Nuevo videoclip de Eddie Vedder: "Can't Keep"

Hoy se estrena oficialmente el álbum "Ukulele Songs" de Eddie Vedder, un disco de versiones y temas propios del vocalista de Pearl Jam que está grabado únicamente con la ayuda del instrumento mencionado y la voz del señor Vedder. Aunque el primer single y videoclip ("Longing To Belong") ya vió la luz hace más o menos un mes, hoy vuelve a salir un nuevo clip, esta vez para el tema "Can't keep", canción originalmente estrenada en el disco "Riot Act" del grupo de Seattle. Además, el frontman de la famosa formación estrenará DVD ("Water On The Road") próximamente del cual ya podemos ver el trailer desde AQUÍ.

Os dejo con el video. Si queréis escuchar el disco lo podéis encontrar fácilmente por Internet, es fácil de escuchar pero no lo recomendaría explotar mucho porque puede cansar y parecer monótono. Lo dicho, disfrutad de estas preciosas imágenes marinas y de la canción, os servirá para relajaros y a la vez anticipar la llegada del verano.

Analizando..."Dirt" (Alice In Chains)

Hoy vuelvo a hablaros de Alice In Chains. Este es el segundo y probablemente mejor álbum de la banda de Seattle.

Publicado en 1992, "Dirt" les catapultó a un éxito masivo gracias a temas como "Them Bones", "Rooster" y "Would?". Ésta última aparece también en la banda sonora de
la película "Singles" junto a temas de otras bandas de la "escena Seattle".

El álbum se caracteriza por un sonido mucho más pesado y oscuro que su predecesor, "Facelift". El estado de ánimo del vocalista Layne Staley, quien se sumió en una profunda depresión a partir de este momento, se refleja de forma muy directa en las letras:

"I have never felt such frustration
or lack of self control.
I want you to kill me
and dig me under.
I want to live no more."

(Nunca había sentido tanta frustración
ni falta de auto-control.
Quiero que me mates
y me entierres muy hondo.
No quiero vivir más.)

El repertorio está bien marcado por temas como los ya nombrados, de los cuales cabe destacar la que abre el álbum "Them Bones", caracterizada por un ritmo irregular y un riff de guitarra muy crudo.

Gran parte de estos temas son lentos, en contraposición con los ritmos dinámicos de "Facelift".
Entre ellas están "Rooster", cuya letra gira en torno a la guerra, o la canción que da nombre al álbum, en la que el guitarrista Jerry Cantrell explota al máximo su afición por las melodías orientales.

Las líneas de guitarra son igualmente elaboradas, aunque Cantrell utiliza una distorsión más sucia. La banda sigue con sus características harmonías vocales entre Cantrell y Staley, aprovechando también las ventajas del estudio para grabar varias pistas de voz. Un ejemplo de esto es la canción "Down In  Hole", uno de los puntos culminantes de este disco, y también en el concierto acústico que la banda grabó para la MTV años después.
El bajo y la batería son el cimiento de todo este gran repertorio, marcados por un sonido contundente como en su anterior trabajo.

La producción de este trabajo es mucho más pulida que el anterior, eliminando detalles como la reverberación que tanto caracterizaba a la batería en "Facelift".

Sin duda se trata de uno de los mejores trabajos en la historia del grunge. Sin embargo, su lanzamiento no trajo sólo buenas consecuencias. Tras la exhaustiva gira de promoción el bajista Mike Starr (fallecido este mismo año) decidió abandonar la banda para formar un proyecto en solitario. Éste fue sustituído por el actual bajista Mike Inez. También supuso el comienzo de una dura adicción de Staley a la heroína, que se vio reflejada en canciones como "Would?". Dicha canción fue considerada también uno de los "himnos" de la Generación X, además de ser muy rápidamente difundida por su aparición en la banda sonora de "Singles" (antes mencionada).

Esto es todo por hoy. Aquí os la dejo:

El nuevo álbum de Opeth ya tiene título

Los suecos Opeth, posibles reyes del death metal progresivo actual, han dado a conocer el nombre de su nuevo disco, el cual saldrá en septiembre de este mismo año según lo acordado.

El nuevo trabajo ha sido bautizado como "Heritage". La banda ha comenzado a componer y grabar a finales del pasado enero en los estudios de Estocolmo Atlantis/Metronome, aunque todavía no están preparadas en su totalidad las canciones ni su mezcla/masterización.

Contarán, como es ya habitual, con la ayuda de Steven Wilson de Porcupine Tree para los trabajos de producción y además será el último trabajo en el que participará Per Wiberg como teclista (el pasado abril anunció su salida del grupo).

Pues nada, a esperar adelantos próximos y hasta septiembre (si nos ceñimos a filtraciones, hasta agosto o así) para escuchar el LP al completo.

Analizando..."Sweet Oblivion" (Screaming Trees)

Hoy voy a hablaros de otra de las bandas importantes en el movimiento grunge, Screaming Trees. Esta banda se forma a mediadios de los 80, y tras la publicación de tres EP's y cuatro LP's en distintas discográficas independientes (entre ellas Sub Pop), a comienzos de los 90 fichan por Epic Records, sello bajo el cual se publicaría este álbum.

"Sweet Oblivion" supuso la llegada al éxito de la banda con grandes temas como "Nearly Lost You", una balada que define bastante bien el sonido de la banda en esta etapa: está dotada de melodías y ritmos pegadizos, bien complementados por adornos sencillos en las guitarras.

Sin embargo, el rasgo característico de la banda es sin duda la voz del vocalista Mark Lanegan. Se trata de una voz rasgada y suave, que se mueve con gran facilidad por registros graves, aunque también es capaz de alcanzar tonos altos con gran fuerza.

La canción antes mencionada saltó a la fama por su aparición en la banda sonora de la película "Singles", estrenada el mismo año de la publicación del álbum (1992).

Además de "Nearly Lost You" se encuentran aquí otras diez excelentes canciones como por ejemplo, "Shadow of the Season", que abre el disco y además ofrece una estupenda muestra del registro vocal de Lanegan; "Butterfly", que reúne características similares a estas otras dos además de una buena línea de coros; o cualquiera de las tres últimas canciones, que rondan los 5 minutos y suponen un punto de culminación en cuanto a la voz y a las guitarras, además de mostrar ciertas pinceladas de blues, estilo por el que Lanegan se decantaría durante su carrera en solitario.

Tal vez no encuentre en este álbum un sonido tan pesado ni tan agresivo como los de otras bandas de grunge, pero lo que puedo dar por hecho es la buena calidad de este material.

Y como es costumbre en mis entradas, como no me queda más que decir, os dejo con uno de los temas de este dulce álbum:

Analizando..."Dreamtime" (The Cult)

Después de haberos hablado de "Love" (con mucho gusto), hoy voy a hablaros del álbum debut de esta banda británica que tanto me gusta.

Como bien dije en el análisis de "Love", este disco se caracteriza por una gran influencia post-punk/gótica, sin nada que ver con el estilo rockero que la banda cobre hacia finales de los 80.

Se trata de un sonido oscuro con reminiscencias de la cultura nativo-americana, por la que el vocalista Ian Astbury siempre ha mostrado afición. Ya en la primera canción "Horse Nation"m la letra empieza con la frase:

"See them prancing,
they come neighing,
to a horse nation"
(Velos galopando,
vienen relinchando
a una nación de caballos)

La voz de Astbury (ya en esta etapa) es potente y clara, con un registro medio-alto y capaz de mantener notas con gran fuerza.

Sus letras son sencillas y llenas de lirismo, como bien muestra "Horse Nation". Esa misma comienza con el sonido de una suave brisa y tras un suave punteo de guitarra entra un riff más agresivo, y a continuación la voz. La introducción remata con explosivos redobles de batería mientras Astbury dice "The whole world is coming", anunciando la llegada de los conquistadores al nuevo mundo.

La fuerza se mantiene en "Spiritwalker", que también empieza con un riff de guitarra muy sencillo, típico de Billy Duffy y de su característica guitarra Gretsch. La batería marca un ritmo lento y muy marcado, se produce una breve pausa y de pronto entra un ritmo más rápido. Esta canción tiene algo de psicodelia en cierto modo, por los punteos de guitarra, además de su letra surrealista:

"Let all the children kiss the sun
before they sing their last song"
(Deja a todos los niños besar el sol
antes de que canten su última canción)

La siguiente, "83rd Dream" se reconoce al instante por el punteo de guitarra del principio, con un sonido muy peculiar. Esta canción es más tranquila hasta que entra la batería y se da paso a una nueva serie de acordes, con un gran apoyo del bajo.

Y puestos a mencionar alguna canción más está, por ejemplo "Go West", en la que Duffy usa varias pistas de guitarra y mezcla distintas líneas. En sus interpretaciones en directo Astbury tocaría la guitarra rítmica en temas como este para darle un mayor apoyo a Duffy.

Esta canción es posiblemente una de las más pegadizas del álbum (que ya es decir), tanto por la melodía como por las guitarras, sobre todo en el estribillo. Igual que en la canción "Nirvana", de su disco "Love", ese ritmo tan vivo la hace bastante bailable, a pesar de tratarse de un grupo de rock. Esto lo digo como observación personal, tal vez cualquiera que escuche esta canción no piense lo mismo. De hecho yo no escribo con la intención de que se me tome al pie de la letra.

La siguiente canción, "Gimmick", tiene una estructura bastante interesante, contrasta estrofas de ritmo regular con batería y la voz de Astbury cantando en un registro similar al del resto del álbum; con estribillos instrumentales de ritmo irregular en los que se oye una guitarra española tocando un riff que se acerca mucho al flamenco, acompañando a una voz femenina.

Y para acabar están las 4 canciones que siguen a ésta:

-"A Flower in the Desert", que está compuesta en base a un punteo que va variando a lo largo de la estrofa y da paso a un estribillo de ritmo muy marcado.

-"Dreamtime", que suena a post-punk puro y duro (para qué negarlo).

-"Riders in the Snow", cuyo título emula el de aquella mítica canción de The Shadows, "Riders in the Sky". Esta comienza directamente con todos los instrumentos y se caracteriza por una melodía muy fácil de recordar en el estribillo y el uso de acordes abiertos.

Y por último "Bad Medicine Waltz", que usa un ritmo lento marcado al principio por la guitarra. En este tema la voz se mueve por tonos más graves y envuelve a la canción en una atmósfera oscura, repitiendo varias veces el estribillo, que empieza diciendo:

"It's funny how people stare
when your back's against the wall"
(Es gracioso cómo la gente se queda mirando
cuando tu espalda está contra el muro)

Si habéis escuchado y disfrutado de "Love", os puedo asegurar que este trabajo, a pesar de

ser anterior y no tener un nivel de producción tan sofisticado, guarda una gran originalidad en su instrumentación, voz y sobre todo en sus letras.

Así que os dejo con una versión en directo de "Go West" de la banda en sus inicios. Como podréis ver en el mismo vídeo, Astbury también quiso transmitir esa estética de los indios americanos llevando coronas de plumas y demás, imitando en cierta medida al monigote de la portada:

Analizando..."Pornography" (The Cure)

Hoy os traigo uno de los mejores trabajos de la banda británica.

"Pornography" se puede considerar el álbum más oscuro de su carrera hasta la fecha. Se envuelve en su totalidad por una atmósfera inquietante, que junto a las letras denota una actitud muy pesimista, como bien dice la primera frase de "One Hundred Years":

"Doesn't matter if we all die"

(No importa si todos morimos)

Esa misma canción sirve como un buen ejemplo del sonido de este trabajo: empieza con una batería electrónica y seguidamente se añaden los demás instrumentos. La guitarra toca un riff muy sencillo, adornado por un chorus recargado; el teclado únicamente hace de "colchón", es decir, crea una atmósfera que envuelve al resto de instrumentos; además del sonido grueso del bajo.
Un rasgo característico en cuanto al desarrollo de los temas es que la voz tarda cierto tiempo en entrar, por lo que cuando llega el oyente se ve completamente atrapado por ese ambiente depresivo.

Las harmonías de las canciones tienden a ser parecidas en la mayoría de ellas: en todas hay momentos disonantes, siguiendo la línea de sus dos trabajos anteriores.
Otro detalle interesante es que en la gira de promoción del álbum comenzó la presencia del maquillaje en los componentes del grupo, para dar mayor teatralidad a sus temas, y expresar ese pesimismo.

En cuanto a las canciones, además de la primera, de entre todas las melodías pegadizas cantadas por la voz melancólica de Robert Smith, personalmente me gustaría "The Figurehead". Esta canción comienza igual que acaba: entra la batería sola seguida del bajo, que marca los cuatro acordes principales junto al teclado y acompañados por punteos de guitarra.

La letra se caracteriza por su surrealismo y, como no, de su negatividad. Sin duda lo que le da mayor emotividad a canciones como ésta es la voz débil y delicada de Smith.

El vocalista mencionó en una ocasión que este disco forma la primera parte de una trilogía musical, de la que formarían parte ma´s tarde "Disintegration"(1989) y "Bloodflowers"(2000). Los tres álbumes fueron tocados en su totalidad en un concierto en Alemania que forma parte de una serie de actuaciones conocida como "The Cure: Trilogy".

Es un poco difícil acabar las entradas sin decir lo mismo de siempre, así que simplemente diré para acabar que este disco en su época supuso un trabajo innovador al igual que sus dos predecesores "Seventeen Seconds"(1980) y "Faith"(1981) y en comparación es el que mejor refleja esa mentalidad pesimista de la que hablaba antes.

Como no se me ocurre nada más que añadir, os dejo ya con una actuación en directo de "The Figurehead":

Analizando..."Pablo Honey" (Radiohead)

Siguiendo esta racha de rock alternativo/grunge, hoy os hablaré del trabajo debut de la banda de Oxford.

Recordando la entrada que hice el año pasado sobre "The Bends", en comparación con éste "Pablo Honey" es más rockero y el instrumento predominante son las guitarras.
Hay un buen contraste entre canciones tristes y estridentes, como la que abre el álbum, "You" o "Anyone Can Play Guitar"; y otras alegres y suaves como "How Do You?" o "Stop Whispering".

A diferencia de trabajos posteriores, y como ya dije con respecto a "The Bends", la voz de Thom Yorke apenas cae en el falsete, ya que las melodías comprenden un rango vocal más grave (dentro de lo que cabe).

Otra característica musical de este trabajo es la gran cantidad de adornos entre las guitarras. Teniendo en cuenta que en sus inicios Radiohead tenían 3 guitarras (Yorke, Greenwood y O'brien), el vocaliste solía tocar acordes mientras que los otros dos intercalaban punteos. El perfecto ejemplo de ésto es "Stop Whispering", de la que también cabe destacar su sencillez (sólo tiene dos acordes).

Por otra parte hay sitio para las baladas, y en este caso la más importante sin duda es "Creep", la canción que les llevó al éxito tras ser publicada como primer single de la banda, que muchos conoceréis ya seguramente. Según ciertas fuentes el éxito de la canción se debió a que un locutor de radio empezó a pincharla con mucha frecuencia porque le encantaba.

Otra anécdota interesante sobre esta canción es que el guitarrista Jonny Greenwood aporrea la guitarra antes del estribillo (un rasgo inconfundible de la misma). La verdadera razón por la que aporreaba de esa manera las cuerdas y emitía ese crugido tan sucio, era que detestaba tanto el tema que en las primeras sesiones de grabación intentaba "estropear" la atmósfera dando esos golpes. Para sorpresa de todos, aquel ruído quedaba bien como anticipación del estribillo.

En esta canción se puede apreciar, al igual que con Nirvana o Smashing Pumpkins, el contraste entre estrofas suaves y estribillo distorsionados. El hecho de que los tres coincidan en esta dinámica se debe a la influencia que ejerció sobre ellos la música de Pixies. También se aprecia dicha dinámica en"You"(mencionada antes).

Otra canción que me gustaría destacar es "Lurgee", penúltimo tema del álbum. Se trata de una preciosa balada caracterizada por la sencillez de su letra y por la emotiva interpretación de Yorke, que por cierto hace que esta se haya convertido en una de mis favoritas dentro de este disco.

Y puestos a destacar también están "Thinking About You", la única pista acústica entre las demás; "Anyone Can Play Guitar" por su riff principal que seguramente a más de uno le resulte familiar, así como su pegadizo estribillo; y también "Ripcord", "Vegetable", "Prove Yourself" y "I Can't", por la sencillez de sus estructuras y sus harmonías (sobre todo el final "Ripcord").

No me queda más que decir. Simplemente os recomiendo este trabajo, para los que queráis conocer "la otra cara" de Radiohead, es decir, en contraste con su etapa experimental, que también contiene trabajos admirables empezando por el "Ok Computer".

Y sin más preámbulos os dejo con "Stop Whispering":

Analizando..."Apple" (Mother Love Bone)

Hace hoy exactamente un año me dispuse a hablar en esta misma sección sobre "Temple Of The Dog", proyecto musical a modo de homenaje a Andrew Wood, fallecido en 1990 a causa de una sobredosis de heroína.

Ayer se cumplían nada menos que 20 años de la publicación de aquel álbum (que hoy en día se ha convertido en uno de mis favoritos), y a pesar de haber tardado tanto tiempo en escuchar a esta banda de Seattle, me gustaría daros a conocer un poco a Wood para los que no lo conociérais.

Mother Love Bone surge hacia finales de 1987, tras la separación de Green River (considerada la primera banda grunge en darse a conocer, de la que saldrían Stone Gossard y Jeff Ament en guitarra y bajo respectivamente), Malfunkshun, de donde saldría el propio Wood, y Skin Yard, de donde saldría el batería Greg Gilmore. Más tarde se completaría la formación en 1988 al unirse el guitarrista Bruce Fairweather.

La banda debutaría al año siguiente con su EP "Shine", que daría a conocer las influencias hard rock de Gossard y Ament, con grandes influjos de funk y ciertas pinceladas de glam metal.

La culminación y fin de la banda llegaría con la publicación de su único LP, "Apple" en 1990, pocos después de la muerte del vocalista, el cual había pasado varios días en coma tras chutarse una sobredosis.

El contenido de este álbum no tiene desperdicio. La mayoría de canciones se caracterizan por ritmos funky muy enérgicos, guitarras distorsionadas y una voz muy personal por parte de Wood, bien acompañada en más de una ocasión por coros, como por ejemplo en "Holly Roller", "Come Bite the Apple", "Heartshine" o "Capricorn Sister".

Pero también hay sitio para bonitas baladas acústicas, con melodías melancólicas y una voz más serena ("Bone China", "Stargazer"). También se puede escuchar a Wood tocando el piano en "Man of the Golden Words" o "Gentle Groove".

Sin duda el punto culminante llega con la última canción, "Crown of Thorns", extraída del EP debut de la banda, en el que estaba unida a la canción "Chloe Dancer": una preciosa canción cuyo único instrumento es el piano que acompaña a la voz de Wood, mientras éste canta acerca de "una tal Chloe". La versión de "Apple" de la canción en cuestión posée un sonido más definido que la original: se le añadió un poco de reverberación a todo, de tal modo que la canción se ve envuelta en una atmósfera que le da una mayor expresividad en cierto modo, tanto a las guitarras como a la voz.

Esto no quiere decir que se le tenga que restar importancia a las demás canciones, de hecho (personalmente) el álbum es pegadizo desde la primera canción ("This Is Shangrila"), ya que no le falta detalle: la batería marca un ritmo pegadizo, la melodía de guitarra es muy oirignal, y cómo no, la voz es inigualable, tiene un timbre y una expresividad que no se encuentra en cualquier grupo (ya sólo en cuanto a grunge se refiere).

La canción siguiente también merece una mención. "Stardog Champion" tiene un ritmo más lento, pero también cuenta con una melodía fácil de recordar respaldada por una base rítmica potente y sencilla.

Podría comentar la mayoría de canciones, pero creo que así perdería el encanto escucharlas uno mismo y apreciar este trabajo. Para los que os guste el sonido de Pearl Jam en "Ten", o para los que busquéis grupos de la "escena Seattle" no podéis prescindir de Mother Love Bone, puesto que es una de las bandas pioneras junto a Mudhoney, que salió al mismo tiempo de la estirpe de Green River.

Por mi parte nada más. Os dejo con "Stardog Champion":