11/11/11: El día en que Black Sabbath resurgió

Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward vuelven a las andadas. Cierto es que Black Sabbath continuó hasta el año 2006 con Dio al cargo y que hubo alguna reunión esporádica, pero nada importante ni llamativo que supusiera la vuelta definitiva del sr. Osbourne a las filas del grupo que le vio nacer.

A través de un comunicado difundido mediante un vídeo que ha subido la propia banda a YouTube y de un 'aviso' de la sala de conciertos "Whiskey A Go Go" se ha confirmado la reunión de la formación para el próximo 2012. Y no sólo eso, también hemos podido conocer a través del anuncio que saldrá un nuevo álbum y que lo producirá Rick Rubin.

El primer concierto oficial de Black Sabbath con sus cuatro miembros originales será en Inglaterra, en el Download Festival del año que viene.

Machine Head nos enseñan la portada y tracklist de "Unto The Locust"

"Unto The Locust" se estrenará mundialmente el próximo 27 de septiembre en todo el mundo. Será la continuación de su exitoso antecesor "The Blackenig", del año 2007.

Ayer, la formación de Oakland nos presentaba un adelanto del nuevo trabajo, concretamente la portada y la lista de canciones que lo formarán. En cuanto al número de temas de este lanzamiento sabemos que serán siete y que la duración media será más o menos como en el anterior disco.

01. I Am Hell (Sonata In C#)
    I) Sangre Sani
    II) I Am Hell
    III) Ashes To The Sky
02. Be Still And Know
03. Locust
04. This Is The End
05. Darkness Within
06. Pearls Before The Swine
07. Who We Are

La tapa del CD es la siguiente (horrible comparada con la de  "The Blackening", lo sé): 

(click en la imagen para ampliar)

Habrá una edición especial con 3 bonus tracks: The Sentinel (versión de Judas Priest), Witch Hunt (versión de Rush) y una versión acústica de Darkness Within'. Esta edición también incluirá un DVD del "making of" del disco.

Saxon, Judas Priest y Motörhead pisarán A Coruña juntos este verano

Hace no mucho os confirmábamos la llegada de Slayer y Megadeth a la misma ciudad el próximo mes de marzo. Pues bien, hoy nos enteramos de que las bandas Motörhead (ya estuvieron en Vigo el pasado 2010), Judas Priest (nos visitaron en el 2004) y Saxon nos visitarán en julio de este 2011, exactamente el día 29.

Esta "extraña" reunión, con nombre "Epitaph Tour 2011" viene a cargo, principalmente, de Judas Priest, que se despedirán de los escenarios después de 40 años cuando terminen esta andanza mundial.

La gira comenzará el día 9 de junio en Suecia. Las entradas para A Coruña se comenzarán a vender mañana y costarán 53€ + gastos (timada), el concierto se celebrará en el Coliseum.

Para los amantes del hardcore, punk y derivados y si frecuentáis el Resurrection Fest, os coincidirá un poco mal el chollo, eso si os gustan también estos grupos, claro.

P.D.: ¿Soy el único que quiere un cambio de fechas? ¡Slayer y Megadeth para julio y Saxos, Judas Priest y Motörhead para marzo! ¿Los promotores le han pillado el gustillo a Coruña, no?

Análisis/crítica: “The Final Frontier” (Iron Maiden)

El decimoquinto álbum de la mítica banda de heavy metal salió el pasado lunes 16 de agosto, y he decidido plantearme este pequeño “reto”, porque esta es la primera vez que hablo de un disco que no haya elegido yo por gusto.

Este es el disco de mayor duración que Iron Maiden han publicado en sus ya 30 años de carrera (76:35 minutos), además de que entre éste y su predecesor “A Matter of Life and Death” han pasado 4 años, lo que también supone el período más largo entre dos discos en la historia de la banda.

Dicho esto pasaré a hacer un análisis del álbum (para bien o para mal):

Ya en el primer tema (“Satellite 15…The Final Frontier”) la batería se pasa los 4 primeros minutos marcando un ritmo muy mecánico acompañado de vez en cuando por “adornos” de guitarra además de un riff de bajo, que por cierto es el único detalle que me ha llegado a llamar la atención, tanto por el riff en sí como por su sonido distorsionado (lo cual no es propio del bajista Steve Harris).

De todos modos, al cabo de 4 minutos empieza lo que vendría siendo la verdadera canción, y os puede que yo no escuche tan a menudo a Iron Maiden, o que no sea “metalero”, pero los he escuchado durante una corta etapa y sé apreciar cuándo un grupo empieza a volverse repetitivo, y este es un claro ejemplo.

En cuanto se refiere al cantante Bruce Dickinson, no hace falta ser profesor de canto ni mucho menos para reconocer que está acabado.
En directo ya nisiquiera es capaz de cantar clásicos de la banda como por ejemplo “Aces High”, a menos que fuerce la voz como se puede apreciar en el documental “Flight 666”, en el que seguimos al sexteto británico en su anterior gira mundial.

La verdad es que no sabría decir (desde mi punto de vista) si hay alguna canción “pasable”. Instrumentalmente creo que podría serlo, teniendo en cuenta a la aportación de Steve Harris como bajista en primer lugar; en cuanto a las guitarras, uno de los detalles que hace monótono al grupo, es que en las secciones instrumentales casi siempre son las que cobran protagonismo además de esa manía de meterle un solo a todas las canciones; pero lo que hace flojear al álbum y también al grupo, sin duda, es la voz de Dickinson.

De entre las 10 canciones del álbum y sus distintas secciones, podría destacar el riff de bajo que abre el álbum (citado antes); el riff de “Starblind” (cuando entra la distorsión a partir del minuto 1 más o menos), junto con el ritmo sincopado que lleva la batería; la intro de “The Man Who Would Be King”, donde la guitarra hace una melodía bastante decente; y creo que la canción en la que la voz de Dickinson suena menos forzada es en la última, “When the Wild Wind Blows”, que es también la más larga (11 minutos) y en su mayor parte instrumental aunque repetitiva por los riffs que suenan por debajo del solo y la voz.

De todos modos, la mayoría de canciones siguen la línea de “ Fear of the Dark”, empezando de forma suave y después pasar a un riff potente.

Después de esto puedo decir que los Maiden se han vuelto algo "cansinos" con los años, tal vez por intentar “mantenerse en lo alto” tanto tiempo, o tal vez por estar algo limitados en ideas.

Espero que por lo menos sepan dar lo mejor de sí mismos en sus conciertos, ya que comenzaron su gira por Europa el pasado sábado día 21, en Valencia siendo esa la única fecha en España a lo largo de dicha gira.

Por mi parte no tengo nada más que decir, sólo quiero dejar claro que no hago esta crítica con ánimo de ofender a ningún fan de Iron Maiden ni mucho menos, ya que respeto el trabajo del grupo dentro de su estilo a pesar de que actualmente no sea de lo que más me agrada.

Esta vez no pondré ningún vídeo porque este es un caso aparte con respecto a mi sección habitual y no lo hago a modo de recomendación; el escucharlo es elección vuestra.

Analizando..."Black Sabbath" (Black Sabbath)

Acercaros y os contaré la gran historia de cómo un cuarteto inglés sentó las bases del heavy metal.

Todo comienza en una fábrica siderúrgica, en la que un chaval llamado Tony Iommi se cortó accidentalmente la punta de los dedos de su mano derecha. Tras este percance, el joven Tony veía ahí acabada su afición, que era la música, más concretamente la guitarra. Pero éste se inspiró en el caso de otro guitarrista, el cual a siguió tocando a pesar de perder la movilidad de sus dedos. Fue así como decidió pulir unas bases de goma que luego usaría como prótesis, además de aflojar las cuerdas de la guitarra, bajándolas dos tonos de su afinación standard (de Mi Do), para facilitar más la movilidad de sus dedos.

Y al parecer, aquel fatídico accidente no fue después del todo tan "fatídico". Tony descubrió que aquellas prótesis le daban un sonido muy característico a la guitarra al pisar los trastes; un sonido metalizado que junto con la afinación tan grave de la guitarra le daba un toque más pesado a su música.

Una vez formada la banda por el cantante Ozzy Osbourne, el bajista Geezer Butler, el baterista Bill Ward y el propio Iommi (el cuál volvía después de haber pasado un corto periodo de tiempo en Jethro Tull), entre todos tuvieron que cambiar el nombre, por lo que se decantaron por Black Sabbath, sacado de la traducción del título de una película de terror italiana.

Junto a este cambio de nombre decidieron cambiar también el rumbo que tomaría su música, dándole a esta un sonido más pesado y oscuro, y con letras tenebrosas y sombrías.

De hecho, la banda fue bastante criticada desde sus inicios debido al contenido "satánico" de sus letras. Y en este álbum se pueden apreciar varias referencias al mismo diablo:

"Satan's sitting there, he's smiling"
(Satán está ahí sentado, sonriendo)

"My name is Lucifer, please take my hand"
(Mi nombre es Lucifer, por favor, toma mi mano)

La idea de experimentar con un sonido más oscuro y con letras inspiradas en el satanismo, la muerte o el terror, surgieron en base a que, en frente del local donde la banda solía ensayar, había un pequeño cine en el que se emitía en aquel entonces la película que daría nombre a la banda. Butler se preguntó entonces: "¿Por qué la gente se gasta el dinero para ver películas de miedo?"

En base a esto, se podría decir que decidieron atribuírle a su música un sonido más pesado y oscuro con la intención de que ésta "diera miedo".

Y el clarísimo ejemplo de esto es la canción que da nombre al álbum, y que además lo inicia.
En la versión de estudia se escucha una leve lluvia y el sonido fúnebre de una campana.

De repente irrumpe un riff que parece sacado de la banda sonora de una peli de terror que se mantiene constante cuando la voz de Ozzy empieza a describir situaciones inquietantes:

"What is this that stands before me?
Figure in black which points at me
Turn around quick, and start to run..."
"...Big black shape with eyes of fire
Telling people their desire..."

(¿Qué es esto que aparece frente a mí?
figura de negro que me señala
Gírate rápidamente y empieza a correr...
Gran forma negra con ojos de fuego
contandole a la gente su deseo...)

Durante estas estrofas se crea cierta inquietud al igual que en esas míticas escenas de las películas de terror, cuando el/la (normalmente "la") protagonista se encuentra solo/a en la oscuridad, y avanza sin rumbo, sabiendo que aquello de lo que huye se encuentra cerca.

Después de este ambiente sombrío y tenebroso surge un segundo riff con otro ritmo, esta vez más dinámico como si el ser del que se hablaba anteriormente en la canción se viera dispuesto a avalanzarse contra todo aquel que se encuentre en su camino:

"Satan's coming 'round the bend
People running 'cause they're scared
The people better go and beware!"

(Satán viene a la vuelta de la esquina
La gente corre porque está asustada
Será mejor que corran y tengan cuidado)

Cuando se conoció el contenido de la letra se llegó a creer que los miembros de la banda practicaban el ocultismo.
Sin embargo Butler, quien escribió la letra, declaró que se había malinterpretado su significado puesto que, según él, se trataba de una advertencia ante dichas prácticas ocultistas.

Esta canción es sin duda una de las primeras dentro del heavy metal propiamente dicho, cosa que Black Sabbath iría desarrollando durante la década de los 70, convirtiéndose en así en practicamente una leyenda para los fans del género.

De todos modos, yo considero que el resto del disco es más bien hard rock basado en el blues, lo cual se aprecia bastante en el manejo de la escala pentatónica (o escala de blues) por parte de Tony Iommi, además de que en algunas canciones se oye a Ozzy tocando la harmónica, como es el caso de "The Wizard", segunda canción del álbum, cuya letra está inspirada en Gandalf, personaje de la maravillosa saga literaria de Tolkien, "El Señor de los Anillos".

La letra de la canción se refiere a un brujo que se dedica a combatir el caos y el mal:

"Never talking
Just keeps walking
Spreading his magic
Evil power disappears
Demons worry when the wizard is near
He turns tears into joy
Everyone's happy when the wizard walks by"

(Nunca habla
sólo sigue andando

propagando su magia.
El poder maligno desaparece
los demonios se preocupan cuando el brujo está cerca
Él convierte las lágrimas en alegría
todos son felices cuando el brujo pasa caminando)

Otra canción en la que se aprecia un buen trabajo por la parte lírica es "N.I.B." (que conste que no sé que quieren decir esas iniciales).

Se podría decir que la letra está puesta en boca de Lucifer, el cual intenta convencer a una mujer de que su amor es real, de que si le sigue ahora no se arrepentirá y de que él mismo le dará todas aquellas cosas que ella desée (extraído textualmente de la letra de la canción).

Y otra de las canciones que me gustaría destacar es "Evil Woman", que tiene un ritmo muy propio del hard rock de aquel entonces, basado en el blues, como decía antes.

El título lo dice todo, habla de una mujer que lo consigue todo mediante engaños y mentiras:

"I see the look of evil in your eyes
Women filling me all full of lies
Sorrow will not change your shameful deals
You will pass someone else instead of me"

(Veo la mirada del mal en tus ojos
Mujeres llenándome de mentiras
El dolor no cambiará tus vergonzosos acuerdos
Pasarás a otro en mi lugar)

Otro de los detalles interesantes con respecto al sonido del álbum es que debido a la falta de presupuesto y de tiempo (sólo tuvieron dos días), se vieron obligados a grabar con todos los instrumentos juntos, como si se tratara de un directo, lo que le da un sonido más "primitivo" al álbum.

Inicialmente fueron siete las canciones que lo constituían, pero más tarde en una reedición se añadiría "Wicked World" como última canción.

Durante las sesiones de grabación, Ozzy cantaba en una cabina insonorizada al márgen de los instrumentos, pero grabando todos al mismo tiempo, además de que hicieron una única ronda para grabar la mayoría del material.

En definitiva, os recomiendo este trabajo si os gustan los riffs de guitarra pesados y las canciones con atmósferas oscuras y envolventes.

Os dejo con el vídeo oficial de la canción que da nombre a este siniestro álbum:

Analizando..."The Real Thing" (Faith No More)

Volvamos a ese maravilloso año llamado 1989, caracterizado por grandes acontecimientos como fue la caída del muro de Berlín, o el lanzamiento de álbumes que se volverían importantes, como sería el caso de este álbum de la banda californiana, ya que supuso un cambio radical en su sonido, principalmente por la entrada del emblemático cantante Mike Patton, procedente entonces del grupo Mr. Bungle.

Tras haber dejado sus estudios en la universidad de Humboldt, se uniría a Faith No More, que en aquel momento planeaban preparar nuevo material, por lo que Patton escribió todas las letras que compondrían el álbum en sólo dos semanas.

Además de su peculiar voz, de aquella algo nasal y juvenil con un tono desenfadado, lo que supondría un cambio radical para el sonido de la banda serían las innumerables influencias de Patton y su versatilidad musical, por lo cual la banda ganaría popularidad entre una mayor amplitud de fans.

Gracias a la difusión de videoclip de "Epic" (una de sus canciones más famosas), a través de la entonces "seria" cadena televisiva llamada MTV, "The Real Thing" sería ya disco de platino a finales de 1990.

En base al gran éxito que cosechó la banda, se fue de gira con Metallica, tocando ante públicos multitudinarios.

Respecto al disco, se caracteriza por tener las líneas de guitarra potentes y directas de Jim Martin, propias del heavy/thrash metal, una atmósfera envolvente creada por el teclista Roddy Bottum, adornos de bajo con toques funk de Billy Gould y las baterías sólidas y contundentes de Mike Bordin.

Todos ellos acompañaban el contraste vocal de Patton, el cual abarca en su repertorio el uso de "rapeos", "falsete", "screaming" (propios del hardcore punk), scat (improvisación vocal originaria del jazz), y un largo etcétera.

También cabe destacar en varias de las canciones, secciones instrumentales sistemáticas con cambios de ritmo y de tonalidad, influídas por el rock progresivo, como son por ejemplo:
"Surprise! You're dead" (que, por cierto aparece en la banda sonora de la película "Gremlins 2"), "Zombie eaters", "The Real Thing", o "Woodpecker from Mars" (única canción instrumental del disco).

Algunas de las canciones que me gustaría describir son:

- "Epic", donde Patton alterna rapeo en las estrofas y melodía en el estribillo, junto con el bajo que marca la nota principal mientras que la guitarra eléctrica le atribuye fuerza y los teclados hacen honor al nombre de la canción, dándole un aire de majestuosidad.

El videoclip recoge imágenes de la banda tocando en escenarios subrrealistas.

- "Falling to Pieces", es otra canción en la que se alternan melodía y rapeo, además de tener un pegadizo riff de bajo, al igual que las melodías del teclado.

Una buena versión de esta canción es la del "Live at the Brixton Academy", único álbum en directo que Faith No More publicaría en 1991 y que recogería varias de las canciones que este álbum reúne, junto con el single debut de la banda, "We care a lot", además de dos temas inéditos, "The Grade" y "The Cowboy Song".

- "Surprise! You're dead", que no tiene ni una sola frase melódica, es decir, la línea de voz está formada exclusivamente por rapeos y algún que otro gutural leve de Patton. Esta es una línea vocal complicada, ya que tiene estrofas donde la letra va muy seguida, acorde con el ritmo balanceante de la canción.

- "The Real Thing", la canción más larga del álbum, con sus más de 8 minutos de duración, que empieza con la batería marcando el ritmo, con un toque de "caja tumbada"(golpeando el borde de la caja con la baqueta tumbada sobre ella), el bombo y el charles.

Pronto aparece el sintetizador que envuelve la canción, e introduce la voz de Patton refiriéndose a una especie de "sensación" o "sentimiento":

"I know the feeling
It is the real thing
The essence of the truth
The perfect moment
That golden moment
I know you feel it too"

(Conozco la sensación
es "lo real"
la esencia de la verdad
el momento perfecto
ese momento dorado
sé que tú también lo sientes.)

La canción posee un cambio de ritmo muy logrado entre todos los componentes, incluído Patton, ya que en dicho momento, la voz sigue el mismo ritmo que los instrumentos.

Otra interesante característica de esta canción es que contrasta bastante bien estrofas suaves con estribillos más estridentes, a través de las que se transmite tanto tristeza como ira respectivamente, sumidas en esa atmósfera oscura que caracteriza a esta gran canción.

- También mencionaría el cover de "War Pigs", de Black Sabbath, de la que hablé hace algún tiempo en la sección "¿Original o Cover?", que como dije en su momento, suena incluso más potente que la versión original además de "transformarla", pasando de sonar como un clásico del hard rock de los 70, a sonar como una canción de rock alternativo de finales de los 80/principios de los 90.

Definitivamente, este es el álbum que más me gusta de Faith No More, después de haber escuchado los 4 álbumes que la banda grabó con Patton a la cabeza.

Os dejo con el vídeo oficial de "Epic", una de las primeras canciones que descubrí de este interesante grupo, gracias(por cierto) al colaborador de este blog Moore:

"The Final Frontier", el nuevo álbum de Iron Maiden

Por fin hay fecha para el nuevo álbum de Iron Maiden. Los fans de la banda podrán disfrutar de "The Final Frontier" a partir del lunes 16 de agosto de 2010, según ha anunciado la banda en su página oficial: www.ironmaiden.com.

La ilustración de la portada corre a cargo de Melvyn Grant, que ya ilustró otros discos de la banda como "Fear of the Dark" o "Death on the Road". El grupo comenzó la grabación en los Compass Point Studios, de Nassau (Bahamas) y más tarde tuvieron que viajar a Los Angeles para finalizarlo.

Con 30 años de carrera a sus espaldas y muchos éxitos cosechados este será su 15º disco de estudio y saldrá cuando ya se encuentren inmersos en el "The Final Frontier World Tour". Este tour mundial será de 25 conciertos y dará comienzo el 9 de junio en Dallas. Pasará por diferentes ciudades de Canadá y EE.UU. para pasar al viejo continente el 30 de julio en Dublín y finalizar el 21 de agosto en Valencia.

El tracklist definitivo del disco es el siguiente:

01. Satellite 15... The Final Frontier
02. El Dorado
03. Mother Of Mercy
04. Coming Home
05. The Alchemist
06. Isle Of Avalon
07. Starblind
08. The Talisman
09. The Man Who Would Be King
10. When The Wild Wind Blows

A continuación os dejo el single "El Dorado" que estará incluido en el disco y que podéis descargar gratuitamente desde AQUÍ.

Recomendación musical: Alice In Chains

Tras 3 semanas en el dique seco (ya fuere debido a problemas familiares o a exámenes universitarios) retomo mi sección.

Esta semana os traigo una canción de uno de los grupos más importantes de los años 90 y pilar del movimiento grunge junto a Nirvana y Pearl Jam. Estoy hablando, como no, de Alice In Chains.

La vertiginosa historia de esta banda comienza en Seattle (la “cuna del Grunge”) cuando el vocalista Layne Staley conoce al guitarrista Jerry Cantrell. Tras varias formaciones y cambios de nombre la formación definitiva de los 2 primeros álbumes queda completa: Layne Staley como vocalista y segunda guitarra (solo ocasionalmente en actuaciones en directo), Jerry Cantrell como segundo vocalista y primera guitarra (en ocasiones como primer vocalista en canciones como “Heaven Beside You”), Sean Kinney como batería y Mike Starr como bajista.

Los dos primeros discos fueron Facelift (1990) y Dirt (1992).

Del primero cabe destacar “We Die Young”, “Man In The Box” y “Sea Of Sorrow”. Del segundo, sin embargo, se podría hacer una tesis doctoral. Es un disco increíble, con una calidad vocal impresionante, una gran influencia del heavy metal (sobre todo de Black Sabbath, lo vemos por ejemplo en “Iron Gland”, donde se ironiza “Iron Man”) y con un trabajo de estudio inconmensurable. Destacaría, sobre todo, “Down In A Hole”, “Would?”, “Angry Chair”, “Rooster” y “Them Bones”, por citar algunas.

Poco después el bajista Mike Starr abandonó el grupo, siendo sustituído por Mike Inez, de características muy similares.

Tras la realización de “Jar Of Flies” (un EP con alma de álbum del que quisiese destacar la canción “Nutshell”), salió a la luz en el año 1995 el que sería el último disco de estudio de la banda junto a su vocalista original, el homónimo “Alice In Chains”.

De este disco destacaría “Heaven Beside You” (anteriormente citada), “Over Now”, “Sludge Factory” (os recomiendo ver la versión del MTV Unplugged, alguno ya sabrá porqué), “Grind” y “Again”.

Pero la que hoy os recomiendo no es ninguna de esas 5 (ni tampoco “God Am”), sino “Brush Away”. Creo que es una canción que define bastante bien el estilo del grupo, ya que aúna un sonido bastante oscuro y triste con una letra de las mismas características, además de los juegos vocales característicos entre Jerry Cantrell y Laney Staley.

Espero que os guste. Nos vemos la próxima semana en esta sección y todos los días en Music In The Memory.

Recomendación musical: Salud y Suerte

Esta semana no voy a escribir mi sección por falta de tiempo debido a problemas familiares, por ello pido disculpas.

Aprovecho para mostrar mis condolencias ante la reciente pérdida que ha sufrido el mundo de la música en general debido a la muerte de Ronnie James Dio.

De nuevo pido me excuseis por no realizar mi sección semanal, aunque espero que este tiempo me sirva para realizar una muy buena entrada el lunes de la semana que viene.

Y lo dicho, salud y suerte para todos.

Recomendación musical: The Beatles

“Helter Skelter!” gritó Paul McCartney durante aproximadamente 27 minutos mientras repetía hasta la saciedad el acorde de Mi.

Helter Skelter es una canción poco conocida de The Beatles y una de las mas infravaloradas de su discografía. La canción es metaforicamente un “déjame que te de estopa” a una chica (vamos, decir, lo único que dice es “bailas mal” y “estoy bajando rápido, no me dejes romperte”. Creo que todos nos entendemos). Tal cual comience os va a chocar. No por nada, simplemente porque comienza con distorsión. De hecho, junto a “You really got me going” de The Kinks, esta canción está considerada como la primera en la que aparece un riff que se puede calificar como Heavy Metal.

La canción pertenece al White Album. En esta etapa es de todos bien sabido que The Beatles ya experimentaban con drogas (vamos, que se metían todo cuanto podían). De ahí que la grabación de la canción se alargara hasta los 27 minutos mentados ya. La versión de estudio se recortó a unos 4 minutos, por motivos de aprovechamiento del vinilo. Como detalle a destacar la última frase de la canción: “I've got blisters on my fingers” (“Tengo ampollas en los dedos!”). Adivináis quién la grita?

Analizando..."Burn" (Deep Purple)

Hoy os hablaré del octavo álbum de la mítica banda de hard rock británica, Deep Purple.

Cabe destacar, en primer lugar, que este fue el primer trabajo de su tercera formación, también llamada Mark III o Mk III, donde entrarían en escena el vocalista, David Coverdale (actualmente cantante de Whitesnake), y el bajista Glenn Hughes.

A diferencia de sus predecesores, este disco muestra una fusión entre rock junto con las influencias de rythm and blues, funky y soul, por parte de estos dos nuevos miembros, lo cual supondría un giro importante en el sonido de la banda a partir de su siguiente disco, "Stormbringer".

En "Burn", predominan harmonías vocales, entre la desgarrada y elegante voz de Coverdale, y el gran registro de Hughes. Excelente trabajo (como siempre) del batería Ian Paice, que en canciones como "Burn", demuestra una vez más su virtuosismo y fuerza a base de redobles. Jon Lord nos deleita con su característico órgano Hammond distorsionado, aunque a partir de este disco comienza a experimentar también con sintetizadores, y también se decanta de vez en cuando por la sencillez de un piano normal y corriente. El guitarrista Ritchie Blackmore saca riffs de guitarra pegadizos y potentes, como es el caso de "Burn" o "Mistreated", y tampoco se queda corto a la hora de demostrar su virtuosismo como solista.

Las canciones de este álbum tienen un sonido muy dinámico a causa de esta combinación entre rock, funk y rythm & blues.

Destacaría concretamente la canción que da título al álbum, que comienza con un riff de guitarra inconfundible, seguidamente entra la poderosa voz de David Coverdale mientras Jon Lord y Ritchie Blackmore dejan el acorde muriendo y "Paicey" se vuelve loco. Justo antes del estribillo, entra Hughes acabando la frase que precede a una pausa breve "para coger aire". El puente es íntegramente cantado por Hughes; en sus interpretaciones en directo, este remata su texto con un agudo desgarrador.

También destacaría "Mistreated", canción bastante idónea para tocar en directo por su forma de empezar, con la guitarra tocando ese riff pesado e imponente, acompañada por el bombo de la batería. Coverdale cuenta en esta canción la historia de un hombre desesperado que va sucumbiendo a la locura tras ser abandonado por su amante.

Gran parte del material de este disco fue interpretado por la tercera formación de Deep Purple en el festival "California Jam", el 6 de abril de 1974, donde contaron aproximadamente más de 200.000 personas, la cual sería la mayor audiencia que el grupo ha reunido en sus más de 40 años de historia.

Owen Brown, un anciano muy "heavy"

Viendo el aspecto de Owen Brown, de 82 años de edad y residente en Weobley, Herefordshire, Reino Unido, todos nos aventuraríamos a predecir que a este entrañable anciano le gusta la música tranquila o tal vez la música clásica. Pero nada más lejos de la realidad. Lo que a Owen Brown realmente le gusta es el metal y hard rock. 

Owen tiene una nada despreciable colección de vinilos de grupos como Iron Maiden, Van Halen, Judas Priest, Megadeth, Kiss, Black Sabbath, Deep Purple, Led Zeppelin o Saxon. Sin embargo en su casa nadie comparte esa admiración por el metal: a su mujer Mary de 83 años no le gusta nada esa "música del diablo", como ella le llama, y su hijo Peter de 57, aunque sí ha heredado la afición por la música de su anciano padre y es batería profesional, prefiere el jazz. Por ese motivo Owen suele escuchar sus vinilos en una caseta que se ha construído en el jardín de su casax y allí, en su "santuario", suele pasar hasta cuatro horas al día escuchando música de sus grupos preferidos en un viejo tocadiscos de hace 26 años.  Como buen metalero, a Owen le gusta escuchar sus discos a todo volumen, tan alto que incluso sus bisnietos le ha llegado a llamar la atención. 

"Empecé escuchando a Elvis, y desde entonces nunca he mirado atrás. Mi amor por el rock and roll creció tanto que ahora escucho metal. Mi esposa es una mujer muy paciente pero esta música es demasiado fuerte para ella, así que en verano me voy a la caseta del jardín. Me siento con un té a escuchar, por ejemplo, a Megadeth a todo volumen, sin preocuparme del resto del mundo. 

Cuando los niños estaban en casa a menudo me pedían que pusiera la música más baja o que apagara el tocadiscos, pero el metal sólo vale la pena si se escucha a todo volumen", declaró el entrañable abuelo.

Un buen ejemplo de que la buena música no tiene edad. A pesar de que este señor, al parecer, sólo escuche clásicos, se merece todos los respetos. ¡Por lo menos rompe los tópicos de que los ancianos son unos aburridos!