempre me toca ser poli", donde la voz cobra algo más de protagonismo que en el anterior tema nombrado, "Que se pare o mundo cando me dea o Sol", probablemente su canción más ruidosa y "Concerto de disfraces", una canción que sobresale bastante de la estética propia del disco, ya que los acordes son bastante "alegres" por así decirlo, no son tan apagados y suaves como en otros temas del álbum, además la voz parece que se despierta un poco más, el tema avanza guiado por una frase que dice algo así como "Xía non pode respirar" y por último nombrar también "Morte e destrucción", tema integramente atmosférico en el que el grupo nos envuelve en un sitio cálido o quizás frio, puede que hasta las dos cosas, algo así como una hoguera o lluvia (creo que más bien lluvia), incluso parece que se escuchan grillos y la voz del silencio. Sin duda es una canción que a mí por lo menos me sitúa totalmente en Galicia, esta composición es casi mágica a la vez que simple, pero esa simpleza es perfecta, es un viaje hacia la naturaleza galaica en menos de cuatro minutos.

La formación consta de seis personas: Raúl (guitarra y voz), Víctor (batería), Óscar (bajo), Javi (guitarra), Ernst (teclado) y Álvaro (guitarra y voz).

Y esta es mi recomendación de hoy. Si os gustan grupos como Explosions In The Sky, My Bloody Valentine, Los Planetas o incluso TV On The Radio, Pavement o Godspeed You! Black Emperor os recomiendo darle una oportunidad a esta banda gallega que se merece mucho más de lo que tiene.

Para bajar su último y segundo trabajo, podéis hacer click AQUÍ. La descarga es cortesía del propio grupo, un detalle de su parte dejar descargar el álbum a la gente, se nota que están al tanto de que la música en formato físico sólo la compran unos cuantos "privilegiados".

Canción del vídeo: "Sempre me toca ser poli"
(Directo en el certamen GZcrea, año 2008).



P.D.:
El próximo miércoles 28 (de julio), pasado mañana, tocarán en Cambados junto a Love Of Lesbian, es una buena oportunidad para que podáis conocerlos.

sábado, 24 de julio de 2010

Analizando..."Live... In The Heart Of The City" (Whitesnake)

Después de que hace algún tiempo me plantease la idea de hablar de un disco en directo, ayer mismo me acordé de éste. Se trata de un disco doble que recoge no uno, sino dos conciertos de la banda que David Coverdale fundó dos años después de la separación de Deep Purple.

Dichas actuaciones se realizaron en junio de 1980 y noviembre de 1978 en el Hammersmith Odeon de Londres, y en ellas se recogen muchas de las mejores canciones de la banda en su primera etapa (es decir, antes de que se volvieran horteras y orientasen su música al glam metal tan afamado en los 80).

El álbum se publicó durante la gira de "Ready an' Willing", uno de los mejores álbumes de la banda. Publicado en 1980, recoge un gran repertorio lleno de rock con grandes influencias de blues, soul y también funky.

Cabe destacar que en este álbum y los dos que le seguirían ("Come an' Get it" de 1981, y "Saints and Sinners" de 1982), la formación de Whitesnake contaría con la presencia de dos ex-compañeros del vocalista cuando éste estaba en Deep Purple, se trata de Jon Lord a los teclados e Ian Paice a la batería.

Las canciones cobran mayor fuerza que en sus versiones de estudio. Se añaden coros donde antes no los había, y se recurre al alargamiento de los solos de guitarra y teclado. La voz de Coverdale gana presencia y energía, modificando a veces la melodía y dándole a su música esa expresividad tan propia de su voz (al menos la que tenía en aquella época).

En el repertorio del primer disco, se reúnen varias grandes éxtiso de los tres primeros discos de la banda: "Trouble" (1978), "Love Hunter" (1979) y "Ready an' Willing"; aunque el debut oficial de Whitesnake sería un álbum llamado "Snakebite", publicado también en 1978, del que proviene la canción con la que se abren ambas actuaciones, "Come On", mientras que de los demás podemos encontrar interpretaciones excelentes de:

"Walking in the Shadow of the Blues", la cual incluye una de las interpretaciones vocales más rockeras de Coverdale, como también es el caso de "Sweet Talker", "Fool for your Loving", "Ain't gonna Cry mo more", etc.

Además de las canciones propias de Whitesnake, Coverdale se toma la libertad de versionar canciones de su época como cantante de Deep Purple: "Might just take your Life" y "Mistreated", ambas del álbum "Burn", del que además hablé en una ocasión en esta sección.

En algunas de las canciones que acabo de citar hay varios detalles que cambian con respecto de sus versiones de estudio, como es el caso de "Ain't gonna Cry no more", que en su versión de estudio empieza con una guitarra acústica tocando acordes y la voz de Coverdale "deslizándose suavemente por las estrofas".

Después del estribillo, el resto de la banda da el acorde principal y lo deja morir al principio de cada frase. Más tarde la canción se vuelve eléctrica, y Coverdale vuelve su voz más desgarrada.

En "Love Hunter" el solista Micky Moody toca un largo solo de guitarra con slide, recurriendo a sus influencias más puramente "blueseras".

Otra gran aportación de Moody como guitarrista es el solo de guitarra en "Mistreated", donde también Coverdale hace variaciones en la melodía de la voz, y la verdad esque ahí se notan sus influencias soul y como dije más arriba, le da una gran expresividad a la canción.

En resumen, aquí se aprecia la química entre los miembros de la banda tanto entre sí como con el público, y se da ese típico caso en el que las canciones suenan mejor en directo que en estudio (lo cual no lo consigue cualquier grupo).

Os dejo con el video oficial de "Fool for your Loving", cuyas imágenes son de la actuación en Hammersmith que se grabaría para el álbum, aunque como audio suene la versión de estudio:

miércoles, 21 de julio de 2010

Recomendación musical: Pearl Jam

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Pues si, no he muerto, simplemente no he tenido tiempo, y en el día de hoy vuelvo a realizar mi sección, que a partir de la semana que viene volverá a ser los lunes, como antaño solía ser.

Esta semana os presento una canción que para muchos os será desconocida de un grupo mundialmente conocido.

El susodicho grupo se llama Pearl Jam, el cual ya menté en mi anterior publicación, en la que hablaba de otro de los grupos pilares del movimiento grunge surgido en Seattle a principios de los años 90, Alice In Chains.

La historia del grupo comienza en los años 80 cuando el guitarrista Stone Gossard y el bajista Jeff Ament se unen para formar un grupo, pero no será hasta la llegada de McCready a la segunda guitarra cuando comienzan a encontrar algo de estabilidad. Posteriormente Eddie Vedder es fichado como vocalista y tras participar en el disco “Temple of the Dog” junto a miembros de Soundgarden la formación quedó completa con la llegada al grupo del batería Dave Krusen.

Cuando se habla de Pearl Jam no se puede evitar pensar en Eddie Vedder. Ganador de un Globo de Oro por la realización de la banda sonora de la película “Into The Wild”, está considerado como uno de los mejores vocalistas de la escena del rock contemporáneo (para un humilde servidor la mejor voz masculina de la historia junto a Frank Sinatra y Ray Charles). Su voz rebosa sentimiento, carisma, dolor... Una prueba clara de su don la encontramos en la canción que os propongo hoy.

"Army Reserve" es la undécima pista del disco homónimo de la banda de Seattle. La letra habla sobre una mujer que espera la vuelta de su marido de la guerra.

La canción comienza con un riff de guitarra con un sonido bastante característico de la banda. La angustia y el dolor que la mujer siente las consigue transmitir Vedder a la perfección. Con una voz la mayor parte del tiempo rasgada, el vocalista de Pearl Jam pasa casi a gritar durante el estribillo, el cual contrasta en intensidad con la estrofa principal. En el estribillo encontramos otra característica no tanto de la banda, sino del grunge: los coros.

sábado, 17 de julio de 2010

Analizando..."Black Sabbath" (Black Sabbath)

Acercaros y os contaré la gran historia de cómo un cuarteto inglés sentó las bases del heavy metal.

Todo comienza en una fábrica siderúrgica, en la que un chaval llamado Tony Iommi se cortó accidentalmente la punta de los dedos de su mano derecha. Tras este percance, el joven Tony veía ahí acabada su afición, que era la música, más concretamente la guitarra. Pero éste se inspiró en el caso de otro guitarrista, el cual a siguió tocando a pesar de perder la movilidad de sus dedos. Fue así como decidió pulir unas bases de goma que luego usaría como prótesis, además de aflojar las cuerdas de la guitarra, bajándolas dos tonos de su afinación standard (de Mi Do), para facilitar más la movilidad de sus dedos.

Y al parecer, aquel fatídico accidente no fue después del todo tan "fatídico". Tony descubrió que aquellas prótesis le daban un sonido muy característico a la guitarra al pisar los trastes; un sonido metalizado que junto con la afinación tan grave de la guitarra le daba un toque más pesado a su música.

Una vez formada la banda por el cantante Ozzy Osbourne, el bajista Geezer Butler, el baterista Bill Ward y el propio Iommi (el cuál volvía después de haber pasado un corto periodo de tiempo en Jethro Tull), entre todos tuvieron que cambiar el nombre, por lo que se decantaron por Black Sabbath, sacado de la traducción del título de una película de terror italiana.

Junto a este cambio de nombre decidieron cambiar también el rumbo que tomaría su música, dándole a esta un sonido más pesado y oscuro, y con letras tenebrosas y sombrías.

De hecho, la banda fue bastante criticada desde sus inicios debido al contenido "satánico" de sus letras. Y en este álbum se pueden apreciar varias referencias al mismo diablo:

"Satan's sitting there, he's smiling"
(Satán está ahí sentado, sonriendo)

"My name is Lucifer, please take my hand"
(Mi nombre es Lucifer, por favor, toma mi mano)

La idea de experimentar con un sonido más oscuro y con letras inspiradas en el satanismo, la muerte o el terror, surgieron en base a que, en frente del local donde la banda solía ensayar, había un pequeño cine en el que se emitía en aquel entonces la película que daría nombre a la banda. Butler se preguntó entonces: "¿Por qué la gente se gasta el dinero para ver películas de miedo?"

En base a esto, se podría decir que decidieron atribuírle a su música un sonido más pesado y oscuro con la intención de que ésta "diera miedo".

Y el clarísimo ejemplo de esto es la canción que da nombre al álbum, y que además lo inicia.
En la versión de estudia se escucha una leve lluvia y el sonido fúnebre de una campana.

De repente irrumpe un riff que parece sacado de la banda sonora de una peli de terror que se mantiene constante cuando la voz de Ozzy empieza a describir situaciones inquietantes:

"What is this that stands before me?
Figure in black which points at me
Turn around quick, and start to run..."
"...Big black shape with eyes of fire
Telling people their desire..."

(¿Qué es esto que aparece frente a mí?
figura de negro que me señala
Gírate rápidamente y empieza a correr...
Gran forma negra con ojos de fuego
contandole a la gente su deseo...)

Durante estas estrofas se crea cierta inquietud al igual que en esas míticas escenas de las películas de terror, cuando el/la (normalmente "la") protagonista se encuentra solo/a en la oscuridad, y avanza sin rumbo, sabiendo que aquello de lo que huye se encuentra cerca.

Después de este ambiente sombrío y tenebroso surge un segundo riff con otro ritmo, esta vez más dinámico como si el ser del que se hablaba anteriormente en la canción se viera dispuesto a avalanzarse contra todo aquel que se encuentre en su camino:

"Satan's coming 'round the bend
People running 'cause they're scared
The people better go and beware!"

(Satán viene a la vuelta de la esquina
La gente corre porque está asustada
Será mejor que corran y tengan cuidado)

Cuando se conoció el contenido de la letra se llegó a creer que los miembros de la banda practicaban el ocultismo.
Sin embargo Butler, quien escribió la letra, declaró que se había malinterpretado su significado puesto que, según él, se trataba de una advertencia ante dichas prácticas ocultistas.

Esta canción es sin duda una de las primeras dentro del heavy metal propiamente dicho, cosa que Black Sabbath iría desarrollando durante la década de los 70, convirtiéndose en así en practicamente una leyenda para los fans del género.

De todos modos, yo considero que el resto del disco es más bien hard rock basado en el blues, lo cual se aprecia bastante en el manejo de la escala pentatónica (o escala de blues) por parte de Tony Iommi, además de que en algunas canciones se oye a Ozzy tocando la harmónica, como es el caso de "The Wizard", segunda canción del álbum, cuya letra está inspirada en Gandalf, personaje de la maravillosa saga literaria de Tolkien, "El Señor de los Anillos".

La letra de la canción se refiere a un brujo que se dedica a combatir el caos y el mal:

"Never talking
Just keeps walking
Spreading his magic
Evil power disappears
Demons worry when the wizard is near
He turns tears into joy
Everyone's happy when the wizard walks by"

(Nunca habla
sólo sigue andando
propagando su magia.
El poder maligno desaparece
los demonios se preocupan cuando el brujo está cerca
Él convierte las lágrimas en alegría
todos son felices cuando el brujo pasa caminando)

Otra canción en la que se aprecia un buen trabajo por la parte lírica es "N.I.B." (que conste que no sé que quieren decir esas iniciales).

Se podría decir que la letra está puesta en boca de Lucifer, el cual intenta convencer a una mujer de que su amor es real, de que si le sigue ahora no se arrepentirá y de que él mismo le dará todas aquellas cosas que ella desée (extraído textualmente de la letra de la canción).

Y otra de las canciones que me gustaría destacar es "Evil Woman", que tiene un ritmo muy propio del hard rock de aquel entonces, basado en el blues, como decía antes.

El título lo dice todo, habla de una mujer que lo consigue todo mediante engaños y mentiras:

"I see the look of evil in your eyes
Women filling me all full of lies
Sorrow will not change your shameful deals
You will pass someone else instead of me"

(Veo la mirada del mal en tus ojos
Mujeres llenándome de mentiras
El dolor no cambiará tus vergonzosos acuerdos
Pasarás a otro en mi lugar)

Otro de los detalles interesantes con respecto al sonido del álbum es que debido a la falta de presupuesto y de tiempo (sólo tuvieron dos días), se vieron obligados a grabar con todos los instrumentos juntos, como si se tratara de un directo, lo que le da un sonido más "primitivo" al álbum.

Inicialmente fueron siete las canciones que lo constituían, pero más tarde en una reedición se añadiría "Wicked World" como última canción.

Durante las sesiones de grabación, Ozzy cantaba en una cabina insonorizada al márgen de los instrumentos, pero grabando todos al mismo tiempo, además de que hicieron una única ronda para grabar la mayoría del material.

En definitiva, os recomiendo este trabajo si os gustan los riffs de guitarra pesados y las canciones con atmósferas oscuras y envolventes.

Os dejo con el vídeo oficial de la canción que da nombre a este siniestro álbum:

martes, 13 de julio de 2010

Nueva canción-adelanto de Interpol: "Barricade"

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Hace no mucho tiempo os presentaba una nueva canción que Interpol permitió escuchar como adelanto de su próximo disco que tiene previsto salir en septiembre de este año. Esa canción recibía el nombre de "Lights", y a pesar de que era bastante pegadiza no terminaba de convencer a todo el mundo.

Hoy nos ha llegado la noticia de que el grupo ha filtrado otra nueva canción titulada "Barricade", es un tema algo más movidillo e interesante, cumple las espectativas del grupo y refresca un poco su imagen. El tema es muy similar a otras canciones del grupo respecto a la estructura, pero tiene partes vocales algo novedosas, tirando hacia el minuto 2:45 en adelante más que nada.

Aún así, yo doy un aprobado a la canción, es buena aunque no haya leído la letra. Me gusta el hecho de que Interpol no se haya pasado también a los retoques electrónicos, cosa que muchos grupos han hecho y la han pifiado enormemente. La electrónica actualmente está destruyendo muchos grupos, y no digo que sea un estilo malo ni mucho menos, pero eso de que la música se trate tanto por ordenador llega a ser malo...

A continuación podéis escuchar "Barricade":

Porcupine Tree estrenan vídeo: "Bonnie The Cat"

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Porcupine Tree estrenaron recientemente el videoclip para el tema "Bonnie The Cat" perteneciente a su más reciente obra maestra: "The Incident". El vídeo forma parte del segundo single del álbum.

Las imágenes han sido dirigidas por el polaco Przemyslaw Vshebor (sí, vaya nombre). Son un tanto extrañas, en ellas se muestran a dos robots, por llamarlos de alguna manera, perdidos en medio de una especie de pasaje desierto.

En el transcurso del clip da la impresión de que se vigilan continuamente, que pueden predecir el futuro y que tienen como una extraña "fuerza" sobrenatural que les hace diferentes a los demás. Es algo extraño, pero suponemos que querrán ironizar alguna conducta o aspecto de los humanos.

Debajo tenéis el vídeo.

KoRn estrenan un peculiar concierto grabado en unos campos de cultivo

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KoRn han subido a su MySpace oficial bajo el nombre de "KoRn Live: The Encounter" ("El Encuentro", en español) un concierto que hicieron hace casi un mes en un "círculo de cultivo" ("crop circle"), nombre con el cual se designa a aquellos dibujos que aparecen de forma "espontánea" en los campos de cultivo de trigo, maíz o cualquier tipo de planta y a los cuales se les considera como un fenónemo paranormal.

El concierto fue grabado exactamente el día 21 de junio de este año, el día del solsticio de verano (San Juan) en la ciudad de Bakersfield. La duración es de nada más y nada menos que 1 hora y veinte minutos y en él presentan su nuevo disco ("KoRn III: Remember Who You Are"), recientemente filtrado en Internet que tenía como fecha oficial de salida hoy día 13 de julio.

Si queréis disfrutar de este concierto, un tanto extraño por las circunstancias pero no por eso malo, os lo dejo a continuación.

Music In The Memory cumple hoy dos años

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Tal día como hoy, hace dos años y a más o menos a esta misma hora comenzaba una nueva etapa en mi tiempo libre abriendo este Blog. Al principio lo utilicé simplemente para poner noticias, vídeos y entrevistas que me interesaban sólo a mí mismo, al cabo de un año y poco comenzaron a entrar colaboradores, el primero fue Adrián Amoedo, en agosto del 2009, y a finales de ese mismo año y principios del 2010 comenzaron a llegar más personas. Algunas duraron poco, otras no volvieron a publicar y las que aún permanecen continuan publicando cuando pueden, cosa que agradezco, aunque me gustaría que estuvieran algo más activas.

De ser un simple blog musical más hemos conseguido ser un blog con una media de entre 60 y 100 visitas al día, visitas que no llegan sólo desde España, si no de otros lugares de habla española como México, Argentina o Chile, Colombia e incluso de los Estados Unidos, Brasil o Croacia. A todos estos países o más bien a toda esa gente que nos visita le debemos mucho, ya que eso de que nos lean fuera de España es un gran logro.

Hace unos cuantos meses cambiamos el diseño de la página: colores y banner fundamentalmente, para facilitar la lectura de la gente, ya que los colores anteriores no eran muy atractivos e impedían leer más de media hora frente a la pantalla. También hemos creado chapas, hemos hecho campañas publicitarias en YouTube, Facebook, Tuenti y demás redes sociales, hemos construído nuestras propias secciones, hablado de estilos de música lo más variados posibles sin llegar a tocar a lo que atrae a las masas actualmente y sobre todo, hemos conseguido que la gente nos lea o nos visite de vez en cuando, que al fin y al cabo es lo más importante. Quizás la media de comentarios diarios no sea mayor que 1 u 2 al día, pero tampoco es lo que más cuenta, claro que de aquí en adelante esperemos tener un poquillo más de éxito sin pasarse. Hemos pensado ya en fabricar camisetas, pero habría que calcular el precio las ventas antes de nada, ya que todavía no somos tan conocidos como para hacer más merchandising que chapas o pegatinas.

Como hoy es nuestro 2º aniversario, nos gustaría que cualquier persona que se pase por aquí nos deje un breve resumen de que le parece la página, que mejoraría, que eliminaría o que propondría. Por supuesto, todavía aceptamos "currículums" de gente que quiera participar en el Blog de cualquier manera: con una sección propia, sacando fotos en conciertos, haciendo críticas, publicando noticias... Como sabéis, el tema siempre es libre, sólo ponemos de requisito que tenga que ver con la música y que no se traten temas que están ya demasiado machacados por prensa musical y televisión.


¡Gracias a todos por ayudarnos! Y os pido un favor sólo: animaros a dejar vuestras impresiones y críticas sobre nosotros.

Music In The Memory, since 2008.

P.D.: Antes de que acabe este mes, si es posible, haremos un disco recopilatorio con una colecta de canciones de diferentes estilos.

domingo, 11 de julio de 2010

Pearl Jam se darán un tiempo indefinido después de su último concierto celebrado en Portugal

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Ayer, sábado 10 de julio, se celebró en Portugal la "tercera parte" del festival Optimus Alive! en el que participaban (ese día), además de Pearl Jam, otros grupos como LCD Soundsystem, Gogol Bordello, Gomez, Crookers o Peaches (era el peor día en cuanto a cantidad-calidad, sinceramente).

En el concierto de Pearl Jam, después de que la banda acabara de tocar el tema "In Hiding" tras una ola de aplausos y gritos, se escuchó un "Hola, Lisboa", era Eddie Vedder, empuñando su folio con traducciones ya característico en muchos conciertos. Después de unos segundos de saludos y demás "muecas" y tras escuchar a Eddie decir que "el portugués es muy difícil" comenzó a escucharse el pequeño discurso del vocalista, que decía lo siguiente:

"Gracias por asistir a nuestro último show. No será el último para siempre pero será el último que daremos en mucho tiempo."


Después de estas palabras y de un silencio roto por silbidos, Eddie cambió de tercio y volvió a hablar en inglés sólo para decir algo así como: "Pero no importa, nos lo estamos pasando bien y no sabemos si esto se volverá a repetir".

A continuación, comenzaron a sonar los primeros acordes de "Unthought Known", una de las mejores canciones de su último disco (gusto personal). Y bueno, así se quedó la cosa, sin más palabras al respecto, sin más explicaciones ni nada.

Y ahora yo me empiezo a hacer preguntas que probablemente pueda responderme a mí mismo. La única fácil de responder es: ¿Por qué este hiato inesperado? Aparentemente hay una fácil respuesta: a pesar de que la gira de este disco no durara lo que se dice mucho, tenemos que recordar que Soundgarden han vuelto este año y tienen planeado dar algún que otro concierto... ¿Cuál es la consecuencia? Pues básicamente que Matt Cameron es uno de los miembros "originales" (vale, antes estuvo Scott Sundquist, sí) de la banda, y supongo que tendrá que trabajar también con ellos después de su vuelta. Además, supongo que el grupo querrá descansar un poco para volver con las pilas recargadas, pero lo malo es que no sabemos cuanto tardará en cargarse la batería de esas pilas... No creo que les apetezca buscar otra vez a un nuevo baterista, ya que Matt Cameron es el que más años ha aguantado con el grupo.

Veremos como se tercia esta asquerosa espera... Me gustaría imaginarme que cuando "vuelvan" de nuevo pueda verlos en directo, ya que el concierto del que os estoy hablando era uno de mis planes de verano que se fue al garete por diversos motivos. Quizás nunca llegue a ver a mi grupo favorito, probablemente gente con más dinero, medios, permisión y suerte me pasará por encima diciendo que ya los vió y todo eso, cosa que no me hará mucha gracia. La cuestión, enfocándome en mí mismo, es que he perdido una oportunidad más, y lo peor es que esta oportunidad era todavía más valiosa, no he tenido la suerte ni de ir al BBK Live tampoco, pero que se le va a hacer...

Como me decía ayer un hombre de unos treinta años ya: "por mucho que cambies de estilo por culpa de la sociedad, la ilusión y el espíritu de la música estará siempre en tu corazón, no en tu pelo largo, barba o camisetas."

sábado, 10 de julio de 2010

Analizando..."The Real Thing" (Faith No More)

Volvamos a ese maravilloso año llamado 1989, caracterizado por grandes acontecimientos como fue la caída del muro de Berlín, o el lanzamiento de álbumes que se volverían importantes, como sería el caso de este álbum de la banda californiana, ya que supuso un cambio radical en su sonido, principalmente por la entrada del emblemático cantante Mike Patton, procedente entonces del grupo Mr. Bungle.

Tras haber dejado sus estudios en la universidad de Humboldt, se uniría a Faith No More, que en aquel momento planeaban preparar nuevo material, por lo que Patton escribió todas las letras que compondrían el álbum en sólo dos semanas.

Además de su peculiar voz, de aquella algo nasal y juvenil con un tono desenfadado, lo que supondría un cambio radical para el sonido de la banda serían las innumerables influencias de Patton y su versatilidad musical, por lo cual la banda ganaría popularidad entre una mayor amplitud de fans.

Gracias a la difusión de videoclip de "Epic" (una de sus canciones más famosas), a través de la entonces "seria" cadena televisiva llamada MTV, "The Real Thing" sería ya disco de platino a finales de 1990.

En base al gran éxito que cosechó la banda, se fue de gira con Metallica, tocando ante públicos multitudinarios.

Respecto al disco, se caracteriza por tener las líneas de guitarra potentes y directas de Jim Martin, propias del heavy/thrash metal, una atmósfera envolvente creada por el teclista Roddy Bottum, adornos de bajo con toques funk de Billy Gould y las baterías sólidas y contundentes de Mike Bordin.

Todos ellos acompañaban el contraste vocal de Patton, el cual abarca en su repertorio el uso de "rapeos", "falsete", "screaming" (propios del hardcore punk), scat (improvisación vocal originaria del jazz), y un largo etcétera.

También cabe destacar en varias de las canciones, secciones instrumentales sistemáticas con cambios de ritmo y de tonalidad, influídas por el rock progresivo, como son por ejemplo:
"Surprise! You're dead" (que, por cierto aparece en la banda sonora de la película "Gremlins 2"), "Zombie eaters", "The Real Thing", o "Woodpecker from Mars" (única canción instrumental del disco).

Algunas de las canciones que me gustaría describir son:

- "Epic", donde Patton alterna rapeo en las estrofas y melodía en el estribillo, junto con el bajo que marca la nota principal mientras que la guitarra eléctrica le atribuye fuerza y los teclados hacen honor al nombre de la canción, dándole un aire de majestuosidad.

El videoclip recoge imágenes de la banda tocando en escenarios subrrealistas.

- "Falling to Pieces", es otra canción en la que se alternan melodía y rapeo, además de tener un pegadizo riff de bajo, al igual que las melodías del teclado.

Una buena versión de esta canción es la del "Live at the Brixton Academy", único álbum en directo que Faith No More publicaría en 1991 y que recogería varias de las canciones que este álbum reúne, junto con el single debut de la banda, "We care a lot", además de dos temas inéditos, "The Grade" y "The Cowboy Song".

- "Surprise! You're dead", que no tiene ni una sola frase melódica, es decir, la línea de voz está formada exclusivamente por rapeos y algún que otro gutural leve de Patton. Esta es una línea vocal complicada, ya que tiene estrofas donde la letra va muy seguida, acorde con el ritmo balanceante de la canción.

- "The Real Thing", la canción más larga del álbum, con sus más de 8 minutos de duración, que empieza con la batería marcando el ritmo, con un toque de "caja tumbada"(golpeando el borde de la caja con la baqueta tumbada sobre ella), el bombo y el charles.

Pronto aparece el sintetizador que envuelve la canción, e introduce la voz de Patton refiriéndose a una especie de "sensación" o "sentimiento":

"I know the feeling
It is the real thing
The essence of the truth
The perfect moment
That golden moment
I know you feel it too"

(Conozco la sensación
es "lo real"
la esencia de la verdad
el momento perfecto
ese momento dorado
sé que tú también lo sientes.)

La canción posee un cambio de ritmo muy logrado entre todos los componentes, incluído Patton, ya que en dicho momento, la voz sigue el mismo ritmo que los instrumentos.

Otra interesante característica de esta canción es que contrasta bastante bien estrofas suaves con estribillos más estridentes, a través de las que se transmite tanto tristeza como ira respectivamente, sumidas en esa atmósfera oscura que caracteriza a esta gran canción.

- También mencionaría el cover de "War Pigs", de Black Sabbath, de la que hablé hace algún tiempo en la sección "¿Original o Cover?", que como dije en su momento, suena incluso más potente que la versión original además de "transformarla", pasando de sonar como un clásico del hard rock de los 70, a sonar como una canción de rock alternativo de finales de los 80/principios de los 90.

Definitivamente, este es el álbum que más me gusta de Faith No More, después de haber escuchado los 4 álbumes que la banda grabó con Patton a la cabeza.

Os dejo con el vídeo oficial de "Epic", una de las primeras canciones que descubrí de este interesante grupo, gracias(por cierto) al colaborador de este blog Moore:

miércoles, 7 de julio de 2010

Revelada la portada y primer single del nuevo disco de Stone Sour

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La portada para el nuevo disco de Stone Sour ("Audio Secrecy") ha sido revelada ayer martes a través de la página oficial del grupo, la podréis ver más abajo, haciendo click sobre la imagen para ampliar si es menester.

El nuevo y tercer disco de la formación de Iowa será estrenado el próximo 7 de septiembre. El álbum fue grabado en los "Blackbird Studios" en Nashville durante el impacto de las inundiaciones y tormentas que destrozaron una gran parte de la ciudad.

Por otra parte, el grupo sacó a la luz también ayer el primer single oficial: "Say You'll Haunt Me" (podéis escucharlo abajo). Tema interesante pero aburrido, con partes que agradan algo y otras que no agradan nada, me da la sensación al escucharla (por 3ª vez) que no van al grano, el porqué ya no lo sé.

Con esta canción ya contamos con 4 adelantos completos del nuevo disco, junto a "Mission Statement", "The Bitter End" y "Digital", estrenadas algunas en un directo en Alemania ya podemos hacernos una ligera idea del contenido del disco, que por ahora, y con perdón, me da la sensación de que va a ser un auténtico coñazo. Las canciones son excesivamente apagadas y aburridas, no me producen tan buenas sensaciones como algunas del disco anterior, pero bueno, el disco completo todavía está por escuchar. No podemos poner en este caso la muerte de Paul Gray como excusa de la calidad y contenido del material ya que las grabaciones del disco ya estaban prácticamente finalizadas días antes de su muerte.

- Portada del disco y primer single:



lunes, 5 de julio de 2010

Noticias breves: "Vídeos" (Pearl Jam, KoRn, Apocalyptica)

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Lo más destacable de este semana respecto a vídeos ha sido sin duda: Pearl Jam (vídeo oficial), KoRn (directo en Jimmy Kimmel) y Apocalyptica (videoclip). Como no quiero profundizar mucho en cada uno de los vídeos, ya que la gente lo que quiere es verlos, supongo, sólo pondré una breve descripción y/o comentario.

Pearl Jam "Amongst The Waves": Es el tercer vídeo del grupo (de su último álbum). El tema pertenece a su último disco hasta la fecha, "Backspacer". Según podemos ver en las imágenes del vídeo (sobre todo las finales), el grupo nos trata de concienciar de la forma que pueden de los desastres que están haciendo los humanos sobre la Tierra, concretamente y en este caso sobre los mares, océanos, ríos, lagos... Si no me equivoco, las imágenes del final hacen referencia al desastre natural que se está produciendo en el Golfo de México.

Es bastante agradable de ver, ya que combina imágenes de espacios acuáticos naturales con otras del grupo en directo (es más, la canción que pone sonido al vídeo también está grabada en vivo). Os lo dejo a continuación.



KoRn "Let The Guilt Go" y "Oildale (Leave Me Alone)": KoRn acudieron el pasado 1 de julio al "late-night" de Jimmy Kimmel para presentar su nuevo disco "KoRn III: Remember Who You Are". Tocaron dos canciones del disco que está previsto que salga a la luz el próximo martes 13 de julio (buena fecha, sí), aunque se haya filtrado ya en innumerables páginas de Internet.

En los dos vídeos vemos a unos KoRn algo madurillos ya pero con un espíritu bastante joven pese a todo. En general la actuación es bastante buena, aunque en "Oildale" a Jonathan Davis quizás se le va un poco la voz en algunos momentos y bueno, me parece un poco de mala leche no captar más la esencia del guitarrista rítmica, que aunque sólo participe en algunos directos del grupo sigue siendo un miembro más... Si os fijáis en los vídeos, este individuo está atrás de todo, prácticamente escondido. Los vídeos:

"Let The Guilt Go":



"Oildale (Leave Me Alone)":



Y por último, os traigo el último vídeo de Apocalyptica: "End Of Me". La canción pertenece a su último disco, "7th Symphony", que tiene como fecha de lanzamiento oficial el 23 de agosto (que aún queda, vamos).

Como sabéis, este grupo es muy asiduo a hacer versiones de otras bandas y/o invitar a otros artistas a participar con ellos, y bueno, esta canción no iba a ser menos. El colaborador en ella es Gavin Rossdale, miembro de la banda de rock alternativo/grunge Bush, grupo que triunfó en los 90s, se separó en el 2002 y ha vuelto este año.

La canción a simple vista está bastante bien, suena mucho mejor que la nueva mierda canción de Bush. Podría definirse en este caso como "hard rock", por el sonido de la batería y las melodías de los violonchelos. A Gavin Rossdale no le falla la voz, aunque su cara no sea la misma "de siempre", por las arrugas y eso, sigue teniendo una voz genial, que esperemos que no desperdicie en el próximo disco que tiene previsto estrenar con su banda este año.

El vídeo podéis verlo pinchando AQUÍ. No lo puedo enlazar porque está la inserción de YouTube desactivada.

Confirmado: Muse y Arcade Fire en Santiago de Compostela (Xacobeo 2010)



Lo que se rumoreaba estos días ha cogido forma finalmente. Los británicos Muse y los canadienses Arcade Fire tocarán en Santiago de Compostela este verano. Muse lo hará primero, el 27 de agosto, y los de norteamérica los harán el 5 de septiembre, estos últimos encabezando el cartel del MTV Galicia.

El emplazamiento elegido ha sido el Monte do Gozo y las entradas para Muse serán de 40 euros en taquilla y de 30 en venta anticipada según anuncian en su página oficial. Las entradas para Arcade Fire serán en un principio gratuitas según se puede leer en diversas páginas web, ya que el festival en el que van a actuar no tendrá ningún coste.

Los conciertos, organizados por el Xacobeo, aspiran a concentrar a 60.000 personas (cosa que sinceramente no veo nada difícil con Muse...) y vendrán después de las actuaciones de míticos como Mark Knopfler, Patti Smith, Public Enemy o Motörhead... Desde luego, las palabras que al inicio del programa Xacobeo en el que proponían una "descentralización de la programación" creo que se están cumpliendo.

Me da que este verano va a ser muy productivo y uno de los mejores en Galicia desde hace mucho tiempo.

sábado, 3 de julio de 2010

¿Original o Cover?: "Ain't No Sunshine"

Bien, como volvemos a estar en primeros de mes, voy a retomar esta sección.

Tengo una comparación interesante, se trata de una canción que posiblemente hayáis escuchado en la banda sonora de la película "Nothing Hill", esa famosa comedia romántica de 1999 protagonizada por Hugh Grant y Julia Roberts, que por cierto cuenta con una estupenda banda sonora.

Se trata de "Ain't no Sunshine", compuesta por el cantante soul, Bill Withers, y publicada en 1971. Entre la cantidad de versiones que se han hecho de esta canción, una de las más conocidas es la que grabó un niño llamado Michael Jackson el mismo año para su álbum "Got to be There", pero yo no voy a hablar de esa versión, aunque reconozco que es muy buena, sobre todo porque trae consigo una genial interpretación vocal por parte de Michael, que todavía tenía una tesitura aguda al no haber llegado todavía a la pubertad y el agravamiento de la voz que ella conlleva.

Voy a hablaros de una versión que me encontré hace menos de un mes en youtube, la cual fue interpretada ni más ni menos que por el ex-vocalista y bajista de The Police, Sir Gordon Thomas Sumner, más mundialmente conocido como Sting.

Hay bastante diferencia entre la canción original y dicha versión: en la original, lo más importante (desde luego) es la voz de Bill Withers, con ese timbre tan inconfundible, acompañada por una sencillísima instrumentación formada por su guitarra acústica, un contrabajo y una batería muy suave, de modo que la atención se centre al 100% en la voz de Bill.

Sin embargo, la versión de Sting cuenta con una abundante instrumentación que le da un sonido más atractivo y exótico de tal modo que casi no tiene nada que ver con la canción original.

Entre los instrumentos aquí presentes se aprecian contrabajo, seguramente tocado por el propio Sting, punteos de guitarra española, una sección de cuerda, una percusión muy sencilla compuesta por unos cascabeles y lo que yo diría que son congas, y por último la colaboración del saxofonista David Sanborn, quien cuenta con gran cantidad de colaboraciones a sus espaldas junto a artistas de la taya de Eric Clapton, Stevie Wonder, Paul Simon, o Bruce Springsteen, seguidos de un largo etcétera.

En este caso podría decir que me gustan ambas versiones, porque cada una tiene distintos detalles que las hacen buenas, y a pesar de que la original es perfecta tal y como es, dentro de toda esa sencillez que la caracteriza, la versión de Sting me dejó apabuyado desde el momento en el que la descubrí.

Os dejo con los vídeos de ambas para que las disfrutéis, y recordad que si os interesa, podéis comentar acerca de cual os gusta más a modo de votación, la cual será desvelada en la siguiente edición de esta sección:

-Versión original de Bill Withers:



-Versión de Sting:



P.D.: Con respecto a la anterior edición, en la que comparaba la canción "Hurt", original de Nine Ich Nails junto con la famosa versión de Johnny Cash: el resultado final queda en 3-1 respectivamente, por lo que gana así la original de "NIN".