La historia de Christophe Miossec comienza en el año 1964, naciendo el 24 de Diciembre en Finistère (en la Bretaña francesa).
Tras una infancia no demasiado agradable (típico tópico ligado a la figura del músico) y habiendo desempeñado diversos y variopintos trabajos, a mediados de la década de los 90 se vuelca de lleno en su carrera musical.
Bastante conocido a nivel nacional en Francia y con escasa expansión internacional, Miossec ha publicado 8 álbumes hasta la fecha (el penúltimo de ellos una compilación de grandes éxitos).
La canción que os propongo hoy se encuentra en el álbum 1964, publicado en el año 2004 (cuando el artista contaba 40 años).
Brest es la pista 3 del mentado disco. Sigue una tónica parecida al disco en general, tratando el tema del final de la juventud como un paso triste pero firme hacia la vejez.
The Doors es uno de los grupos más influyentes en la historia del rock y uno de los principales pilares de la música psicodélica junto a grupos como Jefferson Airplane, The Beatles (en su etapa final) o Pink Floyd (en su etapa inicial).
Su historia comienza en el año 1965, cuando Jim Morrison se encuentra con Ray Manzarek en la playa de Venice. Ambos habían estudiado en la Universidad de Los Ángeles, y, aunque apenas se conocían, finalmente hicieron buenas migas. Manzarek ya se encontraba inmerso en un proyecto musical, al que eventualmente se unirían Robby Krieger y John Densmore, quedando así conformada la alineación del grupo.
Un año después, actuando en el Whisky a Go Go, tuvo lugar uno de los incidentes más recordados de la banda. Durante la presentación en directo de “The End”, Morrison gritó “Father/ Yes son?/ I want to kill you/ Mother, I want to... (fuck you)"”, haciendo referencia a una conducta edípica como supuesto hombre sociópata que habla en la canción. Por esto fueron despedidos del club y, prácticamente al mismo tiempo, contratados por Elektra Records.
Su carrera fue realmente fructífera, ya que en espacio de tan solo 6 años (1966-1972) grabaron 8 álbumes de estudio (2 tras la muerte de Jim Morrison).
En cuanto a su éxito se basó principalmente en las letras de Jim Morrison (uno de los mejores poetas del pasado siglo) y la gran labor al teclado, arreglo de canciones y, en muchos casos, también letras de Robby Krieger, aunque también a su adelantada actitud de rebeldía y la crudeza de alguna de sus letras (con respecto a su tiempo, claro está).
La canción que os propongo hoy es la pista 7 de su segundo álbum (Strange Days), el cual salió a la vente solo 4 meses después del debut de la banda con su disco homónimo.
Fue compuesta conjuntamente por Robby Krieger y Jim Morrison. La letra habla de los sentimientos de una persona que se siente fuera de la sociedad, alienada. Otra posible interpretación podría ser el estado en el que Jim Morrison se encontraba en esos momentos o de lo que experimentaba cuando consumía LSD.
Hoy os traigo una de las covers más curiosas que he escuchado hasta el momento.
La historia de Hellsongs comienza a principios de la pasada década, cuando ganan cierta fama a nivel nacional en Suecia gracias a una versión de la canción “Run to the Hills” de Iron Maiden. El grupo se caracteriza por no tener canciones propias. Su labor musical está centrada en la realización de versiones acústicas de canciones que, como veremos luego, desentonarían en cualquier unppluged que consideremos “normal”.
Tras grabar un EP en el año 2006 (Lounge), realizan su primer álbum (Hymns in the Key of 666) dos años depués. Cabe destacar las versiones Blackened (Metallica), Symphony of Destruction (Megadeth), Seasons in the Abyss (Slayer), Thunderstruck (ACDC) o Paranoid (Black Sabbath).
En el año 2010 sacan su último disco, "Minor Misdemeanors", en el cual encontramos covers acústicas de canciones tan inverosímiles como Skeletons of Society (Slayer), Welcome to the Jungle (Guns 'N Roses) o Walk (Pantera).
Con esta última os dejo hoy. Espero que os sorprendáis gratamente.
En la actualidad muchos son los mitos que rodean la figura del cantante. La voz, la melodía, son la auténtica esencia de la música. Los instrumentos nacieron con el fin de imitar la voz humana. Es verdad que cualquier persona que escucha un solo de guitarra lo aprecia, que alguien que escucha un ritmo de batería en el que se incluyen contrapuntos y síncopas se asombra, que escuchar un solo de slap en un bajo a mucha gente le hace estremecerse... Pero hay algo por encima de todo eso, la voz humana.
El ser humano nace condicionado por muchos factores (altura, atractivo, inteligencia...) pero una de las cosas que más influyen en el carácter y la forma de ser del ser humano es su voz. Se puede ir a clases de canto, se pueden llevar a cabo técnicas de agilización de la pronunciación, o incluso se pueden, hoy en día, operar las cuerdas vocales, pero alguien que nace con una voz privilegiada siempre tendrá un don sobre todos los demás.
Y no solo en el mundo de la música, sino también en el contexto social. Voces como la de Barack Obama (fuerte, calurosa, amable) o la de actores como Luís Tosar (ruda, seca, grave) nos llaman la atención, nos “gustan”.
Como decía antes, en el mundo de la música hoy en día la figura del cantante está rodeada de mitos. Los gritos desgarradores de Kurt Cobain, la voz calurosa y tranquila de David Coverdale, la voz también calurosa pero potente de Eddie Vedder, la garganta de Freedy Mercury, los agudos de Rob Halford y de Robert Plant, la voz melódica y recitativa de James Taylor o Leonard Cohen... (todos estos en un contexto de música de dominio popular, no creo necesario mencionar a ningún cantante de ópera). Dios, sus genes, alguien o algo, quien fuera o lo que fuese, les dio esa voz, y yo quisiera darles las gracias a ellos por haberla compartido con el mundo.
Pero hay alguien por encima de todos ellos. Una voz, LA VOZ.
La historia de Frank Sinatra comienza en Nueva Jersey, en el año 1915, en el seno de una familia de ascendencia italiana. Nació con un tímpano perforado, que no le impidió ser uno de los mejores cantantes de todos los tiempos (si no el mejor).
Durante su juventud practicó deportes tales como el boxeo, la natación o el atletismo.
No es hasta el año 1939 el momento de su despegue a nivel nacional, el cual se produjo gracias a su entrada en la orquesta de Harry Arden. Y ahí nació el mito.
Su carrera se centró principalmente en superar a Bing Crosby, quien era su gran inspiración.
Memorable fue el programa que grabó junto a Elvis, el rey del rock.
Pero lo que nos ocupa hoy es su canción más recordada, "My Way".
La canción es una versión en inglés de la compuesta originalmente en francés por Claude François y Jacques Revaux. La canción interpretada por Sinatra solo mantiene la melodía de la original, ya que la letra cambia totalmente.
Dicha letra habla sobre un hombre mayor que, acercándose su hora, recuerda satisfecho su vida, de como la ha vivido, a su manera.
Sin más preámbulos os dejo con una de las mejores voces de la historia de la humanidad.
“Se buscan personas de entre 18 y 30 años para ser asesinadas. El carnicero maestro”. Esto reza el primer verso de una de las canciones más oscuras y truculentas de la historia del metal.
Mein Teil es la 2ª canción del disco "Reise Reise" (2004) de la banda de metal industrial Rammstein.
La historia de esta banda comienza a mediados de la década de los 90. Poco a poco se abren hueco en el mercado con un sonido nuevo, fresco y original, pero también agresivo, pesado y oscuro.
Antes de editar el anteriormente mentado disco, sacan otros tres ("Herzeleid" en 1995, "Sehnsucht" en 1997 y "Mutter" -para muchos su mejor disco- en 2001). Posteriormente grabaron "Rosenrot" (2005) y "Liebe ist für alle da" (2009).
Se caracterizan por tener unas actuaciones vigorosas y muy trabajadas en directo (con uso de material pirotécnico e infinidad de escenificación).
Sobre la canción poco me queda decir aparte de lo que ya dije en el comienzo. La letra habla sobre el incidente caníbal ocurrido en el año 2001 en Alemania, cuando una hombre cortó a otro su miembro y, tras cocinarlo, lo ingirieron entre los dos. El título hace referencia a esto (Mein Teil, mi parte, mi “pene”). Todo esto conjugado con un sonido oscuro, agresivo y con una escenificación en directo espeluznante.
De hecho el vídeo forma parte del disco “Völkerball”, el cual contiene varias actuaciones en directo grabadas entre 2004 y 2005. Es difícil definirlo en una palabra, pero si tuviese que hacerlo lo catalogaría como “obra-de-arte-genialmente-grotesca”.
Con motivo de su reciente visita a nuestra comunidad, hoy hablaremos de una de las bandas de indie/rock/rock alternativo más influyentes del momento: Interpol.
La historia de esta banda neoyorquina comienza en el año 1998, cuando Daniel Kessler y Greg Drudy se conocen el la universidad de Nueva York. Posteriormente se unieron Carlos Dengler (quien abandonó el grupo hace escasos meses) y Paul Banks.
Tras la marcha de Greg Drudy, Sam Fogarino ocupó su plaza y la formación de la banda quedó cerrada.
En el año 2000 graban su primer EP, llamado "Precipitate", y en el año 2001 se produce su despegue definitivo cuando asisten al programa de John Peel en la BBC.
Desde entonces han grabado 4 discos: “Turn on the bright lights”, “Antics”, “Our Love To Admire” y “Interpol”.
“Turn on The Bright Lights” es un disco oscuro, casi hipnótico, y hasta podríamos decir deprimente. Considerado uno de los mejores discos del 2002, sus canciones tienen estructuras bastante sencillas con pocos riffs de guitarra. Lo más destacable de la banda son las letras y el sonido pesimista y oscuro de las canciones. Hay un gran trabajo de estudio en las guitarras, buenos ritmos de batería y varias líneas de bajo bastante completas.
En este disco se encuentran algunas de sus canciones más conocidas cono “Obstacle 1” o “Leif Erikson”.
Yo os propongo "Untitled". Es la “primera” canción de la discografía oficial de Interpol (abre el primer disco). Una canción bastante sencilla, con una letra “optimista” y una sección musical sobrecogedora. Alguno la reconocerá por haber salido en la serie Friends. Espero que la disfrutéis tanto como lo hago yo.
Tras un tiempo de inactividad retomo hoy mi sección con uno de los grupos británicos más influyentes de los últimos años.
Franz Ferdinand toman su nombre de la figura de Francisco Fernando, archiduque de Austria, cuya muerte fue uno de los principales desencadenantes de la 1ª Guerra Mundial.
El grupo se forma en el año 2001 en Glasgow (Escocia) y es uno de los principales estandartes del movimiento indie de principios de la pasada década. Gracias a la canción “Take me Out” de su primer disco logran la fama mundial, que se acrecenta posteriormente con el single “Do you Want To” de su segundo disco ("You could Have It So Much Better"). Posteriormente, con su tercer disco y apoyándose en el single “Ulysses” su música salta a las pistas de baile volviéndose más comnercial y logrando el reconocimiento a lo largo de todo el mundo.
La banda suele girar en torno a la labor compositiva de Alex Kapranos, guitarrista solista, teclista vocalista y principal compositor.
Su sonido se puede considerar una mezcla de varios estilos, llegando sus influencias desde el punk hasta el rock más puro, que confieren a la banda un sonido propio. Entre los grupos cuya influencia es más notable podríamos citar a The Kinks, The Beatles e incluso a The Who.
En cuanto a su imagen destaca el peinado “retro años 60”, que nos recuerda a los primeros años de The Beatles.
La canción con la que os dejo hoy se llama “Michael”. Esta fue el cuarto single extraído de su primer disco (homónimo a la banda). Habla sobre un hombre llamada Michael y como este se hace el dueño de la pista de baile gracias a su “movimiento sexy”.
Ha habido cierta controversia sobre la letra, ya que se piensa que puede hablar sobre relaciones homosexuales. Puede que sea verdad (o no), pero merece la pena escucharla.
Pues si, no he muerto, simplemente no he tenido tiempo, y en el día de hoy vuelvo a realizar mi sección, que a partir de la semana que viene volverá a ser los lunes, como antaño solía ser.
Esta semana os presento una canción que para muchos os será desconocida de un grupo mundialmente conocido.
El susodicho grupo se llama Pearl Jam, el cual ya menté en mi anterior publicación, en la que hablaba de otro de los grupos pilares del movimiento grunge surgido en Seattle a principios de los años 90, Alice In Chains.
La historia del grupo comienza en los años 80 cuando el guitarrista Stone Gossard y el bajista Jeff Ament se unen para formar un grupo, pero no será hasta la llegada de McCready a la segunda guitarra cuando comienzan a encontrar algo de estabilidad. Posteriormente Eddie Vedder es fichado como vocalista y tras participar en el disco “Temple of the Dog” junto a miembros de Soundgarden la formación quedó completa con la llegada al grupo del batería Dave Krusen.
Cuando se habla de Pearl Jam no se puede evitar pensar en Eddie Vedder. Ganador de un Globo de Oro por la realización de la banda sonora de la película “Into The Wild”, está considerado como uno de los mejores vocalistas de la escena del rock contemporáneo (para un humilde servidor la mejor voz masculina de la historia junto a Frank Sinatra y Ray Charles). Su voz rebosa sentimiento, carisma, dolor... Una prueba clara de su don la encontramos en la canción que os propongo hoy.
"Army Reserve" es la undécima pista del disco homónimo de la banda de Seattle. La letra habla sobre una mujer que espera la vuelta de su marido de la guerra.
La canción comienza con un riff de guitarra con un sonido bastante característico de la banda. La angustia y el dolor que la mujer siente las consigue transmitir Vedder a la perfección. Con una voz la mayor parte del tiempo rasgada, el vocalista de Pearl Jam pasa casi a gritar durante el estribillo, el cual contrasta en intensidad con la estrofa principal. En el estribillo encontramos otra característica no tanto de la banda, sino del grunge: los coros.
Tras 3 semanas en el dique seco (ya fuere debido a problemas familiares o a exámenes universitarios) retomo mi sección.
Esta semana os traigo una canción de uno de los grupos más importantes de los años 90 y pilar del movimiento grunge junto a Nirvana y Pearl Jam. Estoy hablando, como no, de Alice In Chains.
La vertiginosa historia de esta banda comienza en Seattle (la “cuna del Grunge”) cuando el vocalista Layne Staley conoce al guitarrista Jerry Cantrell. Tras varias formaciones y cambios de nombre la formación definitiva de los 2 primeros álbumes queda completa: Layne Staley como vocalista y segunda guitarra (solo ocasionalmente en actuaciones en directo), Jerry Cantrell como segundo vocalista y primera guitarra (en ocasiones como primer vocalista en canciones como “Heaven Beside You”), Sean Kinney como batería y Mike Starr como bajista.
Los dos primeros discos fueron Facelift (1990) y Dirt (1992).
Del primero cabe destacar“We Die Young”, “Man In The Box” y “Sea Of Sorrow”. Del segundo, sin embargo, se podría hacer una tesis doctoral. Es un disco increíble, con una calidad vocal impresionante, una gran influencia del heavy metal (sobre todo de Black Sabbath, lo vemos por ejemplo en “Iron Gland”, donde se ironiza “Iron Man”) y con un trabajo de estudio inconmensurable. Destacaría, sobre todo, “Down In A Hole”, “Would?”, “Angry Chair”, “Rooster” y “Them Bones”, por citar algunas.
Poco después el bajista Mike Starr abandonó el grupo, siendo sustituído por Mike Inez, de características muy similares.
Tras la realización de “Jar Of Flies”(un EP con alma de álbum del que quisiese destacar la canción “Nutshell”), salió a la luz en el año 1995 el que sería el último disco de estudio de la banda junto a su vocalista original, el homónimo “Alice In Chains”.
De este disco destacaría “Heaven Beside You”(anteriormente citada),“Over Now”, “Sludge Factory” (os recomiendo ver la versión del MTV Unplugged, alguno ya sabrá porqué), “Grind” y “Again”.
Pero la que hoy os recomiendo no es ninguna de esas 5 (ni tampoco “God Am”), sino “Brush Away”. Creo que es una canción que define bastante bien el estilo del grupo, ya que aúna un sonido bastante oscuro y triste con una letra de las mismas características, además de los juegos vocales característicos entre Jerry Cantrell y Laney Staley.
Espero que os guste. Nos vemos la próxima semana en esta sección y todos los días enMusic In The Memory.
Esta semana no voy a escribir mi sección por falta de tiempo debido a problemas familiares, por ello pido disculpas.
Aprovecho para mostrar mis condolencias ante la reciente pérdida que ha sufrido el mundo de la música en general debido a la muerte de Ronnie James Dio.
De nuevo pido me excuseis por no realizar mi sección semanal, aunque espero que este tiempo me sirva para realizar una muy buena entrada el lunes de la semana que viene.
Algo así como “El Esclavo del Audio(¿audio = música/sonido?)” fue el nombre de una superbanda de Rock Alternativo y Hard Rock que estuvo en activo desde el año 2001 hasta su disolución 6 años después, período en el que editaron 3 discos de estudio.
Lo de supergrupo viene de que su formación la componían el vocalista de Chris Cornell (también vocalista, guitarrista y líder de la banda de Grunge/Rock Alternativo Soundgarden) y los tres músicos de Rage Against The Machine (el guitarrista Tom Morello, el bajista Tim Commerford y el batería Brad Wilk).
Musicalmente hablando el grupo suena muy parecido a RATM (sobre todo en el primer disco), pero las letras (algunas irreverentes y otras de gran profundidad y belleza) reflejan, de mano de Chris Cornell (principal compositor) la esencia del Grunge que todavía conservaba y que ahora ya ha perdido completamente.
La canción con la que os voy a dejar hoy es “Be Yourself”, del disco "Out of Exile", del año 2005, el segundo de la banda.
Empecemos por la letra. Esta es una de las canciones que SÍ tenían un mensaje, una letra profunda y sugerente. Quedaros simplemente con lo que dice el estribillo: “To be yourself is all that you can do”(“Ser tu (mismo) es todo (lo único) que (tú) puedes hacer”).
El bajo tiene los matices típicos de de Tim Commerford: un sonido bastante grave y tapado y con un poco de distorsión. En la guitarra es donde encontraréis el parecido con R.A.T.M., pues obviamente no podía faltar Morello y sus efectos y en cuanto a Brad Wilk, poco que decir, es un batería bastante normalillo.
L.O.L. son las iniciales con la que mucha gente conoce a este grupo catalán de indie y pop alternativo.
La canción de la que os voy a hablar hoy se titula “Allí donde solíamos gritar”, que abre el álbum “1999 (o como generar Incendios de Nieve enfocando con una Lupa a la Luna)”, publicado en el año 2009. Bueno, en realidad no es la canción en sí, es un remix realizado por Dj Amable y Dj Niño, pero os puedo asegurar que suena igual de bien o mejor que la original.
El disco es una especie de trabajo conceptual que narra una relación amorosa, sus etapas y su final. La canción habla sobre la infancia de los protagonistas de la relación, que se supone se han reencontrado años después (por lo menos es lo que yo concluyo, aunque hay diversas opiniones; de hecho el videoclip no contrasta con mi opinión personal).
Para mí este tema y en particular esta versión tiene un significado especial. Supongo que algunos de los que lean esta publicación sabrán por donde van los tiros. Para los que no la conozcáis os recomiendo encarecidamente que la escuchéis, ya que la letra es bastante coherente (para ser de Love of Lesbian) y pegadiza. Además es sobrecogedora y muy “bonita” (me da por culolo cursi que suene). Personalmente a mi me pone los pelos de gallina y hace que se me ericen los pezones.
Si véis que os llama la canción tenéis que escuchar el disco entero. Yo tenía grandes prejuicios contra la música española. Me gustaban un par de canciones de los 80/90, alguna canción de Amaral y otro tanto de Fito. Pero Love of Lesbian es algo aparte, os lo digo en serio. Tiene algo, no se como explicarlo, pero suena distinto a cualquier cosa que hayas escuchado antes, por eso hay mucha gente que ya lo cataloga como “indie alternativo”. Yo los descubrí hace apenas 2 meses y medio y me han enganchado un montón, por no decir que me se ya más de la mitad de las letras del disco "1999"...
Con motivo de la Jam Metal que se celebró en el Sugar & Salt el pasado sábado aun está fresca hoy os traigo algo "Jodidamente Potente" (espero que más de uno lo pille).
"War Nerve" es la segunda canción del disco “The Great Southern Trendkill”, de la banda tejana de groove/thrash metalPantera.
Personalmente es una de mis canciones predilectas del grupo. El riff de guitarra es bastante simple, pero muy potente y directo. Tiene un ritmo bastante lento en comparación a otras canciones de la banda e incluso del mismo disco (véase por ejemplo la canción homónima del álbum. Vinnie Paul patea culos). El trabajo en el bajo de Rex Brown sobresaliente, como siempre. De hecho querría hacer una mención especial para él, ya que en mi opinión siempre ha estado muy infravalorado, aunque claro, tocando al lado de Dimebag Darrell incluso a John Myung le pasaría lo mismo.
Por último, la voz de Phil Anselmo. He llegado a la conclusión de que no es humano, y nadie me va a hacer creer lo contrario. No se puede cantar de esa forma sin que tu esófago se coja unas vacaciones (y bien largas). Es un animal, y sino escuchad la canción del vídeo.
“Helter Skelter!” gritó Paul McCartney durante aproximadamente 27 minutos mientras repetía hasta la saciedad el acorde de Mi.
Helter Skelter es una canción poco conocida de The Beatles y una de las mas infravaloradas de su discografía. La canción es metaforicamente un “déjame que te de estopa” a una chica (vamos, decir, lo único que dice es “bailas mal” y “estoy bajando rápido, no me dejes romperte”. Creo que todos nos entendemos). Tal cual comience os va a chocar. No por nada, simplemente porque comienza con distorsión. De hecho, junto a “You really got me going” de The Kinks, esta canción está considerada como la primera en la que aparece un riff que se puede calificar como Heavy Metal.
La canción pertenece al White Album. En esta etapa es de todos bien sabido que The Beatles ya experimentaban con drogas (vamos, que se metían todo cuanto podían). De ahí que la grabación de la canción se alargara hasta los 27 minutos mentados ya. La versión de estudio se recortó a unos 4 minutos, por motivos de aprovechamiento del vinilo. Como detalle a destacar la última frase de la canción: “I've got blisters on my fingers” (“Tengo ampollas en los dedos!”). Adivináis quién la grita?
Hoy os traigo algo “diferente”. Se trata del grupo “Electric Six”, natural de Detroit. Este grupo mezcla influencias de Rock con trazos que van desde el Pop hasta el Metal, pasando por la Electrónica y en algunas canciones incluso el Folk.
La canción que os propongo se llama “Danger! High Voltage” del disco “Fire” (2003). Con este disco consiguieron alcanzar bastante fama, principalmente debido a la mencionada canción, ya que se corrieron rumores de que Jack White, cantante y guitarrista de The White Stripes, ponía voz a los coros de la misma. Esto fue finalmente desmentido, aunque la canción consiguió gran popularidad. De hecho llegó a formar parte de la banda sonora de la segunda entrega de “Los Ángeles de Charlie”.
Os dejo aquí el video. Hasta que lo hayáis visto no os podréis considerar personas.
Antes de nada me disculpo por no haber podido publicar la semana pasada. Hubo, digamos, un pequeño problema técnico-humano, pero eso es igual.
Hoy os propongo una de las canciones menos conocidas del álbum “A Rush Of Blood To The Head” , en mi opinión obra maestra de Coldplay.
De este disco, catalogado como uno de los mejores de la pasada década (y con razón), podemos extraer grandes éxitos y canciones archi-conocidas como “Clocks”, “In My Place” o “The Scientist”, ya sea por TVE o por la serie “Anatomía de Grey”. A otro nivel se encuentran “God Put A Smile Upon Your Face”, “Green Eyes”, “Politik” o “Amsterdam”. Y en un tercer plano están “A Whisper”, “Daylight”, “Warning Sign” y la canción que da título al disco, “A Rush Of Blood To The Head”.
La canción que nos ocupa hoy es la última mentada. A mi juicio es la más infravalorada del disco. La letra no es gran cosa (siendo francos, las letras de Coldplay no son obras de arte que digamos), pero su música destaca por comprender una instrumentación muy cargada y a la vez suave.
Con un piano que pasa casi inadvertido, el instrumento que destaca es la guitarra acústica tocada por el cantante Chris Martin. Sobre la línea de batería de Will Champion poco que decir, al igual que del bajo de Guy Berriman, practicamente inaudible como en casi toda la discografía de Coldplay, aunque se sigue escuchando más que en el “...And Justice For All”...
Por último quisiera hacer una mención especial al guitarrista Jon Buckland, para mi uno de los compositores y guitarristas con más gusto del momento. En cierto modo me recuerda a la labor de John Frusciante en Red Hot Chili Peppers. Volviendo a Buckland, es verdad que técnicamente no es un gran músico, pero en cuanto a oído y gusto sabe siempre donde entrar, donde meter una línea de guitarra, que sonido escoger... confiriendo así al grupo el sonido característico que Coldplay siempre muestra y que conlleva que hoy en día sea uno de los mejores grupos de Rock Alternativo del mundo.
Los que sigan este blog a menudo deben de conocer Opeth, o por lo menos sonarles de haber leído algún post, ya que a Popi (fundador del blog) le encanta este grupo sueco de death metal/rock progresivo. Así a bote pronto suena extraño, pero tiene fácil explicación. Como muchos otros grupos de “heavy” componen también baladas. Su estilo es el death metal, pero las baladas y las partes más “suaves” de las canciones de death metal están orientadas hacia el rock alternativo o progresivo.
La canción que hoy os propongo se encuentra en el disco “Ghost Reveries”. Esta es la primera publicación que Opeth realiza ya con cierta fama, y el disco muestra ciertos tintes comerciales (mínimos) como la realización de su primer videoclip.
Sobre la canción ("Isolation Years"), decir que es una de las baladas anteriormente mentadas. Habla sobre una mujer que tras largos años de aislamiento ahora tiene miedo a morir sola. Esta es la pista que cierra el disco, y la verdad no encuentro manera mejor de hacerlo. Suena algo depresivo, pero como en todas las canciones siempre hay un destello de esperanza final.
Si os ha gustado os recomiendo el álbum “Damnation”. Todas las canciones son de este estilo, al álbum es enteramente de baladas (aunque parezca mentira).
Por cierto, después de escuchar la canción id a Wikipedia y mirad los estilos con los que catalogan al grupo. No tiene pérdida.
Lo primero disculparme por mi prolongado ausentismo, tanto conmigo mismo como con Popi (el sumo sacerdote del Blog) y por supuesto también con las personas que seguían esta publicación (si es que las había, que lo dudo).
Esta semana os voy a proponer algo bastante mas potente que las semanas anteriores. Se trata de una canción de Gojira, grupo procedente de Francia, aunque cantan en inglés (cosa muy rara hoy en día, que no nos afecta nada la globalización, sabes?).
A los que os guste Opeth este grupo os debería (por lo menos) llamar la atención. De hecho a mi me lo presentaron de ese modo, a través de Opeth, y la verdad es que me ha enganchado bastante.Cierto es que los riffs son más duros que los de la banda sueca, y las voces, aunque no tan potentes como las de Mikael Akerfeldt, son bastante mas agresivas, presentando así un Death Metal bastante tradicional.
Os dejo con esta canción del álbum “From Mars To Sirius”, para mí de las mejores del grupo.
Seguro que muchos conoceréis a John Frusciante por haber sido durante más de 15 años el guitarrista de Red Hot Chili Peppers durante distintos períodos de tiempo, pero hoy os lo presentaré como músico independiente.
Frusciante siempre ha mantenido proyectos paralelos a su carrera con los Red Hot Chili Peppers, tales como “Ataxia” (un grupo experimental en el que tocaba con el nuevo guitarrista de la banda californiana, Josh Klinghoffer), colaboraciones con “The Mars Volta” y varios discos en solitario.
Su estilo se podría definir como “rock experimetal”, aunque la mayoría de sus composiciones suelen estar compuestas en base a estructuras bastante simples donde solo utiliza acordes y punteos, pero combinados con una belleza solo digna de los grandes maestros.
Entre sus influencias cabe citar a Jimi Hendrix y a Frank Zappa, aunque se siguen notando los tintes funkies de sus comienzos.
He seleccionado esta canción un poco al azar. Si os gusta os recomiendo que busquéis mas música suya (sobre todo los discos “The will to Death” y “Shadows collide with People”).
Esta semana toca algo para oídos privilegiados. La canción es una paranoia terrible y más del 90% de la gente no la conseguirá oír entera, soy consciente de ello. De hecho, yo mismo no la pude escuchar completa hasta hace bien poco, aun conociéndola desde hace años, cuando me la enseñó el gran Cebollo (por si se pasa por aquí que no me diga “quién te la enseñó, eh, quién?”).
La canción habla básicamente de como el susodicho “Tommy the Cat” encontró a una gatita apetecible y busca mantener relaciones gatunas con ella. No le busquéis sentido alguno a la letra, ni a la música, ni al grupo en sí. Simplemente disfrutad.
Podría haber puesto el videoclip de la canción que increíblemente no tenía la “Inserción desactivada por solicitud” (desgraciadamente lo normal hoy en día), pero preferí poner este directo, así veis lo bueno que es Les Claypool, que toca mientras canta y hace parecer fácil tanto lo que canta como lo que toca (eso hablando bien, porque me cago en la pu**, que bueno es el cab***, que dan ganas de prost******* solo por tocar la mitad de bien que él).
Si se da el caso de que sois o pretendéis ser bajistas no os recomiendo ni la canción ni el grupo, porque os quitará las ganas de intentar aprender a tocar, eso mínimo.
Music In The Memory se funda en 2008 fruto de una idea de Jaime (Popi) para pasar el rato escribiendo sobre una de las cosas que más le gusta: la música. Cuatro años después de su fundación, más de 500 publicaciones y reconocimientos en medios locales como El Diario de Pontevedra, el blog se cierra en 2012 por motivos relacionados con el estudio y otros proyectos más grandes. En marzo de 2017 la idea vuelve a resurgir con un plan diferente: comenzar de nuevo con una estética similar y una única persona al cargo (Popi). En la web solamente estarán disponibles críticas, crónicas de conciertos y festivales y artículos. En la página de Facebook se dará pie a lo mismo con el plus de promocionar bandas y eventos musicales así como para compartir noticias breves, de otras fuentes, imágenes, etc. sin necesidad de escribir en la web.
2018: actualmente el blog se encuentra inactivo y sin planes de futuro próximos. En caso de cambios o novedades, se avisará por aquí o por alguna de nuestras redes sociales. ¡Un saludo y gracias!
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La historia de Christophe Miossec comienza en el año 1964, naciendo el 24 de Diciembre en Finistère (en la Bretaña francesa).
En la actualidad muchos son los mitos que rodean la figura del cantante. La voz, la melodía, son la auténtica esencia de la música. Los instrumentos nacieron con el fin de imitar la voz humana. Es verdad que cualquier persona que escucha un solo de guitarra lo aprecia, que alguien que escucha un ritmo de batería en el que se incluyen contrapuntos y síncopas se asombra, que escuchar un solo de slap en un bajo a mucha gente le hace estremecerse... Pero hay algo por encima de todo eso, la voz humana.
Tras un tiempo de inactividad retomo hoy mi sección con uno de los grupos británicos más influyentes de los últimos años. 
