jueves, 19 de abril de 2012

ECOS DEL DESIERTO: Kyuss

Esta semana los ecos suenan más fuerte que nunca, las rocas tiemblan y el desierto se estremece con el sonido de sus profetas. El rojo sol se pone tras las colinas de Sky Valley dejándonos a merced de sus hijos predilectos. Kyuss

La historia del rock está llena de dualidades, Beatles o Rolling, Led Zeppelin o Black Sabbath, y es que a los fans les gusta mucho defender a sus ídolos y eso de las rivalidades vende mucho. Escribo esto porque hoy voy a hablar, por decirlo de alguna manera, sobre los Led Zeppelin del Stoner.

Es cierto que Black Sabbath, ha sido la mayor influencia del género y el grupo más versionado por bandas de Stoner, empezando por el "Into the Void" de Kyuss. Sus riffs pesados y sus ritmos inspirados en la metalurgia, donde Tommy Iommi perdió las yemas de los dedos, son el abc del metal y el soporte vital del Rock Desértico

Sin embargo en las composiciones de Kyuss no todo es pesado, hay multitud de enrevesadas melodías, arreglos de guitarra y efectos que recuerdan a la psicodelia de Zeppelin, salvando las diferencias de género, por no mencionar sus temas acústicos con aires de música india o sus atmósferas expansivas.

La semana que viene hablaré de los que considero los Black Sabbath del Stoner y quedará más claro por qué hago estas comparaciones.


Todo empezó en Palm Desert, California, a finales de los 80 cuando cuatro amigos del instituto se animaron a formar el grupo con el que llevaban soñando toda la vida. Ellos eran John García (vocalista), Josh Homme (guitarra), Brant Bjork (batería), y Chris Cockrell (bajo).

En su afición a los juegos de rol encontraron el nombre para su grupo, en un principio Sons of  Kyuss y posteriormente Kyuss. Pronunciado como "kai-uss" alude a los guerreros Kai de Dragones y Mazmorras.

Participaban en las Generator Parties, conciertos junto a otras bandas locales en medio del desierto.

"Cuando tienes un grupo de personas que aman la música, algo surgirá casi  por aburrimiento, por las ganas de hacer algo. No había clubes ni nada para nosotros, recuerda que estábamos a dos horas de los Angeles, en medio de la nada. Tuvimos que hallar la forma de hacer lo que queríamos. Siempre hay una manera de encontrar esa diversión, de escapar de la casa de tus padres y hacer estas cosas (...) Cuando tocas en el desierto y es una noche hermosa, o no tan hermosa, siempre es increíble, siempre. Pero seré honesto, no me voy a poner como Jim Morrison y decirte que era una cosa mágica, sicodélica que tuviera algo chamanístico. Josh tendrá su forma de describir la escena, también Nick y Brant, pero para mí eran sólo chicos tratando de liberar un poco de vapor." (John García en su entrevista para RockAxis)
En 1990 graban "Sons of Kyuss", su primer Ep, "Ese primer álbum…lo grabamos siendo unos críos, es un disco bastante extraño, supongo que no sabíamos todavía muy bien lo que queríamos" (John García en otra entrevista para un blog)

En 1991 Nick Oliveri sustituye a Chris al bajo y graban "Wretch", un disco crudo y primitivo en el que se empieza a vislumbrar el camino que llevarán pese a tener importantes influencias de estilos simples y directos como punk, grunge o hardcore.

A partir de 1992 con la grabación de "Blues for the Red Sun" definitivamente encontraron su camino, éste y los siguientes dos discos son la cima de Kyuss tal y como se conoce. Chris Goss del grupo Masters of Reality se une a ellos en calidad de productor dándoles ese sonido tan característico.

En 1994 Scott Reeder toma las riendas del bajo para grabar "Welcome to Sky Valley", personalmente mi disco y bajista favoritos. En la gira de este disco se produce el último cambio en la formación cuando Brant Bjork deja la banda por problemas internos para dedicarse a su propio proyecto, Fu Manchu, dejando en su puesto a Alfredo Hernández.
Dejo un concierto precisamente de la gira de este disco para que los disfrutes, aunque con mala calidad, en su máximo esplendor.

Con esta formación llega lo que será su último disco oficial "...And the Circus Leaves Town", un título que ya hacia presagiar la disolución de la banda, pese a que se mantuvo dando coletazos un par de años más.

El reconocimiento les llegó tarde, en parte gracias éxito del nuevo grupo de Josh Homme, Queens of the Stone Age, que nos hizo a muchos indagar hasta llegar a Kyuss.

Prueba de este reconocimiento es el tributo que en 2004 les rindieron bandas como CygnusLos Natas y Buffalo"Listen Without Distraction, A tribute to Kyuss", que tiene versiones realmente interesantes dándole otra vuelta a los clásicos del grupo.

En el 2000 sacaron un recopilatorio llamado "Muchas Gracias, The best of Kyuss", con el que se despedían de su reducido aunque fiel público.

Ya iremos analizando uno a uno los proyectos que formó cada miembro de la banda, Fu Manchu, Mondo Generator, Hermano, Unida, Queens of the Stone Age, todos diferentes aunque dentro del mismo estilo.

En respuesta a los deseos de los fans, volvieron a girar el año pasado, bajo el nombre de Kyuss Lives, aunque no con todos los originales, (Josh Homme es totalmente impensable que vuelva) con una formación más que digna y bastante fiel a los inicios, John García, Nick Oliveri y Brant Bjork.

Pero es mejor escucharlo a que yo te lo cuente, así que aquí te dejo la discografía completa y te deseo un buen viaje.

"Listening without distraction"


miércoles, 11 de abril de 2012

ECOS DEL DESIERTO: Una sección de música psicoactiva


Sabías que algo raro estaba pasando, sientes cómo flota a tu alrededor envolviéndote, necesitas algo pero no sabes qué, la inquietud tensa tu cuerpo y desespera tu mente, tu cerebro pide a gritos algo que lo estimule, algo realmente bueno, que te ondule, que te transporte...

No es la llegada de la primavera lo que sientes, sino el aire caliente del desierto que desde hoy invade este blog. Y es que la familia de Music in the memory me ha habilitado un rinconcito perfecto donde poder desbarrar a gusto sobre mi pasión musical, el Stoner rock.

Así que a partir de ahora, y espero que por mucho tiempo, los ecos del desierto reverberarán en esta sección dejando grandes dosis de música psicoactiva, analizando las principales bandas del rock desértico en todas sus variantes, sus influencias y el fenómeno en general.

Empezaremos tirando de wikipedia, ¿Qué es eso del Stoner Rock?

 "El término Stoner rock proviene de la palabra stoner, que en inglés significa fumador de marihuana." La traducción al castellano sería algo así como "Rock fumeta".

Sólo con esto ya puedes hacerte una idea de la carga psicodélica y ambiental de esta música, sin duda uno de sus puntales.

Cito la definición que me parece bastante buena:

"El stoner rock o stoner metal es un subgénero del rock y del metal con gran influencia del rock psicodélico de fines de los sesenta y principios de los setenta. Está conectado tanto con el rock alternativo como con el heavy metal. El stoner rock habitualmente usa tempos de lentos a medios y presenta guitarras afinadas grave, un sonido pesado de bajo, voces melódicas y producción 'retro'. El género emergió a principios de la década de 1990 y fue inciado principalmente por la banda californiana Kyuss."

Por supuesto una canción vale más que mil palabras, así que ahí va una de las más míticas.


El abanico de estilos dentro del stoner es inmenso, desde el rock al metal hay muchos grados, y esto hace que dentro del género encontremos bandas muy distintas. A esto hay que sumarle un gran número de influencias que diferencian a cada grupo: rock psicodélico, blues, grunge, doom, rock sureño e incluso soul.

Me he encontrado una recopilación de bandas en youtube que te puede dar una idea de lo que estoy hablando y que seguramente te descubra algún grupo interesante si eres ya un iniciado.


Todas estas diferencias provocan la aparición de gran número de etiquetas. Muchas se refieren al carácter expansivo de la música como desert rock, space rock , o a su psicodelia intrínseca como stoner rock o bong rock. Otras, normalmente las que tienden más hacia el metal, a su carácter pesado, como stoner doom o sludge metal.

Por eso si investigas un poco sobre alguna banda es muy posible que te la encuentres etiquetada de mil maneras distintas según donde lo mires, incluso alguna puede aparecer como hard rock, pero al fin y al cabo las etiquetas no son más que eso, lo importante es la música, da igual cómo la llames.

Para despedirme un consejo fundamental de aquellos que como quien dice inventaron esto.

En el libreto de "Welcome to sky valley" de Kyuss, a modo de instrucciones podemos leer "listening without distraction".

Así que te recomiendo que te relajes, pongas el volumen al máximo y disfrutes del viaje.





La semana que viene los ecos volverán bien empapados con el mensaje de los profetas de Palm Desert para deleitar vuestros oídos.

sábado, 31 de marzo de 2012

Crónica: Mark Lanegan Band + Creature with the Atom Brain (Sala Capitol, 28/3/2012)

 
Hoy os voy a relatar cómo tuve el magnífico placer de ver a uno de mis cantantes predilectos, el mismísimo Mark Lanegan, ex-vocalista de Screaming Trees.

La sala Capitol abrió sus puertas a las 20:30h. Una hora después comenzaba la actuación de la banda belga Creature with the Atom Brain, cuyo cantante y guitarrista principal, Aldo Struyf, resultó ser también parte de la banda del señor Lanegan, colaborando a la guitarra rítmica y los teclados.

En cuanto respecta a los teloneros, debo decir que me llamaron bastante la atención. Cuentan con un sonido guitarrero y con una buena carga de psicodelia. Resultó una sorpresa que no dejó a nadie indiferente.

Después de unos 45 minutos de concierto se despidieron para dar paso a los músicos que acompañaban a Lanegan. Ahí fue cuando veíamos a Struyf sentado a los teclados, mientras que sus compañeros probaban sus respectivos instrumentos. Mientras tanto se podía ver publicidad sobre los próximos conciertos en la sala Capitol en una gran pantalla situada en el muro del escenario.

Aproximadamente a las 22:10h se apagaron las luces durante unos instantes y el público empezó a aplaudir a los músicos que hacían su aparición en fila india bajo una tenue luz roja que se posaba sobre el escenario.

Entre aplausos y gritos salió a escena el esperado cantante, con su característica camisa negra, su pelo rojizo y largo cubriéndole parcialmente la cara, y cómo no, sus manos llenas de tatuajes.

El repertorio comenzó con "The Gravedigger's Song", single presentación de su último trabajo, "Blues Funeral", publicado hace apenas dos meses. El setlist (que podéis leer al final de esta entrada) se centró mayormente en dicho trabajo y en el anterior, "Bubblegum", publicado en 2004, que hasta ahora ha sido el álbum más exitoso del vocalista estadounidense.

Resultó ser una actuación impecable, tanto por su parte como por la de los músicos. Los temas del nuevo disco estuvieron dotados de un sonido mucho más potente, y no tan electrónico como en estudio, a pesar de que el teclado resaltase en momentos puntuales.

Destacaron temas como "Hit the City", "One Way Street", "Resurrection Song" o "Tiny Grain of Truth", tema que cierra el álbum "Blues Funeral", y que sirvió a la banda como final antes de salir a tocar otros tres bises.

En resumen, y desde mi punto de vista, ha sido una experiencia muy enriquecedora el haber podido ver a Mark Lanegan en primera fila, tan cerca que se podían apreciar las arrugas de su demacrado rostro, así como las muecas que hacía al cantar. Lo único que eché algo en falta era más interactuación con el público, ya que se mostraba muy retraído y únicamente habló para presentar a la banda y agradecer nuestra asistencia a todos los que estábamos ahí, disfrutando de su profunda e inconfundible voz.

Eso es todo lo que os puedo contar, así que aquí os dejo con un vídeo que he encontrado en youtube:



Como bien dije más arriba, aquí podéis ver el Setlist:

1. Gravedigger's Song
2. Sleep With Me
3. Hit the City
4. Wedding Dress
5. One Way Street
6. Resurrection Song
7. Wish You Well
8. Gray Goes Black
9. Crawlspace
10. Quiver Syndrome
11. One Hundred Days
12. Creeping Coastline of Lights
13. Riot in My House
14. Ode to Sad Disco
15. St. Louis Elegy
16. Tiny Grain of Truth

Bises:
17. Pendulum
18. Harborview Hospital
19. Methamphetamine Blues

*Foto por livetheroof.com
Vídeo por chocoetero (youtube.com)

jueves, 15 de marzo de 2012

Born Of The Storm, el nuevo supergrupo de Dez Fafara y Mark Norton


Si hablamos de DevilDriver o Lamb Of God probablemente nos adentremos en terrenos que toquen géneros como el groove y death metal "moderno" por así decirlo. Aunque estos dos grandes grupos de la nueva ola del metal de los últimos años hayan cosechado fama por su lado más agresivo podemos decir que la cosa ha dado una vuelta de tuerca con el nacimiento de Born Of The Storm, un supergrupo integrado por Dez Fafara (Coal Chamber, DevilDriver) a la voz, Mark Norton (Lamb Of God) a la guitarra y Kevin Talley (Six Feet Under, Dååth) a la batería que creará una polémica considerable.

Después de escuchar el primer adelanto de la banda, las canciones "Nowhere Fast" y "Dust", podemos casi confirmar que los tiros irán cercanos a un sonido típico de los setenta con algún que otro retoque más actual aunque prácticamente invisible. Con "Nowhere Fast" nos podemos adentrar en las profundidades del rock sureño, hard rock y heavy metal tradicional con tintes que rozan el doom. "Dust" es un tema que deja la boca más seca, no tiene tanta chicha como el anterior, es más lento y repetitivo, aunque tiene su gustillo también.

Lo más impresionante de este nuevo proyecto es la voz de Dez Fafara, complementamente limpia y algún rasgueo leve de por medio. Lo cierto es que impresiona mucho verlo cantar de esta forma después de escucharlo dejarse la voz con sus característicos growls en DevilDriver.

En un futuro no muy lejano podremos ver como termina todo esto, esperemos que con un álbum. La verdad es que pinta todo muy muy bien ya que podríamos estar ante una nueva banda similar a los Down de Phil Anselmo (en "Nowhere Fast" la similitud con Down es considerable) con influencias claras de bandas como Soundgarden, Circus Of Power, Trouble o Black Sabbath.

Están disponibles para descargar (oficialmente) los dos temas que han grabado hasta el momento desde AQUÍ y AQUÍ. Os recomiendo echarles una ojeada, para nada tienen que gustaros ni Lamb Of God ni DevilDriver, con ser fans de Black Sabbath y/o Down es más que suficiente para curiosear.

domingo, 11 de marzo de 2012

Analizando..."Boggy Depot" (Jerry Cantrell)

Tras otro mes sin publicar vuelvo a dar signos de vida para hablaros de uno de mis discos favoritos.
Lanzado en 1998 "Boggy Depot" fue el primer trabajo en solitario de Jerry Cantrell, guitarrista y principal compositor de la banda de grunge Alice in Chains.

Este álbum ha llegado a denominarse "el disco que Alice in Chains nunca grabaron", por el hecho de que junto a Cantrell colaboraron Mike Inez y Sean Kinney, bajista y batería de la banda de Seattle (respectivamente).

Este trabajo surgió en principio debido a que el cuarteto se había visto obligado a cancelar numerosos conciertos en su última gira, debido al deteriorado estado de salud del cantante Layne Staley, provocado por su fuerte adicción a las drogas, después de que Staley dejara definitivamente la música tras la publicación del emblemático "MTV Unplugged", grabado y publicado en 1996, el mismo año en el que daría su última gira.

Por su parte, Cantrell seguía componiendo, con la intención de publicar material en solitario. Y así fue.

Como ocurría con Alice in Chains, hay un gran contraste entre canciones potentes que conservan la esencia grunge de sus dos primeros álbumes, como por ejemplo "Dickeye", "Cut You In" o "Keep the Light On", junto con temas más suaves, pero que al mismo tiempo están cargados de oscuridad como "Breaks My Back" o "Satisfy". También cabe destacar que, en un par de temas, Cantrell muestra ciertas raíces country, estilo con el que afirma haber estado familiarizado desde su infancia.

En este álbum se busca crear una atmósfera envolvente, escapando un poco del protagonismo que tenía la guitarra en los inicios de Alice in Chains, a pesar de que no deja de haber buenos solos de guitarra como el de "Settling Down", así como los contundentes riffs de algunos de los temas ya nombrados.

Por supuesto, el trabajo a las voces por parte de Cantrell es impecable. Además de cantar la voz principal fue él mismo quien grabó los coros, utilizando en algunas canciones varias pistas de voz para crear complejas armonías similares a las que hacía junto a Staley en sus mejores años.

Para todos los que conozcáis a esa estupenda banda de Seattle, este disco es muy recomendable. En él encontraréis melodías y composiciones que os darán a entender el poder que Cantrell seguía teniendo a pesar de la difícil situación por la que la banda había pasado.

Esto es todo, aquí os dejo con el single "My Song". Disfrutadla:

jueves, 8 de marzo de 2012

Analizando..."Dalle!" (Unicornibot)

(La portada oficial del disco todavía no está disponible)

El nuevo trabajo que nos traen los Unicornibot bajo el brazo viene de nuevo cargadito de math rock, técnica matemática, riffs pegadizos y progresiones. Si una calculadora pudiera consumir ácido y tocar algún instrumento probablemente os lo podría explicar mejor que yo.

"Lendakari" hace de introducción del LP de forma impecable con un comienzo progresivo e inicialmente lento de batería y guitarra que se alterna continuamente con melodías afiladas y precisas para terminar casi bruscamente, como si de un final abierto se tratase.

Continuamos la andanza por la geografía española con "Anchoas Castilla", una pieza breve pero intensa con una base rápida y pegadiza a partes iguales. Ésta da paso a "Abril-Cerral", quizás la canción más conocida de este álbum por su previo estreno el pasado año a través de un vídeo en Litium Records. Supongo que ya la habréis escuchado, pero a los que no os diré que es una de las perlas del disco, muy elaborada y con unas melodías muy reconfortantes y "duras" por momentos, incluso con algo de noise que nos lleva a ese final inesperado, el típico que te deja "muñeco" cuando vas a aplaudir pensando que ya se ha terminado la canción.

Quizás no le ponga demasiado énfasis a las descripciones por miedo a extenderme demasiado, pero que debo decir que "Dalle!" es un trabajo muy equilibrado en cuanto a participación de instrumentos. Aunque la guitarra esté casi siempre por encima, el sonido del bajo y la batería nunca dejan de ser fieles acompañantes y a veces hasta caminan solos. En "Antigua y Bermuda" más de lo mismo. Es para mí el tema más pausado de todo el trabajo, quitando el primer minuto. Aunque no me ha aburrido sí me ha dejado algo indiferente durante su comienzo, cosa que no quiere decir que no me guste o me vaya a gustar.

Seguramente el señor Torreiglesias estaría orgulloso de escuchar "Pum Pum Como Una Piedra", una canción que incita a tocársela, palpársela, con buen rollo y "buen ano". Podría afirmar que el sr. García Serrano diría algo de ella por contar con unas melodías tan sexuales. Echarle imaginación y veréis lo que sale de ahí, que en eso se basa la música instrumental y/o experimental, en crear tus propias paranoias.

"Dalle Que Non Mira" es otra canción que ya fue presentada en directo anteriormente. Muy desordenada y técnica, con melodías de clavijero incluídas que os dejarán echando espuma por la boca en el suelo del gusto.

Lo más fácil sería hablar de las cuatro canciones que quedan de forma conjunta y dejar aquí el análisis o pseudoanálisis (lo intento, cohones), pero vamos a seguir con un par de huevos, con más huevos que Julio Iglesias teniendo hijos. Si este icono de la música hubiera continuado jugando al fútbol (efectivamente, fue portero del Madrid) lo haría con el estilo comparsero de "Julio Iglesias, Portero", su himno a partir de hoy mismo. Al final le terminan marcando un gol, sino no me explico esos gritos de desazón al final del tema.

Antes de ir con el responsable de este golazo por toda la escuadra vamos a entretenernos con "Perro Termómetro",un perro singular que podría ser el dibujo animado del futuro. Efectivamente, un perro con un termómetro metido por el cu...lo que os venía diciendo era que esta canción en la que toma un claro protagonismo el cencerro de la batería podría ser el himno de un perro macarra, tipo Poochie o acercándonos más a lo nuestro: perro muchacho haciendo air guitar ¿No os lo imáginaís corriendo por la ciudad en formato bailongo con esta canción de fondo con una guitarra a sus espaldas? Yo sí...

El sujeto de la próxima canción es jugador del Mallorca, o eso creo. Y sí, joder, fue el que desbancó a Julio Iglesias de su puesto futbolístico para meterlo en el mundo de la música. Lo de que se lleven cuarenta años es secundario, esto es sólo una dramatización con trasfondo psicológico... ¡"Gol de Chico"! Una tonada algo tranquilita con punteos y pasajes extraños.

El shock anafiláctico del disco llega con "Todos Contra El Fuego Anal", que se puede resumir en: caos, muerte, fin del mundo, ruido y cosas apocalípticas varias.

Y así es más o menos como mi cerebro asimila la línea general del disco. Está claro que han hecho que mis niveles de serotonina aumentasen durante casi veintisiete minutos. Peeeeeero... aunque las cosas cortas a veces son mejores que las largas (esto es lo único que no va con segundas) sigo echando de menos unos diez minutos más de música, al igual que en "Hare Krishna", pero bueno, no me quejo, a veces los polvos rápidos son más satisfactorios.

9'5/10. Lo dejo un poco más alto que su antecesor a pesar de que haya canciones como "Antigua y Bermuda" o "Julio Iglesias, Portero" hayan tardado lo suyo en entrarme. Los puntos álgidos se los dejamos a "Perro Termómetro", "Abril-Cerral", "Anchoas Castilla" y "Todos Contra El Fuego Anal".

Lo único que podemos hacer sin rechistar es felicitar Toño, Gayoso, Guille y Gon por este discazo y por habernos dejado escucharlo casi un mes antes de su salida. Muchas gracias a todos y desde aquí os deseamos un montón de suerte para vuestro futuro, lo váis a petar en el Primavera Sound seguro. Esperemos que en un año, dos o tres podamos volver a catar un nuevo disco.

Y nada más. Si no os réis por lo que pongo espero que al menos os riáis de mí, que lo que cuenta en este mundo es el despiporre.

Podéis ver las fechas de sus próximos conciertos pulsando AQUÍ.

domingo, 26 de febrero de 2012

Truth, el nacimiento de Rod Stewart

Anoche, en un momento de delirios previos al concierto que daba con mi banda, un amigo hablaba con nosotros sobre nuestro cantante:

"Para cantar así, hay que tener una ex-mujer."

No sabemos a ciencia cierta si el protagonista de este post había escuchado allá por el año 1968 estas mismas palabras en boca de alguno de sus amigos... ,lo que sí sabemos es que a lo largo de su vida se cansó de tener ex-mujeres y engendrar vástagos allá por dónde pasaba. Pero recordad, como decía David Hume: "Correlación no implica causalidad". Así que lo lógico es pensar que Rod Stewart ya era una mala bestia antes de caer bajo el místico embrujo de una fémina.

Hoy quiero hablaros sobre uno de mis álbumes favoritos alltime, de una de mis bandas favoritas también: "Truth" de Jeff Beck.

La banda estaba formada por Rod Stewart a las voces, Jeff Beck a la guitarra, Ron Wood al bajo y Micky Waller a la batería.

Lo primero que destaca de este álbum es que ninguna de las canciones es de composición propia, la mayoría son versiones de algunos clásicos del Blues de grandes compositores como ,por ejemplo, Willie Dixon o Howlin' Wolf. Eso no quita que el álbum sea fantástico, de hecho, es citado como uno de los mejores álbumes de la historia del Blues/Rock británico de los 60. En él, podemos encontrar a un hasta el momento desconocido Rod Stewart demostrando el porqué de su futura popularidad y a un Jeff Beck luchando con Clapton y Hendrix por la hegemonía del edén guitarril.

Todavía recuerdo la primera vez que escuché este álbum, movido por la curiosidad, en un intento de adentrarme cada vez más en el universo sesentero. Me sentí atrapado en una espiral de sonidos totalmente nuevos para mis oídos. La voz de Rod Stewart fue capaz de erizar hasta el más ignoto vello de mi ser, con intensas líneas como las de "Blues Deluxe"; la guitarra de Jeff Beck parecía vacilante en ocasiones, se alejaba de la seriedad del Blues más clásico, como en canciones como "I Ain't Superstitious", donde su guitarra parece estar riéndose a tu espalda.




Encontramos también en este álbum canciones como las instrumentales "Beck's Bolero", compuesta por Jimmy Page y "Greensleves".

Otra canción destacable es la versión de "You Shook Me" de Willie Dixon, aunque meses más tarde, Led Zeppelin dejarían en pañales esta y cualquier versión posterior de dicho tema.

Lo dicho, si queréis disfrutar de un gran clásico del blues/rock y de la voz de Rod Stewart en el mejor momento de su carrera, no dudéis en abrir vuestras mentes a "Truth".

martes, 14 de febrero de 2012

Traballando dende o subsolo do pop

 
Actualmente parece que é habitual considerar aos selos discográficos como enviados do mesmo inferno, co obxectivo de chuparnos o sangue e violar ás nosas fillas, mentres sodomizan aos nosos artistas preferidos obrigándoos a asinar abusivos contratos a cambio dunhas porcentaxes ridículas de beneficios. Isto pode ser certo en gran medida (se lle quitades a esaxerada teatralización que acompaño no texto) pero, e sen entrar na cuestión de se a industria discográfica é un modelo de negocio anticuado hoxe en día, non todas as compañías que se dedican a este negocio naceron coa mente posta unicamente en encher os seus petos.

Tal vez moita xente non o saiba, pero a popularización de moitos xéneros musicais cos que gozamos dependeu fundamentalmente dunha serie de xente que traballando dende un selo fixo posible a promoción de determinados estilos e das súas correspondentes bandas. Poderiamos falar de moitos exemplos, pero neste artigo quería centrarme nunha etiqueta clave para entender a música tal como a coñecemos hoxe en día, xa que gracias a ela todos sabemos o que é o grunge. Estou a falar do selo de Seattle Sub Pop Records.

Os orixes deSub Pop remóntanse ao ano 1980, moito antes de darse a coñecer en todo o mundo, cando un rapaz chamado Bruce Pavitt creou en Olympia, Washington, un fancine co título Subterranean Pop. Neste centrábase unicamente en bandas de selos independientes estadounidenses, e no seu cuarto número decidiu acurtar o nome e chamalo sinxelamente Sub Pop. Inspirándose noutro fancine, de nome Fast Forward, comezou a alternar as publicacións con casetes recompilatorios de bandas underground de rock a partir da súa quinta edición. Sub Pop tería unha vida de 9 números en total (6 fancines e 3 casetes), publicándose o derradeiro en 1983. Nese ano Pavitt mudaríase cara a cidade de Seattle, e alí comezou a escribir unha columna no xornal The Rocket co título Sub Pop U.S.A.
O nacemento de Sub Pop como selo podería datarse no ano 1986, cando Pavitt editou o primeiro LP da etiqueta, o recompilatorio Sub Pop 100, con material de artistas como Sonic Youth, Steve Albini, Scratch Acid ou Wipers, entre outros. Coincidindo coa publicación deste disco, a banda de Seattle Green River< decantouse polo selo para o lanzamento do seu segundo EP, Dry As a Bone. Debido a que Sub Pop non contaba cos cartos suficientes, a edición do EP tivo que agardar un ano, ata xullo de 1987. Foi nese 1987 cando Pavitt coñeceu a Jonathan Poneman e este decidíu aportar 20.000 dólares para permitir o lanzamento do sinxelo de estrea doutros músicos locais, coñecidos co nome de Soundgarden. Ao pouco tempo Poneman, centrado sobre todo nos asuntos financieiros e legais, covertiríase no compañeiro de Pavitt ao mando de Sub Pop. Despois de editar a estrea de Soundgarden o selo lanzou o que sería o seu primeiro EP, Screaming Life, no mes de outubro de 1987. A comezos do ano seguinte Pavitt e Poneman decidiron deixar os seus traballos e adicarse exclusivamente a Sub Pop cun presuposto de 48.000 dólares. Segundo as propias palabras de Pavitt, o selo estivo a piques de declararse en bancarrota na primavera dese ano, pero conseguiron remontar a situación e no mes de agosto a etiqueta publicaría o sinxelo que marcaría o inicio da era grunge, “Touch Me I’m Sick” de Mudhoney. Os dous socios de Sub Pop dedicáronse a estudiar a outros selos independentes estadounidenses e chegaron á conclusión de que todos os movementos exitosos dentro do rock partiran dunha base rexional. A actividade musical de Seattle nunca destacara fóra das súas fronteiras, e só era coñecida por ser o berce de artistas que triunfaron máis ala dos límites da cidade, como Jimi Hendrix. Pero, xa dende principios-mediados da década dos 80, unha nova xeración de músicos comezaba a canalizar a súa rabia e frustración a través das guitarras eléctricas, e a cidade era un fervedoiro de actividade. Habería que indicar que Seattle acababa de atravesar unha grave crise económica en anos anteriores e moita xente tivo que abandonala en busca de traballo, despois de que Boeing, principal motor económico da cidade, despedise a máis de 60.000 dos seus 100.000 traballadores. Fíxose famoso un cartel colocado nunha das estradas que entraban na urbe que dicía algo así como “a última persoa en abandonar Seattle que apague as luces” O selo creou unha forte imaxe de marca, chegando incluso a promocionarse máis que ás súas bandas. Creou tamén a etiqueta “Seattle sound” para comercializar o seu produto, e aliouse co produtor local Jack Endino, que axudou a definir o son do selo. Endino, que chegou a realizar 75 sinxelos, EPs e álbums con Sub Pop, traballaba barato e rápido, utilizando practicamente as mesmas técnicas de gravación nas súas producións, o que axudou a uniformizar o seu son. A actividade do selo continuou e no ano 1988 ficharían á banda que anos máis tarde farían estoupar o panorama musical en todo o mundo, Nirvana. No mes de novembro apareceu o sinxelo de estrea do trío de Aberdeen, “Love Buzz”. Este sinxelo tamén sería o primeiro do Sub Pop Singles Club, un novidoso servizo de subscrición polo cal os seus socios recibían un sinxelo mensualmente por correo. Este foi unha das claves do éxito da etiqueta, relacionando o seu nome coa escena de Seattle ademais de xerar un movemento de cartos continuo que fixo que o selo puidese continuar máis tranquilamente o seu traballo. O Singles Club funcionou ata o ano 1993, e posteriormente volvería a funcionar dende 1998 ata 2002 O primeiro motivo polo cal Sub Pop, e en consecuencia a música grunge, comezou a ser coñecida por todo o mundo foi un feito ocorrido en marzo de 1989. Os dous socios eran conscientes de que era moi difícil chamar a atención dos grandes medios estadounidenses, e máis aínda partindo dun selo independiente pequeno. Inspirándose en bandas como Sonic Youth ou Dinosaur Jr. puxeron os seus ollos na prensa británica e convidaron ao xornalista da revista Melody Maker Everett True a coñecer a escena musical da cidade (evidentemente pagándolle a viaxe e co obxectivo de que escribise, a poder ser ben, sobre ela). A xogada saíulles redonda a Pavitt e Poneman e a prensa británica rendeuse ante a Sub Pop e so son de Seattle. Acabábase de poñer a primeira pedra para que Seattle conquistase os oídos de medio mundo. Aos poucos meses publicábase o álbum de estrea de Nirvana, Bleach, ao que Sub Pop non lle deu máis promoción que o resto dos seus lanzamentos. A pesares diso o álbum vendeu ben, aínda que Kurt Cobain amosábase molesto pola falta de esforzos por parte do selo. Kurt decidiu entón asinar cun grande selo, e despois das recomendacións de Kim Gordon, dos ruidosos Sonic Youth, Nirvana acabaría entrando en DGC Records. O seu álbum de estrea co seu novo selo sería Nevermind, cuxa historia coñecemos ben, pero, a pesar de que Nirvana xa non estaba en Sub Pop, a discográfica sacou beneficio do disco. Sub Pop acordara con Geffen Records, a nai de DGC, parte dos royalties de Nevermind, e estes cartos (que como imaxinaredes tiveron que ser moitos despois dos 30 millóns de discos vendidos) permitíronlle a Sub Pop manterse viva durante moitos anos; tamén se acordou a inclusión do logotipo de Sub Pop en todos os lanzamentos de Nirvana, co que o selo gañaba notoriedade; e por último Warner Bros. Records, distribuidora de Geffen, pasaba a distribuír o catálogo de Sub Pop. Coa chegada do éxito de Nirvana a popularidade do grunge acadou o seu punto máis alto. Nese tempo moitas das primeiras bandas de Sub Pop xa abandonaran o selo, e outras moitas foron contratadas por grandes discográficas que estaban ansiosas por facerse cun grupo de Seattle tras o tirón do Nevermind. Pero o traballo de Sub Pop estaba feito, Seattle e o seu son xa tiñan o seu espazo na historia do rock. Pavitt e Poneman comezaron a ter posturas enfrontadas sobre a dirección a tomar coa discográfica. O segundo quería que o selo medrase e tivese máis beneficios e, incapaz de seguir a nova política da compañía tras a alianza con Warner, Pavitt abandonou en 1996 para poder estar máis tempo coa súa familia. A partida non foi amigable, e os antigos socios pasarían anos sen falarse. A etiqueta abriría novas oficinas polo mundo adiante e investiu en novos artistas, pero non conseguíu acadar o éxito entre o grande público, polo que regresou ás súas orixes e centrouse novamente en Seattle. Nestes últimos anos ficharía a bandas como The Postal Service, No Age, Sleater-Kinney, Iron & Wine, Comets on Fire ou Fleet Foxes, entre moitos outros, centrándose na música indie. 

Gran parte da información está tirada da Wikipedia: A enciclopedia libre.

lunes, 13 de febrero de 2012

Crónica del concierto de Thin Lizzy en Sala Capitol (Santiago de Compostela; 12/2/2012)

Pues aquí estoy de nuevo para hablaros de la velada que pasé el pasado domingo (día 12) en la sala Capitol. Llegué a eso de las nueve de la noche, cuando el concierto todavía no había empezado, de modo que no me perdí nada. Al parecer había gente que llevaba ya una hora esperando desde la apertura de puertas.

Lo primero que avisté nada más entrar en la sala fue el escenario, en el que resaltaba un enorme telón tras la batería con el característico logo de la banda irlandesa. Tras unos minutos más de espera vimos como un envejecido Scott Gorham (guitarrista de la banda desde mediados de los 70 hasta día de hoy) hacía su aparición seguido del teclista Darren Wharton y del baterista Brian Downey, siendo éste último el único miembro fundador de Thin Lizzy que queda vivo.

Después de éstos salían también el cantante y guitarra rítmico Ricky Warwick, el bajista Marco Mendoza y el segundo guitarrista Damon Johnson (última incorporación desde el año pasado). Me resultó extraño no ver a Vivian Campbell junto a ellos, al parecer dejó la banda oficialmente el año pasado.

En cuanto todos se asentaron en sus puestos, Warwick se arrimó al micro y se dirigió al público con un enérgico "Are you ready!?". La banda abrió su espectáculo con el tema del mismo nombre, bien continuado por el clásico "Jailbreak", con el que se metieron al público prácticamente en el bolsillo.

El repertorio fue bastante acertado, siguiendo la línea con temas como "Don't Believe a Word", "Killer on the Loose", "Angel of Death", "Dancing in the Moonlight" (donde Mendoza animó al público a cantar a coro), "Massacre", entre otras (no exactamente en ese orden).

Tras toda esta oleada de temas cañeros llegó un momento de calma con la balada "Still in Love with You", en la cual Warwick alternaba algunas estrofas con Wharton, y después Gorham y Johnson se batían en un largo duelo con sus guitarras.

Después de este clásico (algo apastelado por la voz y el sonido de teclado un tanto ochentero de Wharton), Johnson siguió improvisando un solo mientras Warwick se colgaba una guitarra acústica a los hombros para luego dar paso a uno de los temas estrella de Thin Lizzy, "Whiskey in the Jar". El final de este tema se alargó para que el público pudiera corear su famoso y pegadizo estribillo.

Más tarde tuvo lugar uno de los puntos más altos de la noche, cuando Brian Downey nos dejó a todos anonadados con un extenso solo de batería durante la canción "Sha la la".

Pero sin duda el repertorio fue a mejor, cuando Warwick sacó una harmónica y Gorham comenzó a tocar unos punteos que a la mayoría nos resultaban familiares, era el inicio de otro gran clásico de la banda, "Cowboy Song", que como hacía el cuarteto irlandés en sus buenos tiempos, enlazaron con otro clásico enorme, "The Boys are Back in Town".

Entre aplausos y gritos de júbilo la banda se retiró y nos dejó al público con ganas de más.
Pasaron un par de minutos hasta que volvieron al escenario. Warwick agradeció nuestra presencia y también añadió: "Es un gran honor rendir tributo a Thin Lizzy".
Tras estas palabras anunció el nombre del primer bis: "Emerald", una de las canciones más influidas por la música celta dentro del repertorio de esta gran banda.

Hubo lugar para otros dos bises: "Rosalie", tema original del cantautor estadounidense Bob Seger. Cabe destacar que en durante este tema, mientras los cinco instrumentistas volvían a tocar el riff de "Cowboy Song" (o mejor dicho de "Cowgirl's Song"), el cantante interactuaba con el público haciéndoles repetir una melodía. En ese momento fue cuando mencionó al fallecido líder de la banda, Phil Lynott, en cuya memoria dos de sus antiguos compañeros siguen tocando temas como este y los antes mencionados.

El colofón final llegó con la épica "Roisin Dubh (Black Rose)", compuesta por el propio Lynott y su buen amigo, el guitarrista Gary Moore, fallecido el año pasado.

Finalmente, los seis miembros actuales de la banda se juntaron e hicieron una reverencia al público, repartieron púas a diestro y siniestro, estrecharon alguna que otra mano en la primera fila, y por supuesto Downey arrojó sus baquetas para el primer suertudo que la agarrase.

Este divertido y enérgico show duró aproximadamente una hora y media sin dejar a nadie indiferente, por lo menos que yo sepa.
A pesar de admitir la buena calidad de los músicos que acompañan a Gorham y Downey, debo admitir que en ciertos aspectos dichos invitados no me acaban de convencer. Por una parte Warwick, a pesar de tener una voz potente y muy buen trato con la gente, parecía desentonar un poco al cantar temas de Thin Lizzy, por no ponernos a criticar también su vestuario, claro está.

Por otra parte estaba Wharton, cuyos teclados a veces no se escuchaban lo suficiente (por lo menos desde mi perspectiva), y cuya voz me resultaba demasiado "blanda", incluso para una balada como es "Still in Love with You".

¿Y qué decir de los demás? Damon Johnson es un buen guitarrista, tiene buena técnica y aportaba un excelente acompañamiento a los coros, igual que Mendoza, el cual tenía un sonido contundente en el bajo, intentando recordar (dentro de lo posible) a Phil Lynott.

Por parte de Gorham y Downey no hay queja ninguna, porque al fin y al cabo son los únicos miembros "supervivientes" de la formación clásica de la banda. Sólo puedo añadir que ha sido un verdadero placer ver a estos dos prestigiosos músicos en vivo, a un siempre sonriente Gorham y a un incansable Downey.

Como conclusión, fue una velada muy entretenida a pesar de que la formación no fuera la que a todo fan de Thin Lizzy le habría gustado ver una vez en la vida. Lo que desde luego me pareció exagerado fue el precio de la entrada (31 euros anticipada, 35 en taquilla), aun teniendo en cuenta que no era un concierto de la banda irlandesa propiamente dicha.

Aquí os dejo con un video de "Whiskey in the Jar". La calidad del sonido es bastante mala, pero aceptable:



Imágen por cortesía de metalicia.com
Vídeo por mecagoenramoncin (YouTube)

viernes, 10 de febrero de 2012

Recordando a Paul Kossoff (Parte 1)

Quería dedicar mi primer post en este blog a este increíble músico, una de mis mayores influencias, alguien de quien aprendo algo nuevo cada día, el gran Paul Kossoff.

"La música debe venir del alma y ser simple y directa para que todos puedan disfrutar de ella."

Esta frase define perfectamente el estilo de Koss, simple y directo, basado en las raíces del Blues/Rock inglés de finales de los '60. Sin embargo lo más llamativo de su forma de tocar es su vibrato, tan excesivo como preciso; el mismísimo Eric Clapton le pidió años más tarde que le enseñase a ejecutar esta técnica, su aprecio por Koss era tal que incluso le obsequió con una Gibson Les Paul Sunburst del año '59, una guitarra perteneciente a la mejor cosecha de Les Pauls de la historia.

Años 60, la revolución del Blues/Rock comenzaba en Gran Bretaña, y fue realmente en este país de donde salió (en mi humilde opinión) la mejor cosecha de guitarristas de la historia.

Todo comenzó con Eric Clapton, en su andadura con John Mayall & The Bluesbreakers, a mediados del año 1965. Clapton inspiró a cientos de guitarristas con su estilo único.

Uno de esos jóvenes guitarristas que quedó impresionado con la manera de tocar de Clapton, fue el joven Paul Francis Kossoff, cuando asistió en Londres a uno de los shows de John Mayall & The Bluesbreakers. Aquella noche, y contando con tan sólo 15 años, sintió que su vida había cambiado completamente. Paul retomó su aficción a la guitarra y se compró una Gibson Les Paul Custom Black Beauty del '54. Durante dos años, se dedicó a perfeccionar su técnica imitando a sus músicos preferidos: Albert King, Hendrix, Jeff Beck, Clapton...

Su primer grupo:
En 1967 se uniría a su primera banda, Black Cat Bones, en la cual entraría meses más tarde el batería Simon Kirke. Paul y Simon pronto se hicieron amigos, compartiendo su admiración por el Blues. Pese a que fue en 1967 cuando el mundo se volvió psicodélico, Paul estaba decidido a llevar las riendas del grupo a un estilo basado en el Blues/Rock imperante en los años anteriores. En pocos meses, el grupo se volvió un habitual del circuito londinense de clubs, atrayendo la atención del productor Mike Vernon. Fue en este momento, cuando Kossoff sintió que debía dejar el grupo para evolucionar musicalmente.

Y así fue, meses más tarde Black Cat Bones sacaron el disco "Barbed Wire Sandwich", en el cual (pese a la creencia popular) no es Kossoff quien toca la guitarra, sino uno de los hermanos Brooks (de quienes hablaré en otro post dentro de unas semanas).


Las únicas grabaciones que se conservan de este período, pertenecen a grabaciones de ensayos o de diversos directos en clubs londinenses, he aquí una versión de "Rock Me Baby", pese a la mala calidad, se puede vislumbrar el enorme talento de Paul Kossoff.



Libre al fin:
Después de haber dejado Black Cat Bones, Paul estaba decidido a montar su propia banda con el batería Simon Kirke. Una noche, en el club "Fickle Pickle", Kossoff asistió al concierto de un grupo local llamado "Brown Sugar", y del cual quedó bastante impresionado con su vocalista. Se trataba nada más y nada menos que de Paul Rodgers. Al terminar el concierto, Kossoff le pidió a Rodgers unirse a la banda que estaba formando junto con Simon Kirke. Rodgers aceptó y en su primer ensayo sintieron la magia del blues recorriendo sus cuerpos, la compenetración fue instantánea. La formación se completó con el bajista de tan sólo 15 años Andy Fraser.


Con una media de edad inferior a los 20 años, el grupo grabó el álbum "Tons Of Sobs". Sin duda alguna, junto a Led Zeppelin I, éste es el mejor álbum debut de un grupo Blues/Rock de esta época. La voz de Paul Rodgers es la de un barítono completamente desgarrado e intenso, la guitarra de Kossoff siempre exhuberante en su vibrato y detrás, siempre manteniendo el groove, Fraser y Kirke. Os dejo una interpretación en directo del tema de Albert King "The Hunter"

miércoles, 8 de febrero de 2012

Unicornibot lanzan "Dalle!" en marzo y se van al Primavera Sound


Nuestros paisanos Unicornibot lanzarán el próximo jueves 1 de marzo su segundo LP de estudio bajo el título de "Dalle!". Será un álbum formado por diez cortes instrumentales entre los que se encuentran canciones como la ya conocida "Abril-Cerral", "Dalle Que Non Mira" (presentada en algunos de sus últimos directos), "Perro Termómetro" o "Gol De Chico", esta última una casi clara alusión al futbolista genovés. El disco ha sido grabado en directo en los estudios Brazil de Madrid con la ayuda de Javier Ortiz.

La portada del sucesor de "Hare Krisha" (2010) está recibiendo las últimas pinceladas por parte Xose L. García (blog) que ya ha unido fuerzas con el grupo en el anterior trabajo y que además ha diseñado las camisetas oficiales de la banda (os podéis hacer con una a través de un mail a unicornibot@gmail.com). Por otro lado tenemos a David Tombilla y Borja Fernández, fotógrafos encargados de ponerle cara a todos estos momentos de lucidez del grupo; han trabajado con ellos en las imágenes promocionales, que suponemos que saldrán a la luz en su totalidad en no mucho tiempo.

Pero... no acaba aquí la cosa. Los cuatro jinetes de plata han sido elegidos para tocar en el Primavera Sound de este año (¿mejor festival nacional del año junto al Azkena y Sonisphere?), compartirán cartel con Refused, Napalm Death, Lisabö, Mudhoney, Melvins y muchos más grupos nacionales e internacionales de traca.

Así de bien comienza el año para Toño, Gayoso, Guille y Gon. Si las predicciones no fallan 2012 será un año que les hará pasar a los anales (van con segundas, pero tiene sentido) de la música experimental nacional, o por lo menos se alzarán con un trofeo espiritual de músicos PTV's que nos representan fuera de la comunidad. Nos corroe la envidia y nos la pone dura como una piedra (esto también tiene lógica, tranquilos) a partes iguales.

Os dejamos con "Perro Termómetro", primer tema de los dos que nos han dejado catar hasta la fecha:


Próximos conciertos:

MARZO
16 marzo: Bar Labranza (Bueu) (con Lendrone)
17 marzo: Sala Filomatic (Coruña) (con Lendrone)
23 marzo: La Faena II (Madrid)
24 marzo: Sala Red (Ourense) (con Haecceidad)

ABRIL (cerral!)
6 abril: Liceo Mutante (Pontevedra)
7 abril: La Iguana (Vigo)
27 abril: Sala The Class (Gijón)
28 abril: Por determinar (Valladolid)
11 mayo: Por determinar
31 mayo: Primavera Sound (Barcelona)