sábado, 29 de enero de 2011

Analizando..."Document" (R.E.M.)

Después de pasarme toda una semana deleitándome con esta tremenda banda, no iba a ser menos que no la compartiera con alguien.

Así que hoy os hablaré de "Document", el quinto álbum de la banda, que supuso su llegada al éxito. Para su grabación decidieron cambiar de productor, contando con Scott Litt, productor de Katrina & The Waves.

A diferencia de sus anteriores trabajos, éste posée una mayor fuerza en la base rítmica, como ya se puede notar en la primera canción, "Finest Worksong".

Uno de los singles que salieron de este álbum fue "It's the End of the World as We Know It (And I Feel Fine)", una de sus canciones más conocidas, que posiblemente os suene de haberla oído en aquel capítulo de Los Simpson, donde la propia banda la tocaba en el garaje de Homer.

Le sigue otro gran éxito, "The One I Love", una triste y oscura canción, con una letra muy sencilla. Según Stipe, se trata de una canción "violenta", aunque la gente la interprete como una canción de amor.

Ésta fue el single de presentación para el álbum, seguido de "It's the End of the World...", llegando a entrar en el top 10 de la lista Billboard.

Otra canción interesante en este disco es "King of Birds", que empieza con una guitarra acústica. Lo especial de esta canción son las dos pistas de voz que cantan paralelas una a la otra, y que en algunos momentos se acaban cruzando entre sí.

"Document"es un disco bastante fácil de escuchar, las canciones tienen una duración corta, a excepción de la última (5:20) y todas tienen melodías bastante pegadizas.

Aprovecho para anunciar a los posibles interesados que R.E.M. publicará nuevo disco este año, el cual está previsto para el 7 de marzo. Espero que siga la línea de su último trabajo, "Accelerate" (2008), que después de haberlo escuchado, a uno le parece increíble que por una vez sea verdad esa famosa frase que dicen los programas "especializados en música" de "volver a sus inicios".

En fín, después de esta pequeña noticia os dejo con el vídeo de "The One I Love":

sábado, 22 de enero de 2011

Analizando..."Machine Head" (Deep Purple)

Esta vez sí que estoy dispuesto a hablaros de la formación "clásica" de Deep Purple. Y sin ir más lejos os hablaré del que sin duda es uno de los mejores trabajos de la banda, "Machine Head".

Este álbum guarda una increíble historia detrás de sus canciones:
Todo comenzó en el invierno de 1971, cuando la banda viajó hasta Montreaux (Suiza), para componer y grabar el material de su siguiente trabajo.

A su llegada fueron invitados a una actuación de Frank Zappa & The Mothers of Invention. Todo parecía ir bien hasta que de repente, sin saberse porqué, alguien entre el público disparó una vengala contra el techo. La combustión provocaría un incendio por todo el edifico, teniendo que desalojarlo lo antes posible.

A la mañana siguiente, después de que el casino quedara reducido a escombros, la banda se encontraba en ese momento sin alojamiento y lo que es más, sin lugar donde grabar la música del que sería su próximo trabajo.

A falta de soluciones mejores, tuvieron que establecer su estudio en un hotel cerrado por temporada, llamado "Grand Hotel". Colocaron los instrumentos en uno de los largos corredores y el equipo de grabación en un camión que se encontraba al exterior.

Tras tres duras semanas de trabajo, consiguieron rematar el álbum, habiendo grabado 8 canciones, de las cuales se incluirían 7 en la edición original de esta joya del rock.

Para los que no lo supiérais ya, todo esto lo cuenta la propia banda en la letra de "Smoke on the Water", su canción más famosa, denominada como "el "Für Elise" de la guitarra eléctrica".

Al margen de esta canción archiconocida, el repertorio del álbum se compone de otros grandes clásicos como "Highway Star", "Lazy" o "Space Truckin'".

"Highway Star" es la que inicia el álbum. Esta canción surgió durante una entrevista a Ritchie Blackmore, cuando le preguntaron: "¿cómo se compone una canción?". Él se puso a tocar el acorde con el que empieza la canción, y tras mantenerlo durante varios minutos, Ian Gillan empezó a cantar espontáneamente.

La letra es sencilla, sigue el mismo patrón en cada estrofa, alternándolas con los respectivos solos de Jon Lord y de Ritchie Blackmore.

Fue al componer esta canción cuando ambos músicos se plantearon la idea de componer un solo fijo para la canción, al margen de las largas improvisaciones que tanto les caracterizaban (sobre todo en sus conciertos).

Así fue como Lord compuso un agresivo solo de teclado, tanto por su ejecución como por su característico sonido, y aprovechando sus influencias clásicas utilizó una estructura harmónica típica de Bach, además de improvisar sonbre la escala frigia (oriental).

Por su parte, Blackmore grabó dos pistas de guitarra tocando las mismas figuras en distinto tono, dándole un color muy peculiar, y también deja ver aquí sus influencias clásicas ( hay que ver, lo que hace el conservatorio), utilizando punteos que siguen una progresión propia de Mozart.

De entre las demás están:

-"Maybe I'm a Leo", posiblemente la más infravalorada del álbum, caracterizada por su riff principal y su ritmo lento y contundente, así como de los coros y el solo de guitarra.

-"Pictures of Home": una divertida canción que se abre con un solo de batería de Ian Paice, el cual (cómo no?) se vuelve loco aporreando los timbales. El riff principal de guitarra lo sacó Blackmore escuchando la radio, cuando sin querer sintonizó una emisora probablemente de algún país de Europa del este.

Mientras que el solo de éste es completamente improvisado, Lord también decidió componer uno fijo, y el resultado fue increíble. También incluye un solo de bajo de Roger Glover, que al igual que el de teclado, es bastante "peculiar".

-"Never Before": el single que publicaron como promoción del disco, y que gracias a ello se convertiría en otro clásico de la banda. La melodía es super-pegadiza, y como el resto de canciones incluye un excelente trabajo por parte de los solistas Lord y Blackmore.

-"Lazy": un blues casi íntegramente instrumental, donde tienen un gran protagonismo el teclado y la guitarra, hasta dar paso a la voz que rompe todos los esquemas gracias al exhuberante registro vocal de Gillan, además de hacer un solo de harmónica.

-"Space Truckin'": como aclaración, lo que suena al principio no es una guitarra, es el teclado, aunque no lo parezca. Esta canción se caracteriza por tener una letra muy vacilona, llena de coñas que se fueron añadiendo. Esta fue una de las canciones que Deep Purple tuvo que eliminar de sus directos al comienzo del nuevo siglo por el tremendo esfuerzo que le suponía al vocalista.

Una curiosidad que tiene esta canción, es que en directo llegaba a durar muchísimo más que su versión de estudio: el claro ejemplo de ello es la versión del mítico disco en directo publicado en el mismo año, "Made In Japan". Mientras la duración original de la canción es de unos 4 minutos y medio, en directo llegaba a superar los 20, aunque en este caso ya no sólo era cuestión de improvisar, sino que ya acababa yéndoseles la olla (que conste que según han declarado los mismos miembros de Deep Purple durante esta época, estaban completamente en contra de las drogas).

Y como pista adicional que se incluiría en reediciones posteriores, está "When a Blind Man Cries", una tranquila balada que describe las circunstancias en las que se vieron envueltos los miembros de la banda, entre el frío, la soledad y la oscuridad de aquel lugar donde, inexplicablemente, grabaron su álbum más memorable (con diferencia).

En el caso de Deep Purple, siendo una banda que ha sufrido muchos cambios de formación y de sonido, es prácticamente imposible buscar un solo disco que los consiga definir, por lo que únicamente puedo decir que esta formación a la que más se suele aludir al hablar de esta banda.

En todo caso, es uno de los mejores trabajos en toda la historia del rock, muy recomendable para los que busquéis un sonido directo y con personalidad.

Aquí os dejo con una versión en directo de "Highway Star" (sí, "Smoke on the Water" está demasiado vista):



(P.D.: La canción tarda un minuto en empezar)

sábado, 15 de enero de 2011

Analizando..."Van Halen" (Homónimo)

Para los que penséis que la música de Van Halen la define esa horterada también conocida como "Jump", os dedico esta entrada.

Gracias a un colega he vuelto a escuchar a esta gran banda después de varios meses que los he tenido descolgados. El caso es que Van Halen no siempre fueron horteras, si no que tuvieron sus tiempos de gloria, y este es el álbum que los marcó, su álbum debut.

He aquí la formación clásica de la banda: los hermanos Eddie y Alex Van Halen a la guitarra y la batería respectivamente, Michael Anthony en el bajo, y David Lee Roth en la voz.

Éste álbum está caracterizado por un sonido potente, que corrió de la mano del productor, Ted Templeman, quien añadió reverberación a las grabaciones para que pareciera haber sido grabado en directo.

Además de la producción destaca el sonido de Eddie, con sus riffs contundentes, sus solos agresivos, rápidos y melódicos, y lo que es más destacable, la técnica que popularizaría en la guitarra eléctrica: el tapping (utilizando las dos manos para pulsar los trastes de la guitarra, pudiendo hacer así melodías increíblemente rápidas además de las multiples posibilidades de melodías).

En la sección rítmica destacan los ritmos rápidos de Alex por un lado, además de su fuerza y sus cortes agresivos llenos de redobles, y por el otro lado, Anthony con líneas de bajo sencillas.

Y mientras tanto, está Dave, también conocido como "Diamond Dave", que a pesar de no tener una voz demasiado "prodigiosa", derrocha una actitud vacilona y un gran carisma. Una de sus características más importantes son sus gritos agudos y super-rasgados.

El álbum es fácil de escuchar por su corta duración (35 minutos), además de lo pegadizas que son las canciones, sobre todo las 4 primeras:

Negrita
-"Runnin' with the Devil", que empieza con el bajo contnudente de Anthony, seguido del riff de guitarra de Eddie y un agudo desgarrado de Dave. Esta canción es fácilmente reconocible por la melodía del estribillo, una de esas ideales para cantar a coro en los conciertos.

-"Eruption", un solo de guitarra únicamente acompañado al principio por la batería. Éste se ha convertido en un tema imprescindible en sus conciertos, porque esta explosión de virtuosismo es algo que no se ve en cualquier guitarrista.

-"You Really Got Me", una versión del tema original de The Kinks, muy bien adaptada al estilo del grupo incluyendo un acojonante solo de guitarra (obviamente), junto con el agresivo riff que tan rápidamente te hace identificar esta canción.

-"Ain't talkin' 'bout Love", otra canción fácilmente reconocible por el riff del principio, más melódica que las anteriores además de poseer un estribillo sencillo, cosa que la convierte también en una canción idónea para tocar en directo.

A parte de estas 4 joyas también os podría destacar "I'm the One", por su ritmo increíblemente rápido y sus coros; "Jamie's Crying" por su riff y la alegre melodía de se estribillo; "Feel Your Love Tonight", también de una melodía muy alegre y pegadiza; o "Ice Cream Man" (una de mis favoritas), un rock & roll potente y divertido en el que cabe destacar la interpretación de Dave, sobre todo por el final.

Si os molan los guitarristas virtuosos, tenéis que escuchar a Van Halen más a menudo, y sobre todo en sus inicios (este disco y sus dos sucesores son seguramente los trabajos más directos de la banda en su primera etapa, es decir, con David Lee Roth).

Aquí os dejo, pues con "Runnin' with the Devil":

sábado, 8 de enero de 2011

Analizando..."Wish You Were Here" (Pink Floyd)

En fín, como no se me ocurría nada "nuevo", voy a hablaros de esta obra maestra que es, además, uno de mis discos favoritos de "los Floyd".

Es exactamente el sucesor del "Dark Side of the Moon", razón de más por la que he decidido hablar de éste antes que de cualquier otro disco de la banda británica.

Allá por 1974, tras la gira promocional del "Dark Side...", el grupo compuso algunos temas nuevos, que habían tocado en la misma gira.

De entre esos nuevos temas, el más importante de ellos sin duda sería una de las mayores joyas creadas por la banda, además de abrir y cerrar el álbum que todavía no estaba en proceso. Se trata de la mismísima "Shine On You Crazy Diamond", la pieza más larga de Pink Floyd, de 26 minutos de duración. Sin embargo, durante la grabación del álbum, tuvo que dividirse en dos partes repartidas entre las dos caras del vinilo.

El mensaje de la canción está reflejado en el título "Shine On You crazy Diamond". Es su tributo al antiguo cantante y guitarrista de la banda, Syd Barrett, el cual la dejó en 1969 debido a sus problemas de salud, a causa del consumo excesivo de LSD.

La canción está compuesta por 9 partes, las cinco primeras en la cara A y las otras cuatro en la B. Se trata de un clarísimo ejemplo de lo que se conoce como una "composición épica" dentro del rock sinfónico/progresivo, presentando un desarrollo lento y gradual, añadiendo instrumentos y por supuesto, se da lugar a largas secciones instrumentales (cabe destacar que, en la primera parte, la voz no entra hasta pasados los 8 minutos y medio).

El comienzo de "Shine on" cuenta con un sintetizador envolvente, manteniendo el mismo acorde durante los dos primeros minutos con una débil melodía tocada por Rick Wright, hasta que entra David Gilmour con un solo de guitarra muy sencillo. Aquí es donde la base de sintetizador cambia de acorde, guiándose por la guitarra.

Cuando esta sección termina y todo parece desvanecerse surge un imponente riff de guitarra que anticipa la entrada de los demás instrumentos.

La voz entra, como decía antes, allá por el minuto 8:40 (aprox.) después de un largo solo de guitarra de Gilmour, entrecortado por otro de Wright con su teclado.
La letra expresa de forma poética y emotiva la vida de Barrett, al que tan pronto le llegó el éxito musical, así como sus problemas con las drogas:

"Remember when you were young,
you shone like the sun...
You reached for the secret too soon,
you cried for the moon..."
(Recuerda cuando eras joven,
brillabas como el sol...
Buscaste el secreto demasiado pronto,
lloraste por la luna...)

Después de las estrofas tiene lugar un solo de saxofón, con el que se da fin a la primera parte de la pieza.

Se oye entonces una especie de compuerta abriéndose: así empieza "Welcome to the Machine", en la que el bajista y cantante Roger Waters hace una dura crítica a la industria musical, concebida como una "máquina de hacer dinero" que no respeta la expresión artística e individual.

El mismo mensaje se expresa en "Have a Cigar", que por cierto no es cantada por ninguno de los miembros de Pink Floyd, sino por un compositor británico y viejo conocido de sus miembros, Roy Harper.

En contraste con las demás canciones, ésta posee un sonido más rockero, con tintes de funk.
La canción llega a su fin cuando, durante el solo de guitarra de Gilmour, el sonido se comprime y parece sonar a través de una radio antigua. Según ciertas fuentes (wikipedia), esto se podría interpretar como la transformación de la música en un simple producto falto de significado y/o sentimiento (cosa que no ha cambiado en los ya casi 36 años que nos separan de la publicación del álbum).

Irónicamente, esta canción fue el single promocional del disco, y recibió una gran demanda por parte de las emisoras de radio.

Y con esa radio antigua se va cambiando de emisora hasta encontrar el inconfundible riff de "Wish You Were Here", que originalmente fue grabado con una guitarra acústica de doce cuerdas alterando su sonido por un amplificador para que sonara como si fuera reproducido a través de una radio antigua.

El riff acompaña a un precioso solo de guitarra acústica de Gilmour, esta segunda con sonido natural, como si el guitarrista estuviera acompañando la canción que suena en la radio.

Esta canción vuelve a hacer referencia a Syd Barrett (ya solo el título expresa claramente los sentimientos de Waters: "Ojalá estuvieras aquí").

Un suceso bastante duro para los miembros de la banda fue su inesperado reencuentro con Barrett en el estudio de grabación cuando el material para el nuevo álbum ya estaba listo.
Rick Wright afirmó en una ocasión que nunca pudo olvidar tal situación, después de haber perdido a un gran amigo como Syd y verlo después tan cambiado (se había afeitado la cabeza y las cejas y había engordado considerablemente).

"Wish You Were Here" se desvanece con una brisa y da paso a la segunda parte de "Shine on..." como punto y final del álbum.

Después de un precioso solo de teclado de Wright, uno de steel guitar de Gilmour, y un retorno a la estructura de la anterior parte, queda solo una larga sección instrumental donde destaca el teclado de Wright sobre un ritmo de tendencia funk, y una última parte más lenta con unos cambios de acorde muy bruscos.

Al final de todo queda solo el sintetizador, igual que al principio, y mientras se desvanece la música se puede oír un fragmento de la melodía de "See Emily Play", una de las primeras canciones compuestas por Barrett cuando todavía estaba en Pink Floyd.

En fín, os puedo asegurar que este es uno de los discos más elaborados que os podáis encontrar de Pink Floyd por lo menos, junto a "Dark Side of the Moon", "The Wall" o "The Division Bell".

Os voy a dejar con una versión en directo de "Shine on You Crazy Diamond", extraída del famoso álbum en directo "P.U.L.S.E." (que mencioné en mi primera entrada), grabado el 20 de octubre de 1994.

Esta fue la primera versión que escuché de "Shine On", y espero que os guste tanto como me gustó (y me sigue gustando) a mí:

miércoles, 5 de enero de 2011

Sid Wilson estrenará "SID", su segundo disco en solitario


El conocido DJ de Slipknot se encuentra terminando lo que será su segundo álbum en solitario llamado "SID", al parecer bastante alejado de sus otros proyectos como DJ Starscream (es considero uno de los grandes bajo los platos) y como miembro de Slipknot.

Como adelanto de este nuevo proyecto nos ha regalado el videoclip para la canción "Hearts That Race" que contiene imágenes que podrían ser comparadas tranquilamente con la introducción de cualquier videojuego de estilo bélico.

En lo que respecta al estilo musical que adopta S. Wilson se podría definir como música jungle con rasgos rock de por medio. En sus canciones, por lo menos en las del anterior álbum, hay mezclas de muchos géneros musicales, desde electrónica o drum & bass hasta reggae, rap o dub.

Juzguen ustedes mismos.

Gerry Rafferty y Mick Karn: las primeras ausencias de este año

Como en casi todas las artes (y en la vida en general) tenemos que lamentar casi siempre alguna muerte de forma cotidiana y sea en la fecha que sea. Si bien despedimos el año con la "desaparición" de Bobby Farrell por una insuficiencia cardíaca (según fuentes oficiales de última hora), ahora entramos en el nuevo año con otros nuevos fallecimientos: el de Gerry Rafferty y Mick Karn.


Gerry Rafferty
tenía 63 años y según varias fuentes padeció problemas con el alcohol que le llevaron a una enfermedad crónica del hígado (hepatopatía). En noviembre del 2010 tuvo que ser ingresado por un fallo hepático que le traería más problemas. Muere el pasado 4 de enero en su casa, junto a su hija Martha.

Entre los logros musicales de Rafferty hay que destacar canciones como "Baker Street", versionada más de una decena de veces por bandas de un montón de estilos (desde dance, jazz y metal hasta folk, country, reggae o rock alternativo). Vamos, que es difícil no conocerla. También resaltar "Right Down The Line" (fue Nº1 en el Billboard) y "Stuck In The Middle" (éxito de los 70s y parte de la B.S.O. de Reservoir Dogs).


Mick Karn de 52 años también nos dejaba el pasado 4 de enero. En junio de 2010 se le detectó un cáncer terminal que terminó con su vida ayer. Karn era considerado por músicos como Pete Townshend "el mejor bajista de Gran Bretaña".

Mick era amigo de Richard Barbieri (teclista de Porcupine Tree) desde la infancia, con el compartió sus aficiones musicales creó Japan, un grupo de synthpop que se separaría en el año 1983 después de grabar 5 discos. Después de la separación de su banda comenzó su carrera en solitario sacando en 2009 su último disco. Tenía planes de futuro junto a Peter Murphy (con el debutó en solitario) que no pudo cumplir. En sus últimos días tuvo que volcarse en su enfermedad ya muy avanzada.

Algunos de sus temas clásicos (en solitario) fueron "Sensitive", "After A Fashion" y "Ashes To Ashes".

D.E.P.

Y de esta forma empezamos el año, señores. Quizás algunos músicos nos importen más que otros, pero todo el mundo sabe que cuando falta alguien en estos aspectos se rompe una cadena entre músicos que podría llegar a lugares insospechables. Al fin al cabo, una vez que te dedicas a la música, como hobbie o como oficio, acabas conociendo a casi todos. Y si no es así, a amigos o familiares de la esa persona que ya no está.