Analizando..."Pablo Honey" (Radiohead)

Siguiendo esta racha de rock alternativo/grunge, hoy os hablaré del trabajo debut de la banda de Oxford.

Recordando la entrada que hice el año pasado sobre "The Bends", en comparación con éste "Pablo Honey" es más rockero y el instrumento predominante son las guitarras.
Hay un buen contraste entre canciones tristes y estridentes, como la que abre el álbum, "You" o "Anyone Can Play Guitar"; y otras alegres y suaves como "How Do You?" o "Stop Whispering".

A diferencia de trabajos posteriores, y como ya dije con respecto a "The Bends", la voz de Thom Yorke apenas cae en el falsete, ya que las melodías comprenden un rango vocal más grave (dentro de lo que cabe).

Otra característica musical de este trabajo es la gran cantidad de adornos entre las guitarras. Teniendo en cuenta que en sus inicios Radiohead tenían 3 guitarras (Yorke, Greenwood y O'brien), el vocaliste solía tocar acordes mientras que los otros dos intercalaban punteos. El perfecto ejemplo de ésto es "Stop Whispering", de la que también cabe destacar su sencillez (sólo tiene dos acordes).

Por otra parte hay sitio para las baladas, y en este caso la más importante sin duda es "Creep", la canción que les llevó al éxito tras ser publicada como primer single de la banda, que muchos conoceréis ya seguramente. Según ciertas fuentes el éxito de la canción se debió a que un locutor de radio empezó a pincharla con mucha frecuencia porque le encantaba.

Otra anécdota interesante sobre esta canción es que el guitarrista Jonny Greenwood aporrea la guitarra antes del estribillo (un rasgo inconfundible de la misma). La verdadera razón por la que aporreaba de esa manera las cuerdas y emitía ese crugido tan sucio, era que detestaba tanto el tema que en las primeras sesiones de grabación intentaba "estropear" la atmósfera dando esos golpes. Para sorpresa de todos, aquel ruído quedaba bien como anticipación del estribillo.

En esta canción se puede apreciar, al igual que con Nirvana o Smashing Pumpkins, el contraste entre estrofas suaves y estribillo distorsionados. El hecho de que los tres coincidan en esta dinámica se debe a la influencia que ejerció sobre ellos la música de Pixies. También se aprecia dicha dinámica en"You"(mencionada antes).

Otra canción que me gustaría destacar es "Lurgee", penúltimo tema del álbum. Se trata de una preciosa balada caracterizada por la sencillez de su letra y por la emotiva interpretación de Yorke, que por cierto hace que esta se haya convertido en una de mis favoritas dentro de este disco.

Y puestos a destacar también están "Thinking About You", la única pista acústica entre las demás; "Anyone Can Play Guitar" por su riff principal que seguramente a más de uno le resulte familiar, así como su pegadizo estribillo; y también "Ripcord", "Vegetable", "Prove Yourself" y "I Can't", por la sencillez de sus estructuras y sus harmonías (sobre todo el final "Ripcord").

No me queda más que decir. Simplemente os recomiendo este trabajo, para los que queráis conocer "la otra cara" de Radiohead, es decir, en contraste con su etapa experimental, que también contiene trabajos admirables empezando por el "Ok Computer".

Y sin más preámbulos os dejo con "Stop Whispering":

Analizando..."Apple" (Mother Love Bone)

Hace hoy exactamente un año me dispuse a hablar en esta misma sección sobre "Temple Of The Dog", proyecto musical a modo de homenaje a Andrew Wood, fallecido en 1990 a causa de una sobredosis de heroína.

Ayer se cumplían nada menos que 20 años de la publicación de aquel álbum (que hoy en día se ha convertido en uno de mis favoritos), y a pesar de haber tardado tanto tiempo en escuchar a esta banda de Seattle, me gustaría daros a conocer un poco a Wood para los que no lo conociérais.

Mother Love Bone surge hacia finales de 1987, tras la separación de Green River (considerada la primera banda grunge en darse a conocer, de la que saldrían Stone Gossard y Jeff Ament en guitarra y bajo respectivamente), Malfunkshun, de donde saldría el propio Wood, y Skin Yard, de donde saldría el batería Greg Gilmore. Más tarde se completaría la formación en 1988 al unirse el guitarrista Bruce Fairweather.

La banda debutaría al año siguiente con su EP "Shine", que daría a conocer las influencias hard rock de Gossard y Ament, con grandes influjos de funk y ciertas pinceladas de glam metal.

La culminación y fin de la banda llegaría con la publicación de su único LP, "Apple" en 1990, pocos después de la muerte del vocalista, el cual había pasado varios días en coma tras chutarse una sobredosis.

El contenido de este álbum no tiene desperdicio. La mayoría de canciones se caracterizan por ritmos funky muy enérgicos, guitarras distorsionadas y una voz muy personal por parte de Wood, bien acompañada en más de una ocasión por coros, como por ejemplo en "Holly Roller", "Come Bite the Apple", "Heartshine" o "Capricorn Sister".

Pero también hay sitio para bonitas baladas acústicas, con melodías melancólicas y una voz más serena ("Bone China", "Stargazer"). También se puede escuchar a Wood tocando el piano en "Man of the Golden Words" o "Gentle Groove".

Sin duda el punto culminante llega con la última canción, "Crown of Thorns", extraída del EP debut de la banda, en el que estaba unida a la canción "Chloe Dancer": una preciosa canción cuyo único instrumento es el piano que acompaña a la voz de Wood, mientras éste canta acerca de "una tal Chloe". La versión de "Apple" de la canción en cuestión posée un sonido más definido que la original: se le añadió un poco de reverberación a todo, de tal modo que la canción se ve envuelta en una atmósfera que le da una mayor expresividad en cierto modo, tanto a las guitarras como a la voz.

Esto no quiere decir que se le tenga que restar importancia a las demás canciones, de hecho (personalmente) el álbum es pegadizo desde la primera canción ("This Is Shangrila"), ya que no le falta detalle: la batería marca un ritmo pegadizo, la melodía de guitarra es muy oirignal, y cómo no, la voz es inigualable, tiene un timbre y una expresividad que no se encuentra en cualquier grupo (ya sólo en cuanto a grunge se refiere).

La canción siguiente también merece una mención. "Stardog Champion" tiene un ritmo más lento, pero también cuenta con una melodía fácil de recordar respaldada por una base rítmica potente y sencilla.

Podría comentar la mayoría de canciones, pero creo que así perdería el encanto escucharlas uno mismo y apreciar este trabajo. Para los que os guste el sonido de Pearl Jam en "Ten", o para los que busquéis grupos de la "escena Seattle" no podéis prescindir de Mother Love Bone, puesto que es una de las bandas pioneras junto a Mudhoney, que salió al mismo tiempo de la estirpe de Green River.

Por mi parte nada más. Os dejo con "Stardog Champion":

Nach: El Idioma De Los Dioses (videoclip + opinión)

Antes de nada, tengo que reconocer que Nach nunca fue de mis preferentes dentro de la música rap de este país, pero creo que a partir de hoy va a cambiar mi pensamiento al respecto. He descubierto esta nueva canción suya (con su respectivo videoclip) hace unos 20 minutos y me gustaría compartirla y que leáis su letra. Creo que describe perfectamente lo que sentimos la gente que adoramos la música de casi todo tipo, lo que nos hace sentir y el poder sanador que nos produce.

Os voy a dar un poco el tostón, aunque me gustaría ser breve....

En el año 2008 comencé con este blog, con 16 años, cumplí al poco tiempo 17. La razón por la cual arranqué con este proyecto, si se le puede llamar así, fue básicamente el amor y atracción que siento hacia la música en general, digamos que mi memoria se fortalece cada vez que escucho una canción que me gusta, que puedo seguir adelante día a día gracias a ella, me ha ayudado en muchas cosas y el poder únicamente sentir una melodía o captar un mensaje a través de esta me produce una sensación que NADA (repito, NADA) me puede producir ni me producirá. A mucha gente se la produce cualquier otra cosa, a mí no. El simple hecho de poder llegar a casa o salir a la calle con unas ondas transparentes atravesando mis oídos me cura todo, me aisla de forma sana y me hace desconectar del mundo a pesar de seguir en él.

Hoy es 15 de abril del 2011 y dentro de poco se cumplirá el tercer aniversario de este blog, que ya es plural y no forma sólo parte de mí. El haber creado esto me satisface tanto como a un músico dar con el riff perfecto para su canción, y el haberlo llevado adelante me hace conocer que algún destino relacionado con esto me podrá guiar hacia algún sitio (me refiero profesionalmente y no, a la vez). Ojalá algún día aprenda a tocar algún instrumento de una forma seria y pueda vivir de ello, pero la realidad no es fácil ni yo sé tocar, además supongo que mucha gente quiere hacer lo mismo, otros por lo mismo que yo y los restantes por el dinero, y estos últimos, no vamos a engañarnos, son los que lo conseguirán.

Después de escribir esto tan tranquilo me quedo. Me apetecía salir un poco de la monotoneidad y la aparente formalidad de la página y hablar un poco, resulta aburrido leer en todas las webs de música lo mismo pero con otras palabras. Como pasa con la música en sí, lo mismo pasa con las páginas web: mientras este blog podrá pasar desapercibido por su nombre, su dominio de identificación y su diseño, otros con más estilo y menos carácter y sacrificio hacia algo son los que moverán los hilos, y eso lo podréis comprobar vosotros mismos y con casi cualquier cosa.

Nada más, vine aquí y ahora para que podáis escuchar esta canción (¿podría decir poema?) y ver el vídeo. Como ya dije por el Facebook: aunque no os guste el rap ni la música de Nach, escuchadla. Si puede ser entera casi que mejor, si no a partir del minuto 2:35. Lo que me pareció al principio una canción típica de amor-desamor-pérdida-consuelo se terminó convirtiendo en una pieza de amor hacia el bien más preciado que se pudo crear: la música.

Disfrutad. Yo lo hice, y mucho.



Por cierto, la canción pertenece al nuevo disco del rapero "Mejor que el silencio". Os dejo con la letra también, aunque haga un poco fea y larga la estructura de la entrada.

"Si estoy solo tú me acoges eres mi fiel compañía,
Me hablas sincera y me esperas cuando empieza el día.
Mi guía, mi faro de Alejandría, si me ves perdido
Te miro y elimino la tristeza en un suspiro.

Das sentido a mi existencia, tú, desobediencia,
Tú, sola presencia merece mi reverencia,
Tú, me diste un don, fuiste mi espada,
Siempre encerrada en tu prisión si la inspiración faltaba.

Desde la nada me abrazas, no prohíbes ni amenazas
Tan romántica y auténtica, tú nunca te disfrazas
Como un hada y un verdugo firme escudo en la batalla,
Tú, a quién acudo si otros fallan.

Me das retos, aventuras y responsabilidad,
Me das éxito y dinero me quitas la intimidad,
Me exiges crear, me haces temblar, soñar, me curas
Me eliges para hablar si las calles están mudas.
Me desnudas con ternura y siento tu tacto y tu olor,

Si te veo volar libre entre la voz de un cantautor
Eres Ópera y Flamenco, eres todo lo que tengo y te amo,
Mientras brotas entre las notas de un piano.

Y me desintegras pintando estas noches negras,
Me alegras, me invades, me evades, alejas las tinieblas

Y me resucitas siempre, nunca me mientes
Eres el recipiente donde lágrimas se vierten.
Eres Tango y eres ritmo vives en do, re, mi, fa
Impredecible compás cuando te vistes de Jazz,
Llegas y me das oxígeno, mi único somnífero
Si el mortífero estrés tensa mis músculos, discípulo
De tu inmensa maestría cuando no te conocía,
Como podía vivir sin percibir tu melodía
Fuiste mía y solo mía en mis horas de miseria,
Compones la banda sonora de esta tragicomedia.

Tú reina entre mil reyes, cumbre de mis valles,
Me levitas y así evitas que tanto odio me ametralle
Tú, si eres Hip Hop muestras denuncia y carisma,
Pero te vistes de clásica y sigues siendo la misma.
Eres tú, mi suerte, eres tú, tan fuerte, eres tú, tú, tan diferente
Surges y de repente la vida olvida a la muerte.

Imposible de tenerte si naces de un pentagrama,
Si el drama yace en mi cama me abres enormes ventanas,
Tu llama jamás se apaga, luz de eterna juventud
Cuando llores punteando una guitarra de Blues.

Eres tú, la rabia sucia y rasgada de Kurt Cobain
El compromiso sincero de Marvin Gaye,
La grandeza de John Coltrane improvisando con el saxo,
La mirada niñada en los ojos de Michael Jackson.

Y es que tu son me sedujo, tu luz me dejo perplejo y caí,
Reviví como el sol en forma de Soul y R&B
Bebí de ti el elixir y resistí los golpes,
Si fui torpe encontré por fin mi norte, mi soporte.

Entre acordes de Mark Knopfler redobles de Hancock Herbie,
De Vivaldi hasta Elvis, desde Verdi hasta Chuck Berry.

Inmortales piezas musicales hacen que el tiempo se pare,
Estallan como bombas provocando ondas letales
De esperanza, de aliento y vida, mi gran amiga
Solo tú haces eficaces todas las frases que diga,
Mi balanza, mi paz, mi druida, en la fatiga
Solo tú haces realidad los sueños que yo persiga.

Y es que sin ti no hay destino, solo piedra y mil caminos,
Sin ti, soy un mimo temblando en el camerino.
Pero tú acoges mis voces si me ves desorientado,
Y bailas conmigo un vals igual que dos enamorados.

Eres la llave inmortal que abre este mental presidio,
Desde “Tearz” Wu Tang Clan hasta el “Ojalá” de Silvio.

Envidio el poder que impones en canciones
Despiertas mis emociones, con creaciones de Ennio Morricone.
Sensaciones sin control cuando eres Rock n' Roll,
El erotismo de un bemol en la voz de Diana Krall
El solo de guitarra eléctrica que el silencio rompe,
La armónica que esconden las manos de Steve Wonder.

Te vi dónde todo acaba y nada se irá con Black Sabbath
Respiras vida con la calma que inspira Bob Dylan,
Oscilas y posees a James Brown mueves su cuerpo,
Junto a Freddy Mercury, Ray Charles jamás habrán muerto.

Y es cierto da igual que suenes con un arpa o un Akai,
Con la clase de Frank Sinatra o de Barry White.
Eres la métrica enigmática que envuelve mi ser y lo salva,
El idioma con el que los dioses hablan, eres música."

P.D.: Para mí la música y la memoria son totalmente compatibles (Music in the memory...). Cada vez que se me viene la cabeza alguna canción también lo hace un recuerdo, una persona, un lugar... es como una especie de subconsciente que activa los recuerdos en mi cerebro, los buenos y los malos. No sé, quizás estoy loco, pero me pasa constantemente.

10 años sin Joey Ramone

Dentro de 1 mes y 4 días hubiera cumplido 60 años, pero se nos quedó por el camino a causa de un linfoma que le persiguió durante la década de los 90 y acabó con él en el año 2003.

Es evidente el legado de su música y de su trabajo con los Ramones, grupo conocido mundialmente, sea por su música o por su merchandising que lleva ya décadas desbordando el mundo, incluso en la moda y a pesar de que mucha gente no sepa lo que calza.

¿Necesito decir algo más? Creo que no. Y no es por pereza, es porque todos conocemos a esta banda legendaria y sabemos que el punk rock de los 70s no sería lo mismo sin su música, incluso me atrevería a decir que todo el punk en general e incluso el rock.

Os dejamos con "In A Little While" (os esperábais "Blitzkrieg Bop", ¿eh? NO, GRACIAS) de U2. Os preguntaréis por qué una canción de U2, pues fácil respuesta: es la última canción que escuchó, o eso dicen fuentes oficiales, antes de morir. Además, desde el momento en que se enteró Bono, en la mayoría de los conciertos de su grupo hace una introducción explicando el detalle.

R.I.P. Joey (1951-2001)

Rap vs. Racismo: una lección en más contra odio racial

Esta misma semana salía a la luz este videoclip a través de el canal de YouTube de HHDirecto. Se trata una especie de reunión de músicos de rap en español, muchos de ellos ya veteranos, que tratan a través de los oídos -o intentarlo tratarlo- el exceso de racismo que todavía persiste en nuestra sociedad. Sí, todavía existe, todavía se mata a gente por su color de piel, y mucha, demasiada. Estamos en el año 2011, el mundo ya debería de estar avanzado respecto a algunos temas, pero todavía queda mucha gente que ha nacido para destrozarlo y para convertir la historia de la raza humana sobre un planeta más del Sistema Solar en escoria.

El pasado lunes se presentó el clip en una rueda de prensa de Madrid. Está destinado, entre otras cosas, para una campaña de sensibilización escolar promovida por la ONG "Movimiento contra la intolerancia". Además del acto en Madrid, se realizarán muchos más en los propios centros escolares y más instituciones, donde además se repartirán unos 3.000 DVD's con el vídeo.

Quitando el tema del que tratan, que es más que serio, la canción es estupenda. Una parte de la vieja escuela española de los 90s junto a otra parte no tan veterana une sus fuerzas líricas para regalarnos una canción estupendamente estructurada y muy agradable al oído.

Todo para vosotros... deleitaros con Lírico, Santo, El Langi, Kase O, Nach, Locus, Ose, Nerviozzo, Sho Hai, Zatu, Gitano Antón, Titó, Xhelazz y el propio Chojin (que no participa mucho, por cierto).

¡Ah, por cierto! La canción pertenece al nuevo disco del Chojin de este mismo año, "El ataque de los que observaban".

Analizando..."Siamese Dream" (Smashing Pumpkins)

Tras esta tierna y fraternal imagen se encuentra uno de los mejores trabajos que un servidor ha tenido el placer de escuchar. "Siamese Dreams" es el segundo y tal vez el más reconocido trabajo de la banda estadounidense.

Como mencioné al hablar de "The Mellon Collie & The Infinite Sadness", en un principio estaba previsto que el álbum fuera doble, pero más tarde la idea se desechó y parte del material se reservó para dicho sucesor.

Fue publicado en 1993, tras un largo y duro proceso de grabación: por un lado, la bajista D'arcy Wretzky y el guitarra James Iha habían acabado una relación sentimental recientemente, por lo que pasaban por un momento tenso; y por otro lado, el batería Jimmy Chamberlin comenzó a tener problemas con la heroína hasta tal punto en que la banda se vio obligada a cambiar de estudio repetidas veces para evitar que éste se reuniera con su "contacto".

Debido a la situación que se les mostraba, la mayoría de las líneas de guitarra fueron grabadas por el líder de la banda, Billy Corgan.

A pesar de las adversas circunstancias el resultado fue impecable: se sigue la dinámica que puso Nirvana en vigor, influidos por los Pixies, alternando secciones muy suaves con otras estridentes.

Dicha dinámica llega a un punto álgido en este álbum, en canciones como "Today", "Soma", "Mayonaise" o "Silverfuck".

"Today" fue el segundo single del álbum, después de "Cherub Rock". Es fácilmente reconocible por la melodía de guitarra que suena al principio, además de esa distorsión sucia tan característica de los Smashing.

El siguiente single fue "Disarm": una preciosa balada acústica que cuenta con una sección de cuerda, un timbal e incluso campanas, que le añaden emoción a la suave voz de Corgan; sin duda una de esas canciones que te tocan la fibra sensible.

"Soma" es otra balada, y para mí uno de los puntos culminantes del álbum (junto a "Silverfuck"). Empieza con un sencillo punteo y un sonido limpio, y seguidamente hacen su aparición la batería y la distorsión, seguidos de un solo. El cantante escribió la letra tras haber roto con su novia, representando una discusión, expresando la perspectiva de ambas personas.

"Mayonaise" es otra canción de las que tocan la fibra sensible: comienza con una guitarra limpia rasgueando una serie de tres acordes, acompañando a una segunda que improvisa un solo sencillo. Al igual que el resto de canciones de álbum, posee una melodía fácil de recordar, además de tener un punto de melancolía que se expresan más aún con los acordes abiertos tocados en una guitarra acústica hacia el final.

"Silverfuck" es la culminación de la dinámica "suavidad/estridencia" tan típica del grupo. Cade destacar que la canción se mantiene en un solo acorde, pero dentro de éste se alternan varios riffs, con un sonido muy psicodélico, siguiendo la línea del álbum debut de la banda, "Gish".

La mejor parte llega ayá por la mitad de la canción, cuando se queda el bajo solo, marcando la nota principal mientras Corgan sigue cantando muy bajito, casi susurrando, y de vez en cuando se oyen adornos de guitarra. Después se para todo y se oye la voz de Corgan sin nada más que un efecto de delay que suena antes y después de que cante. De repente regresan los instrumentos después de una de esas anticipaciones y el final es completamente caótico y ruidoso.

Lo que me ha enseñado este disco es que en lo que a "ruído" se refiere se puede hacer bien o mal, y en este caso se hace bastante bien. Tanto que casi da gusto escucharlo.

Y para acabar debo destacar las dos últimas canciones: "Sweet Sweet" y "Luna", que son lentas, cortas (1:40 y 3:20 respectivamente), y tranquilas. Una ocasión más de escuchar la dulce voz de Corgan, acompañada por suaves rasgueos de guitarra en una, y por coros en la otra.

Un disco redondo donde los haya: potente y a la vez delicado.

Y saltándome lo que digo siempre (porque no me gusta repetirme), os dejo con el videoclip de "Today", que sirve perfectamente de ejemplo para el sonido del grupo y más concretamente de este disco, con momentos estridentes rodeados de un halo de psicodelia:

Analizando..."Bleach" (Nirvana)

No iba a ser menos que, a la hora de hablar de bandas grunge hablase de Nirvana, y creo que más de una persona estará de acuerdo en que haya elegido este álbum en concreto.

"Bleach" fue su debut, publicado en 1989, grabado con un escaso presupuesto, a pesar de incluír también algunas demos grabadas un año antes.

En cuanto al sonido, se puede resumir en pocas palabras: sucio, contundente, pesimista...entre otras. Según los propios componentes de la banda, las influencias que tuvieron en aquel entonces comprendían desde el punk hasta el metal, pasando también por el rock psicodélico, citando también algunos grupos que comenzaban a emerger en Seattle en aquel momento.

Las guitarras son sucias y estridentes, la voz de Kurt Cobain, como bien se le reconoce, es rasgada, con momentos suaves pero alcanzando también escalofriantes gritos. Por otra parte, la batería suena muy directa, con redobles, secciones con doble bombo y ante todo ritmos rápidos, como por ejemplo en "Negative Creep", probablemente una de las canciones más agresivas de todo el álbum.

Junto a ésta cabe mencionar "Blew", que abre el álbum; "School" más lenta y pesada, y con una letra muy escasa, algo que parece muy propio en las composiciones de Cobain; "Scoof" otro ejemplo del sonido que he intentado definir más arriba.

Y cómo no, "About a Girl", denominada por el propio Cobain como la "canción pop" del disco. El título surgió de la respuesta que dió el vocalista a su amigo Krist Novoselic(bajista de la banda), cuando éste escuchó la canción tocada por Kurt por primera vez. Desde el primer momento en que Cobain presentó la canción al resto de la banda y al productor, se sentía en cierto modo preocupado de que pudiera sonar demasiado comercial en comparación con el resto del material.

A pesar de todo, la canción resultó un verdadero éxito, y a día de hoy sigue siendo una de los buques insignia de la banda (porque Nirvana no son sólo "Smells Like Teen Spirit"), siendo también la canción con la que abrirían el mitiquísimo MTV Unplugged, que a todos os sonará haber visto, al menos un fragmento.

Os recomiendo el álbum a los que busquéis un sonido rudo y directo. Os dejo con una versión en directo de "Blew":