Analizando..."Machine Head" (Deep Purple)

Esta vez sí que estoy dispuesto a hablaros de la formación "clásica" de Deep Purple. Y sin ir más lejos os hablaré del que sin duda es uno de los mejores trabajos de la banda, "Machine Head".

Este álbum guarda una increíble historia detrás de sus canciones:
Todo comenzó en el invierno de 1971, cuando la banda viajó hasta Montreaux (Suiza), para componer y grabar el material de su siguiente trabajo.

A su llegada fueron invitados a una actuación de Frank Zappa & The Mothers of Invention. Todo parecía ir bien hasta que de repente, sin saberse porqué, alguien entre el público disparó una vengala contra el techo. La combustión provocaría un incendio por todo el edifico, teniendo que desalojarlo lo antes posible.

A la mañana siguiente, después de que el casino quedara reducido a escombros, la banda se encontraba en ese momento sin alojamiento y lo que es más, sin lugar donde grabar la música del que sería su próximo trabajo.

A falta de soluciones mejores, tuvieron que establecer su estudio en un hotel cerrado por temporada, llamado "Grand Hotel". Colocaron los instrumentos en uno de los largos corredores y el equipo de grabación en un camión que se encontraba al exterior.

Tras tres duras semanas de trabajo, consiguieron rematar el álbum, habiendo grabado 8 canciones, de las cuales se incluirían 7 en la edición original de esta joya del rock.

Para los que no lo supiérais ya, todo esto lo cuenta la propia banda en la letra de "Smoke on the Water", su canción más famosa, denominada como "el "Für Elise" de la guitarra eléctrica".

Al margen de esta canción archiconocida, el repertorio del álbum se compone de otros grandes clásicos como "Highway Star", "Lazy" o "Space Truckin'".

"Highway Star" es la que inicia el álbum. Esta canción surgió durante una entrevista a Ritchie Blackmore, cuando le preguntaron: "¿cómo se compone una canción?". Él se puso a tocar el acorde con el que empieza la canción, y tras mantenerlo durante varios minutos, Ian Gillan empezó a cantar espontáneamente.

La letra es sencilla, sigue el mismo patrón en cada estrofa, alternándolas con los respectivos solos de Jon Lord y de Ritchie Blackmore.

Fue al componer esta canción cuando ambos músicos se plantearon la idea de componer un solo fijo para la canción, al margen de las largas improvisaciones que tanto les caracterizaban (sobre todo en sus conciertos).

Así fue como Lord compuso un agresivo solo de teclado, tanto por su ejecución como por su característico sonido, y aprovechando sus influencias clásicas utilizó una estructura harmónica típica de Bach, además de improvisar sonbre la escala frigia (oriental).

Por su parte, Blackmore grabó dos pistas de guitarra tocando las mismas figuras en distinto tono, dándole un color muy peculiar, y también deja ver aquí sus influencias clásicas ( hay que ver, lo que hace el conservatorio), utilizando punteos que siguen una progresión propia de Mozart.

De entre las demás están:

-"Maybe I'm a Leo", posiblemente la más infravalorada del álbum, caracterizada por su riff principal y su ritmo lento y contundente, así como de los coros y el solo de guitarra.

-"Pictures of Home": una divertida canción que se abre con un solo de batería de Ian Paice, el cual (cómo no?) se vuelve loco aporreando los timbales. El riff principal de guitarra lo sacó Blackmore escuchando la radio, cuando sin querer sintonizó una emisora probablemente de algún país de Europa del este.

Mientras que el solo de éste es completamente improvisado, Lord también decidió componer uno fijo, y el resultado fue increíble. También incluye un solo de bajo de Roger Glover, que al igual que el de teclado, es bastante "peculiar".

-"Never Before": el single que publicaron como promoción del disco, y que gracias a ello se convertiría en otro clásico de la banda. La melodía es super-pegadiza, y como el resto de canciones incluye un excelente trabajo por parte de los solistas Lord y Blackmore.

-"Lazy": un blues casi íntegramente instrumental, donde tienen un gran protagonismo el teclado y la guitarra, hasta dar paso a la voz que rompe todos los esquemas gracias al exhuberante registro vocal de Gillan, además de hacer un solo de harmónica.

-"Space Truckin'": como aclaración, lo que suena al principio no es una guitarra, es el teclado, aunque no lo parezca. Esta canción se caracteriza por tener una letra muy vacilona, llena de coñas que se fueron añadiendo. Esta fue una de las canciones que Deep Purple tuvo que eliminar de sus directos al comienzo del nuevo siglo por el tremendo esfuerzo que le suponía al vocalista.

Una curiosidad que tiene esta canción, es que en directo llegaba a durar muchísimo más que su versión de estudio: el claro ejemplo de ello es la versión del mítico disco en directo publicado en el mismo año, "Made In Japan". Mientras la duración original de la canción es de unos 4 minutos y medio, en directo llegaba a superar los 20, aunque en este caso ya no sólo era cuestión de improvisar, sino que ya acababa yéndoseles la olla (que conste que según han declarado los mismos miembros de Deep Purple durante esta época, estaban completamente en contra de las drogas).

Y como pista adicional que se incluiría en reediciones posteriores, está "When a Blind Man Cries", una tranquila balada que describe las circunstancias en las que se vieron envueltos los miembros de la banda, entre el frío, la soledad y la oscuridad de aquel lugar donde, inexplicablemente, grabaron su álbum más memorable (con diferencia).

En el caso de Deep Purple, siendo una banda que ha sufrido muchos cambios de formación y de sonido, es prácticamente imposible buscar un solo disco que los consiga definir, por lo que únicamente puedo decir que esta formación a la que más se suele aludir al hablar de esta banda.

En todo caso, es uno de los mejores trabajos en toda la historia del rock, muy recomendable para los que busquéis un sonido directo y con personalidad.

Aquí os dejo con una versión en directo de "Highway Star" (sí, "Smoke on the Water" está demasiado vista):



(P.D.: La canción tarda un minuto en empezar)

Se reedita "Come Taste The Band" de Deep Purple con canciones inéditas

Recientemente aparecía en las novedades de Spotify la reedición por el 35º aniversario de este trabajo no muy conocido de la banda. Para posibles interesados, éste sería el último álbum de la banda antes de separarse (publicado en 1975, un año antes). 

Tras el escaso éxito de "Stormbringer" y la ida de Ritchie Blackmore por sus diferencias musicales con los demás componentes, se vieron obligados a buscar un nuevo guitarrista, el cual encontraron en un joven estadounidense llamado Tommy Bolin, cuyas influencias y estilo cuadraron bastante bien con la nueva trayectoria que la banda tomaba en ese momento. El sonido del álbum resultó de una mezcla entre rock, blues y funky, dotado de potencia y gancho, aunque no igualó al legendario "Burn", del que hablamos hace bastante tiempo. 

Dentro de la reedición del álbum, además de estupendos temas como "Coming Home", "Getting Tighter" o "You Keep On Moving", podréis encontrar dos canciones inéditas: "Same in L.A.", que encaja perfectamente dentro del sonido del álbum, con un ritmo pegadizo y la harmonía vocal entre David Coverdale y Glenn Hughes seguida por una jam entre el batería Ian Paice y el ya mencionado Tommy Bolin. 

Yo os recomiendo escuchar el disco entero a los que no lo hayáis hecho ya. Y sin nada más que añadir os dejo a continuación "Same in L.A.", para los que queráis deleitaros. Para escucharla tenéis que hacer click AQUÍ, os llevará a Spotify.

Analizando..."Ritchie Blackmore's Rainbow"(Rainbow)

Con motivo de la muerte del vocalista Ronnie James Dio el pasado domingo, se me ha ocurrido que podría hablaros un poco de uno de sus mejores trabajos, concretamente el debut de la banda británica de hard rock, Rainbow.

Para empezar, Dio se inició profesionalmente con un grupo de blues/rock llamado Elf, con el cual conocería al ex-guitarrista de Deep Purple Ritchie Blackmore, al tocar como teloneros de la Mark III de la mítica banda en varios conciertos de su gira durante 1974.

Con el paso del tiempo, vieron como compartían ideas y conceptos musicales, así como su gusto por la mitología y el ocultismo. Esto supuso un gran motivo para que después de que Blackmore abandonase Deep Purple al sentirse desplazado por el giro que la banda había dado a su sonido y estilo y se embarcase en un proyecto completamente nuevo.

En este álbum se puede apreciar el sonido que caracterizaría al grupo en su etapa con Dio, fusionando un rock duro con buenos riffs de guitarra con melodías que te llevan a un mundo medieval, junto con las ingeniosas harmonías vocales y las letras de gran contenido poético y fantástico que corren a cargo del propio Dio(una de las razones por las que, personalmente, considero ésta como la mejor etapa de su carrera).

A la hora de destacar canciones, es un poco difícil porque todas tienen bastante gancho, además de que no hay ninguna que se exceda en duración, por lo que creo que son bastante llevaderas, y pegadizas por su estilo tan personal.

El disco se inicia con "Man on the Silver Mountain", que empieza con un atractivo riff de guitarra tocado por Blackmore. La letra es algo así como la introducción de un personaje fantástico(el supuesto hombre sobre la montaña plateada), donde las frases riman perfectamente, ninguna de forma forzada, y donde predominan los juegos con palabras antónimas al principio de algunas estrofa:

"I'm the day, I'm the day
I can show you the way
And look, I'm right beside you

I'm the night, I'm the night
I'm the dark and the light
With eyes that see inside you"

(Soy el día, soy el día
puedo mostrarte el camino
y mira, estoy exactamente a tu lado

Soy la noche, soy la noche
soy la oscuridad dentro de la luz
con ojos que ven dentro de tí)

Destacan tambien los arpegios con tapping que Blackmore ejecuta en el estribillo, más que nada porque es la única vez que he oído a Blackmore usar esa técnica en guitarra.

A ésta le sigue "Self Portrait", con un ritmo lento y la voz de Dio, esta vez algo más tranqila, acompañada por punteos de guitarra y unos coros que le dan gran cuerpo y harmonía a esta canción.

Otra de las canciones que tengo que recomendar es "Catch the Rainbow", una de mis favoritas tanto del disco como del grupo.

Tambien cuenta también con un ritmo lento y sereno, junto con una serie de acordes muy similares a la mítica canción "Little Wing", de Jimi Hendrix, por lo que podemos deducir una cosa, la influencia que tuvo Blackmore por parte del gran guitarrista estadounidense.
Esta canción cuenta con una preciosa harmonía vocal y por supuesto, con una bonita letra, que empieza hablando de una mujer, a la que se pued identificar como la mujer amada.

Sigo con canciones lentas (¿por qué será que son practicamente las que más me gustan?), y os hablo ahora de un gran éxito de la banda: "Temple of the King", una de mis favoritas por su harmonía tanto instrumental como vocal, y por su fantástica letra, tanto por contar una historia de fantasía como por ser francamente genial:

"One day, in the year of the fox
came a time remembered well
when the strong young man from the rising sun
heard the tolling of the great black bell"

(Un día, en el año del zorro
llegó un momento bien recordado
cuando el fuerte joven del sol naciente
oyó el doblar de la gran campana negra)

Lo curioso esque a esta canción tan épica, le sigue, ni más ni menos, que un rock and roll sencillito: "If you don't like Rock & Roll". Poco puedo decir de esta canción, como mucho, que es la más corta del disco y que es divertidísimo escucharla. Con canciones como esta, a pesar de su gran fama dentro del heavy metal, personalmente puedo decir que Dio me parece más roquero que metalero, pero no discuto el gran reconocimiento que ganó tanto en Black Sabbath como en solitario a partir de la década de los 80.

Esto es solamente una opinión, no le discuto a nadie el mérito que se le ha atribuído al cantante a lo largo de su carrera o de la influencia que aportó al mundo del heavy metal, ya para empezar, puso de moda el gesto de la mano cornuta, que aprendió de su abuela, la cual adoptaba este gesto como forma de espantar a los malos espíritus.

Por último está el tema instrumental "Still I'm sad", que a pesar de ser una versión, es un excelente trabajo por parte de Blackmore como guitarrista, usando 2 pistas de guitarra, cada una haciendo un riff direfente, además de su gran facilidad para improvisar solos, por lo que este tema en directo se alargaba más de 10 minutos, como es el caso del disco en directo "On Stage", el cual demuestra la indiscutible calidad de esta banda con su mejor formación.

Os dejo con un bonito video que he encontrado para la canción "Temple of the King":

Analizando..."Burn" (Deep Purple)

Hoy os hablaré del octavo álbum de la mítica banda de hard rock británica, Deep Purple.

Cabe destacar, en primer lugar, que este fue el primer trabajo de su tercera formación, también llamada Mark III o Mk III, donde entrarían en escena el vocalista, David Coverdale (actualmente cantante de Whitesnake), y el bajista Glenn Hughes.

A diferencia de sus predecesores, este disco muestra una fusión entre rock junto con las influencias de rythm and blues, funky y soul, por parte de estos dos nuevos miembros, lo cual supondría un giro importante en el sonido de la banda a partir de su siguiente disco, "Stormbringer".

En "Burn", predominan harmonías vocales, entre la desgarrada y elegante voz de Coverdale, y el gran registro de Hughes. Excelente trabajo (como siempre) del batería Ian Paice, que en canciones como "Burn", demuestra una vez más su virtuosismo y fuerza a base de redobles. Jon Lord nos deleita con su característico órgano Hammond distorsionado, aunque a partir de este disco comienza a experimentar también con sintetizadores, y también se decanta de vez en cuando por la sencillez de un piano normal y corriente. El guitarrista Ritchie Blackmore saca riffs de guitarra pegadizos y potentes, como es el caso de "Burn" o "Mistreated", y tampoco se queda corto a la hora de demostrar su virtuosismo como solista.

Las canciones de este álbum tienen un sonido muy dinámico a causa de esta combinación entre rock, funk y rythm & blues.

Destacaría concretamente la canción que da título al álbum, que comienza con un riff de guitarra inconfundible, seguidamente entra la poderosa voz de David Coverdale mientras Jon Lord y Ritchie Blackmore dejan el acorde muriendo y "Paicey" se vuelve loco. Justo antes del estribillo, entra Hughes acabando la frase que precede a una pausa breve "para coger aire". El puente es íntegramente cantado por Hughes; en sus interpretaciones en directo, este remata su texto con un agudo desgarrador.

También destacaría "Mistreated", canción bastante idónea para tocar en directo por su forma de empezar, con la guitarra tocando ese riff pesado e imponente, acompañada por el bombo de la batería. Coverdale cuenta en esta canción la historia de un hombre desesperado que va sucumbiendo a la locura tras ser abandonado por su amante.

Gran parte del material de este disco fue interpretado por la tercera formación de Deep Purple en el festival "California Jam", el 6 de abril de 1974, donde contaron aproximadamente más de 200.000 personas, la cual sería la mayor audiencia que el grupo ha reunido en sus más de 40 años de historia.