ECOS DEL DESIERTO: Una sección de música psicoactiva

Sabías que algo raro estaba pasando, sientes cómo flota a tu alrededor envolviéndote, necesitas algo pero no sabes qué, la inquietud tensa tu cuerpo y desespera tu mente, tu cerebro pide a gritos algo que lo estimule, algo realmente bueno, que te ondule, que te transporte...

No es la llegada de la primavera lo que sientes, sino el aire caliente del desierto que desde hoy invade este blog. Y es que la familia de Music in the memory me ha habilitado un rinconcito perfecto donde poder desbarrar a gusto sobre mi pasión musical, el Stoner rock.

Así que a partir de ahora, y espero que por mucho tiempo, los ecos del desierto reverberarán en esta sección dejando grandes dosis de música psicoactiva, analizando las principales bandas del rock desértico en todas sus variantes, sus influencias y el fenómeno en general.

Empezaremos tirando de wikipedia, ¿Qué es eso del Stoner Rock?

 "El término Stoner rock proviene de la palabra stoner, que en inglés significa fumador de marihuana." La traducción al castellano sería algo así como "Rock fumeta".

Sólo con esto ya puedes hacerte una idea de la carga psicodélica y ambiental de esta música, sin duda uno de sus puntales.

Cito la definición que me parece bastante buena:

"El stoner rock o stoner metal es un subgénero del rock y del metal con gran influencia del rock psicodélico de fines de los sesenta y principios de los setenta. Está conectado tanto con el rock alternativo como con el heavy metal. El stoner rock habitualmente usa tempos de lentos a medios y presenta guitarras afinadas grave, un sonido pesado de bajo, voces melódicas y producción 'retro'. El género emergió a principios de la década de 1990 y fue inciado principalmente por la banda californiana Kyuss."

Por supuesto una canción vale más que mil palabras, así que ahí va una de las más míticas.

El abanico de estilos dentro del stoner es inmenso, desde el rock al metal hay muchos grados, y esto hace que dentro del género encontremos bandas muy distintas. A esto hay que sumarle un gran número de influencias que diferencian a cada grupo: rock psicodélico, blues, grunge, doom, rock sureño e incluso soul.

Me he encontrado una recopilación de bandas en youtube que te puede dar una idea de lo que estoy hablando y que seguramente te descubra algún grupo interesante si eres ya un iniciado.

Todas estas diferencias provocan la aparición de gran número de etiquetas. Muchas se refieren al carácter expansivo de la música como desert rock, space rock , o a su psicodelia intrínseca como stoner rock o bong rock. Otras, normalmente las que tienden más hacia el metal, a su carácter pesado, como stoner doom o sludge metal.

Por eso si investigas un poco sobre alguna banda es muy posible que te la encuentres etiquetada de mil maneras distintas según donde lo mires, incluso alguna puede aparecer como hard rock, pero al fin y al cabo las etiquetas no son más que eso, lo importante es la música, da igual cómo la llames.

Para despedirme un consejo fundamental de aquellos que como quien dice inventaron esto.

En el libreto de "Welcome to sky valley" de Kyuss, a modo de instrucciones podemos leer "listening without distraction".

Así que te recomiendo que te relajes, pongas el volumen al máximo y disfrutes del viaje.

La semana que viene los ecos volverán bien empapados con el mensaje de los profetas de Palm Desert para deleitar vuestros oídos.

El disco de Storm Corrosion saldrá en abril

Muchos lectores de este blog no sabréis todavía que se esconde bajo el nombre de Storm Corrosion, pues bien, os lo explicaremos de una forma sencilla. Bajo ese "alias" están dos de las mentes más exitosas del rock/metal progresivo actual: Steven Wilson (Porcupine Tree) y Mikael Åkerfeldt (Opeth), ambos con carreras de más de veinte años en sus grupos originales y con pocos altibajos en ellas.

El proyecto que los une desde unos cuantos meses y con el que grabarán un álbum de estudio es descrito por los propios músicos como "la parte final de la saga que conforman 'Heritage' y 'Grace For Downing' de Steven Wilson", ambos del pasado año. Si echamos la vista atrás tenemos ante nosotros dos de los mejores discos del 2011 y dos trabajos con una fuerte carga de improvisación y experimentalidad unidos fielmente al rock progresivo. Siendo esto así y teniendo en cuenta las declaraciones de estos "peces gordos" ("el sonido puede ser descrito como orquestral, ambiental, épico pero nada nuevo para vuestras orejas") será una especie de tercera fase que completará un ciclo musical para ellos. Podemos comenzar a especular de su sonido y quizás dar en el clavo: unos Opeth empujados por la electrónica más oscura y ambiental, Steven Wilson llevado al rock progresivo más duro bajo la mano de King Crimson, quién sabe. Solo podemos afirmar que lo que saldrá de ahí no va a ser "moco de pavo", y más sabiendo que Gavin Harrison pondrá la "samba" al asunto con sus baquetas. El 23 de abril saldremos de dudas.

El LP saldrá a través de Roadrunner Records, todavía no sabe el nombre de ningun tema ni el número de canciones que contendrá (suponemos que unas ocho-diez como mucho), simplemente tenemos algún que otro detalle oculto escondido bajo esta imagen subida en Facebook, la cual podría ser la portada:

Analizando..."Queen" (Homónimo)

Aquí estoy de vuelta después de tres semanas sin publicar nada, y voy a hablaros del álbum debut del cuarteto inglés Queen, a los que no he parado de escuchar desde las pasadas vacaciones de navidad.

Para empezar quiero decir que Queen, como todo entendido sabe, no es un grupo de singles ni mucho menos. Su grandiosidad no se queda sólo en temas míticos como "We will Rock you", "We are the Champions" o "Another one bites the dust", sino que también reside en temas menos conocidos, como los que podéis encontrar en cualquiera de sus álbumes publicados durante la década de los 70, empezando por éste.

El álbum debut fue publicado en 1973, aunque su grabación comenzó casi dos años antes.
Los miembros de la banda se vieron obligados a regrabar todo el material por orden de su productor. Este proceso de remezcla duró seis meses, y una vez se habían grabado y arreglado los diez temas del disco, la compañía Trident Studios tardó otros siete buscando una discográfica interesada en publicarlo.

Y así llegó el esperado momento, cuando Elektra Records y EMI publicaron su trabajo en Europa y Estados Unidos, respectivamente.

El álbum muestra un sonido directo y bastante maduro para tratarse de un debut. Destacan los coros a tres voces que se convertirían en sello de la casa, así como la energía en la guitarra de Brian May y la batería de Roger Taylor (únicos miembros activos actualmente).

La mitad de las canciones fueron compuestas por el cantante y líder Freddie Mercury, mientras que otras cuatro corresponden a May y una a Taylor. Éste último canta la voz principal en dicha canción, llamada "Modern times Rock & Roll".

En cuanto al bajo, cabe destacar la contundencia de John Deacon, el cual siempre pasó desapercibido junto a sus otros tres compañeros.

La música del cuarteto en sus inicios muestra una interesante mezcla de influencias, entre ellas: hard rock, glam, rock progresivo y lo que en aquellos tiempos empezaba a denominarse como heavy metal.

Por otra parte, las letras están salpicadas de fantasía y de una estética medieval ("Great King Rat", "My Fairy King") e incluso bíblica ("Jesus", en la cual se recrea el nacimiento de Jesucristo en el portal de Belén).

Este trabajo fue promocionado a través de dos singles: "Keep Yourself Alive" y "Liar".
La segunda es la más larga del disco, con una duración de seis minutos y medio.

En contraste a ésta, también está el tema de cierre "Seven Seas of Rhye", aunque la disponible aquí es sólo una versión instrumental de un minuto, mientras que el tema íntegro sería publicado un año después, como single promocional del segundo álbum de Queen.

Para los que no conozcáis demasiado a esta magnífica banda os recomiendo echarle una ojeada a este trabajo, así como a los dos siguientes, "Queen II" y "Sheer Heart Attack".

Aquí os dejo con "Great King Rat", una de mis favoritas, en las que podéis encontrar esa temática medieval así como un gran sentido del humor:

Título y tracklist para lo nuevo de The Mars Volta

Este año tendremos ración doble de las peripecias de Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala. Como bien sabéis, At The Drive-In han confirmado su vuelta hace unos días y por otra parte también se ha confirmado que Mars Volta lanzarán un nuevo disco en marzo de este año: "Noctourniquet". Contendrá trece canciones:

(Portada)

01. The Whip Hand
02. Aegis
03. Dyslexicon
04. Empty Vessels Make The Loudest Sound
05. The Malkin Jewel
06. Lapochka
07. In Absentia
08. Imago
09. Molochwalker
10. Trinkets Pale Of Moon
11. Vedamalady
12. Noctourniquet
13. Zed And Two Naughts

La temática de las canciones girará en torno a un personaje basado en Solomon Grundy (villano de Superman) y Jacinto, un héroe de la mitología griega.

El primer adelanto, "Zed And Two Naughts", saldrá a relucir el 6 de marzo.

Analizando..."Wish You Were Here" (Pink Floyd)

En fín, como no se me ocurría nada "nuevo", voy a hablaros de esta obra maestra que es, además, uno de mis discos favoritos de "los Floyd".

Es exactamente el sucesor del "Dark Side of the Moon", razón de más por la que he decidido hablar de éste antes que de cualquier otro disco de la banda británica.

Allá por 1974, tras la gira promocional del "Dark Side...", el grupo compuso algunos temas nuevos, que habían tocado en la misma gira.

De entre esos nuevos temas, el más importante de ellos sin duda sería una de las mayores joyas creadas por la banda, además de abrir y cerrar el álbum que todavía no estaba en proceso. Se trata de la mismísima "Shine On You Crazy Diamond", la pieza más larga de Pink Floyd, de 26 minutos de duración. Sin embargo, durante la grabación del álbum, tuvo que dividirse en dos partes repartidas entre las dos caras del vinilo.

El mensaje de la canción está reflejado en el título "Shine On You crazy Diamond". Es su tributo al antiguo cantante y guitarrista de la banda, Syd Barrett, el cual la dejó en 1969 debido a sus problemas de salud, a causa del consumo excesivo de LSD.

La canción está compuesta por 9 partes, las cinco primeras en la cara A y las otras cuatro en la B. Se trata de un clarísimo ejemplo de lo que se conoce como una "composición épica" dentro del rock sinfónico/progresivo, presentando un desarrollo lento y gradual, añadiendo instrumentos y por supuesto, se da lugar a largas secciones instrumentales (cabe destacar que, en la primera parte, la voz no entra hasta pasados los 8 minutos y medio).

El comienzo de "Shine on" cuenta con un sintetizador envolvente, manteniendo el mismo acorde durante los dos primeros minutos con una débil melodía tocada por Rick Wright, hasta que entra David Gilmour con un solo de guitarra muy sencillo. Aquí es donde la base de sintetizador cambia de acorde, guiándose por la guitarra.

Cuando esta sección termina y todo parece desvanecerse surge un imponente riff de guitarra que anticipa la entrada de los demás instrumentos.

La voz entra, como decía antes, allá por el minuto 8:40 (aprox.) después de un largo solo de guitarra de Gilmour, entrecortado por otro de Wright con su teclado.
La letra expresa de forma poética y emotiva la vida de Barrett, al que tan pronto le llegó el éxito musical, así como sus problemas con las drogas:

"Remember when you were young,
you shone like the sun...
You reached for the secret too soon,
you cried for the moon..."
(Recuerda cuando eras joven,
brillabas como el sol...
Buscaste el secreto demasiado pronto,
lloraste por la luna...)

Después de las estrofas tiene lugar un solo de saxofón, con el que se da fin a la primera parte de la pieza.

Se oye entonces una especie de compuerta abriéndose: así empieza "Welcome to the Machine", en la que el bajista y cantante Roger Waters hace una dura crítica a la industria musical, concebida como una "máquina de hacer dinero" que no respeta la expresión artística e individual.

El mismo mensaje se expresa en "Have a Cigar", que por cierto no es cantada por ninguno de los miembros de Pink Floyd, sino por un compositor británico y viejo conocido de sus miembros, Roy Harper.

En contraste con las demás canciones, ésta posee un sonido más rockero, con tintes de funk.
La canción llega a su fin cuando, durante el solo de guitarra de Gilmour, el sonido se comprime y parece sonar a través de una radio antigua. Según ciertas fuentes (wikipedia), esto se podría interpretar como la transformación de la música en un simple producto falto de significado y/o sentimiento (cosa que no ha cambiado en los ya casi 36 años que nos separan de la publicación del álbum).

Irónicamente, esta canción fue el single promocional del disco, y recibió una gran demanda por parte de las emisoras de radio.

Y con esa radio antigua se va cambiando de emisora hasta encontrar el inconfundible riff de "Wish You Were Here", que originalmente fue grabado con una guitarra acústica de doce cuerdas alterando su sonido por un amplificador para que sonara como si fuera reproducido a través de una radio antigua.

El riff acompaña a un precioso solo de guitarra acústica de Gilmour, esta segunda con sonido natural, como si el guitarrista estuviera acompañando la canción que suena en la radio.

Esta canción vuelve a hacer referencia a Syd Barrett (ya solo el título expresa claramente los sentimientos de Waters: "Ojalá estuvieras aquí").

Un suceso bastante duro para los miembros de la banda fue su inesperado reencuentro con Barrett en el estudio de grabación cuando el material para el nuevo álbum ya estaba listo.
Rick Wright afirmó en una ocasión que nunca pudo olvidar tal situación, después de haber perdido a un gran amigo como Syd y verlo después tan cambiado (se había afeitado la cabeza y las cejas y había engordado considerablemente).

"Wish You Were Here" se desvanece con una brisa y da paso a la segunda parte de "Shine on..." como punto y final del álbum.

Después de un precioso solo de teclado de Wright, uno de steel guitar de Gilmour, y un retorno a la estructura de la anterior parte, queda solo una larga sección instrumental donde destaca el teclado de Wright sobre un ritmo de tendencia funk, y una última parte más lenta con unos cambios de acorde muy bruscos.

Al final de todo queda solo el sintetizador, igual que al principio, y mientras se desvanece la música se puede oír un fragmento de la melodía de "See Emily Play", una de las primeras canciones compuestas por Barrett cuando todavía estaba en Pink Floyd.

En fín, os puedo asegurar que este es uno de los discos más elaborados que os podáis encontrar de Pink Floyd por lo menos, junto a "Dark Side of the Moon", "The Wall" o "The Division Bell".

Os voy a dejar con una versión en directo de "Shine on You Crazy Diamond", extraída del famoso álbum en directo "P.U.L.S.E." (que mencioné en mi primera entrada), grabado el 20 de octubre de 1994.

Esta fue la primera versión que escuché de "Shine On", y espero que os guste tanto como me gustó (y me sigue gustando) a mí:

Analizando..."Mirage" (Camel)

Supongo que ésta será mi última entrada del año (no contaba con publicar el sábado, probablemente esté indispuesto).

Hoy voy a hablaros del segundo álbum de la banda de rock progresivo Camel, conocidos por haber formado parte de la llamada Escena Canterbury, surgida a principios de los 70 en dicha zona del Reino Unido.

"Mirage" ha pasado a ser uno de los álbumes más recordados de la banda con el paso de los años. De entre las 5 canciones que lo componen podréis encontrar una pieza fundamental en sus conciertos, "Lady Fantasy", la canción más larga del disco y una de las más largas de la banda (12:45). Se trata de una suite, también llamada medley, compuesta por tres partes: "Encounter/Smiles for You/Lady Fantasy".

Sigue la estructura de muchas otras composiciones de los inicios de Camel:

-En este caso, se abre con una intro de teclado, tras la cual toman presencia los demás instrumentos; de repente el ritmo cambia y suena el riff principal;

-Continua con una estrofa suave, con la voz sencilla de Andrew Latimer (guitarrista y líder de la banda), acompañada por una serie de acordes sencilla y repetitiva de la que se denota la influencia que recogen del jazz, además de los adornos del teclista Peter Bardens, que dentro de esta base mete el primer solo de la canción;

-Sube la intensidad y el ritmo se acelera, dando paso a un solo de guitarra de Latimer. Así se inicia una sección instrumental en la que la base rítmica gana mucho cuerpo gracias a todos y cada uno de los instrumentos, abriendo la veda para la improvisación. Esta sección termina con cortes agresivos de la batería;

-Vuelve a bajar la intensidad, el ritmo se ralentiza y suena un nuevo riff de guitarra, entrecortado por una sección de acordes predominada por el teclado (muy interesante, por cierto);
Después de éste riff llega lo que yo denominaría el "clímax": la batería se detiene y quedan solos el teclado y dos pistas de guitarra, una acústica tocando punteos y otra eléctrica improvisando un pequeño solo, que termina con un excelente uso del feedback;

-Aquí es cuando la voz reaparece, construyendo una pequeña harmonía y convirtiendo éste en el momento más relajante de la canción, que de pronto se ve roto por la entrada de un ritmo agresivo y otro solo de guitarra, seguido por otro de teclado (parece que no se cansan de hacer solos);
Esta sección de improvisación se corta "violentamente", para acabar con el riff de guitarra inicial.

Ahora que caigo, cabría destacar la técnica como guitarrista de Latimer: sus solos son melódicos y sencillos, a veces incluso repitiendo la misma melodía varias veces, de modo que parece más bien un riff en cierto modo.

Pero además de su voz suave y de su impecable técnica en las 6 cuerdas, en "Mirage" introdujo un instrumento más por su parte, la flauta travesera. Ésta es el instrumento principal en la segunda canción, "Supertwister" (envaucadora, os la recomiendo).

Según he leído en mi fuente principal de información (wikipedia), tanto "Lady Fantasy" como la segunda canción más larga del disco, "Nimrodel", sus letras están inspiradas en "El Señor de los Anillos", un claro ejemplo se encuentra hacia la mitad de "Nimrodel":

"The wizard of them all, came back from his fall
This time wearing white."
(Su mago, volvió de su caída
esta vez vistiendo de blanco.)

Esta estrofa claramente se refiere al regreso de Gandalf tras su cruenta lucha contra el Balrog en las minas de Moria, lucha que tiene lugar en el primer tomo de la trilogía ("La Comunidad del Anillo").

En resumen, se trata de un trabajo estupendo para deleite de los aficionados al rock progresivo más puro y a la vez sencillo (servidor), por lo que, para los que escuchéis o hayáis escuchado alguna vez a Pink Floyd o Yes, os recomiendo a Camel, uno de los muchos grupos que he descubierto a lo largo de este año, siendo el más reciente.

Nada más que decir por mi parte, he tenido la suerte de encontrarme un vídeo de "Lady Fantasy" tocada en directo entera, pero ya que el sonido no es de buena calidad, os dejo aquí un vídeo un tanto subrealista cuya duración se recorta a 10 minutos (siento que no incluya el final de la canción). Y ya que estamos, feliz año nuevo:

Analizando..."Wind & Wuthering" (Genesis)

Después de tomarme una semanita de descanso, vuelvo con mi sección habitual, y como os habréis dado cuenta ya a primera vista, repito grupo, pero eso no quiere decir que se me agoten las ideas ni mucho menos, simplemente hay más de un disco de los que me gustaría hablar alguna vez, además de que este disco me parece una excelente elección para estas fechas tan señaladas.

En cuanto al tema en cuestión, éste álbum comprendió una etapa de transición en la carrera de Genesis. Dos años después de que Peter Gabriel dejara la banda y de buscar un nuevo cantante sin ningún éxito, decidieron cederle este puesto al hasta entonces batería Phil Collins.

Así la formación "clásica" quedaba reducida a un cuarteto. En 1976, la banda publicó dos álbumes: "A Trick of the Tail" y éste "Wind & Wuthering".

En el caso del segundo, sería el último que contaría con la participación de Steve Hackett como guitarrista principal, el cual dejó la banda debido a sus diferencias con los demás componentes, siendo así este álbum el último dentro de su etapa progresiva para dar paso más tarde a un sonido más comercial una vez Hackett dejase la banda y Collins se convirtiera en el principal compositor.

Por otra parte, el miembro que más material aportó para este trabajo sería el teclista Tony Banks. Gracias a él se consiguió un sonido muy envolvente a lo largo de todo el disco, sobre todo en la segunda parte del mismo (según describieron los propios Genesis, el disco se divide musicalmente en dos partes citadas en el título: "Wind (viento) & Wuthering (borrasca)", repartiéndose las 4 primeras canciones y las 5 últimas respectivamente).

Tanto el sonido general del disco como el diseño de la portada concuerdan a la perfección, transportando al oyente a un estado de paz y tranquilidad.

Aunque también podréis encontrar canciones animadas como "All in a Mouse's Night" o "Eleventh Earl of Mar", con ritmos dinámicos y melodías muy alegres, este álbum destaca sobre todo en sus puntos más melancólicos, como son por ejemplo la balada "Your Own Special Way" o las últimas 3 canciones "Unquiet Slumbers for the Sleepers...","...in thar Quiet Earth" y "Afterglow" (las tres van enlazadas); canciones que transmiten esa paz y tranquilidad de las que hablaba hace un momento.

Pero la canción que más resaltaría desde mi punto de vista es "Blood on the Rooftops", posiblemente una de las canciones más infravaloradas de la banda, ya que según he leído nunca ha sido tocada en directo ni aparece en recopilatorios posteriores (aunque Hackett la sigue interpretando a veces en sus conciertos). De todos modos es una de las canciones más destacadas del disco junto con "One for the Vine", la canción más larga del disco (10 minutos exactos).

La letra hace una crítica de la sociedad británica de su tiempo, que ignora los problemas de nuestro mundo que se cuentan en las noticias:

"Let's skip the news, boy
I'll make some tea"
(saltémonos las noticias, chico
prepararé un poco de té.)

La intro cuenta únicamente con la guitarra acústica de Hackett tocando punteos, más tarde se añaden el bajo y la voz suave y clara de Collins, para dar paso acto seguido al teclado de Banks, que crea una atmósfera embriagadora. En el estribillo entra en escena la batería con un ritmo lento que encaja la melodía, fácil de recordar.

Banks y Hackett han llegado a considerar este disco como uno de sus favoritos de Genesis, a pesar de haber estado en posiciones diferentes teniendo en cuenta la aportación en el proceso creativo que tuvo cada uno de ellos respectivamente.

Podría decirse que éste supuso un término medio entre la primera época dorada de la banda, que decaería con la partida de Gabriel; y la época comercial de éxito masivo que alcanzarían tras la partida de Hackett, lo que les permitió adaptarse mejor a las prominentes modas que iban surgiendo a finales de los 70 y que sepultaron la esencia más pura del rock progresivo, como en este caso el pop-rock.

De ahí que el estilo de "Wind & Wuthering" se pueda calificar todavía como progresivo, pero ya más suavizado por la ausencia de Gabriel y la mayor colaboración de Collins.

Sólo me queda por decir que me parece un disco muy adecuado para escuchar durante el invierno gracias a su gran ambientación tanto musical como gráfica. Así que aquí os dejo con "Blood on the Rooftops", que es sin duda mi favorita de este precioso trabajo:



PDA.: Feliz Navidad.

Analizando..."Fly by Night" (Rush)

Después de no sé cuanto tiempo sin hablar de grupos progresivos, os presento hoy a un trío canadiense formado a finales de los 60, y cuyos miembros son la mayor muestra de virtuosismo y experimentación que he visto.

Éste es su segundo álbum, con la entrada de Neil Peart, considerado uno de los mejores baterías de la historia del rock, junto con los otros dos integrantes: Geddy Lee (bajo y voz) y Alex Lifeson (guitarra).

Al ingresar Peart en la banda, también se encargaría él mismo de la composición lírica en su mayor parte, por lo que agregó a la música del grupo sus influencias literarias llenas de fantasía y ciencia ficción, como es el caso de "Rivendell", que como es de suponer, está inspirada en la saga de "El Señor de los Anillos".

Por parte de los otros dos componentes, Lee posée una voz muy aguda y rasgada, muy similar a la de Robert Plant (Led Zeppelin) en sus mejores días. También es un bajista excelente, caracterizado por sus líneas complejas, así como de un sonido claro y contundente. Más adelante llevaría su técnica a una mayor complejidad al tocar también sintetizadores y pedales midi ...simultáneamente.

Y en cuanto a Lifeson, tiende a ser el más infravalorado junto a Lee y Peart, pero eso no quita que tenga un sonido excelente además de solos y riffs muy originales. También toca guitarras acústicas o españolas en algunos temas, agregando pinceladas de folk a la música del grupo.

En este disco os podéis encontrar un genial equilibrio entre el hard rock y el rock progresivo, caracterizado por la voz de Lee, los riffs de guitarra de Lifeson, y los cambios de ritmo y cortes agresivos de Peart.

De entre las canciones que componen el álbum, os recomiendo empezar por la que lo abre, "Anthem", la cual está inspirada en una novela del mismo título, con un gran contenido filosófico.

A ésta le siguen "Best I can" y "Beneath, Between & Behind", ambas tienen riffs y melodías muy pegadizas.

Más adelante llegamos a la canción más larga del álbum, "By-Tor and the Snowdog", de más de ocho minutos de duración.

Y por lo demás, os quedaría disfrutar de "Making Memories", que tiene un toque muy similar a Led Zeppelin, por su ritmo sincopado y su base de guitarra acústica mezclada con adornos de guitarra eléctrica (éste es otro caso en los que Lifeson os deleitará con su Gibson Les Paul);

Y como guinda del pastel, "In the End" (un estupendo contraste entre una parte acústica y otra eléctrica, con el increíble rango vocal de Lee y un riff de guitarra inconfundible).

Es uno de los grupos más originales que han pasado por mis oídos, y os lo recomiendo a todos aquellos a los que os guste Led Zeppelin, porque creo que os van a recordar bastante a ellos.

Así que aquí os dejo con el vídeo de "Fly by Night":

Analizando..."Kingston Wall" (Homónimo)

Para los que no hayáis oído hablar de este grupo (que me imagino que no soys pocos), Kingston Wall surge en 1987 en la ciudad de Helsinki (Finlandia), fundada por el cantante y guitarrista Petri Walli, un apasionado de la filosofía y la cultura oriental (lo cual se aprecia notablemente en su música). Junto a éste el grupo se complementa por Jukka Jylli al bajo y Sami Kuoppamäki a la batería.

El estilo del trío finlandés se clasifica dentro del rock psicodélico, a pesar de tener ciertas tendencias progresivas, marcadas por las influencias orientales de Walli junto a la improvisación y los largos desarrollos instrumentales.

Su primer álbum, publicado en 1992 es un clarísimo ejemplo de este sonido, además de ser en cierto sentido el más "rockero", o "directo" (por decirlo de otra manera). Deja ver también que una de sus más obvias influencias es Jimi Hendrix, más que nada porque en éste disco aparece una versión de la canción "Fire", que encaja perfectamente dentro del sonido del grupo, siendo fiel a la original al fin y al cabo.

Cabe destacar la estupenda técnica de cada uno de sus integrantes: por parte de Walli su voz tal vez no sea gran cosa, pero tiene cierto carisma. Aunque lo resaltable de él sea la guitarra, puesto que le da un amplio espectro de sonido gracias a sus efectos, entre ellos wah-wah, reverberación, delay, etc.

Por otro lado están las líneas de bajo sólidas de Jylli y la incombustible energía de Sami, cuya técnica se caracteriza por un excelente control de los redobles y ritmos sincopados, cosa que parece haber sacado bastante bien del que fuera batería de The Jimi Hendrix Experience, Mitch Mitchell.

Dentro de éste álbum podéis encontrar canciones llenas de energía y con melodías pegadizas, como pueden ser las tres primeras: "With My Mind", "Used to feel Before" y "I'm not the One". Y más adelante podréis deleitaros con cosas más lentas y con largos solos de guitarra, como son "Waste of Time" y "Nepal".

Pero el punto álgido del disco es la última canción, llamada "Mushrooms" siendo la más larga del disco con sus 21 minutos de duración, dividida en ocho partes.
Aquí es donde se explotan al máximos sus tendencias progresivas (mencionadas antes), con secciones instrumentales largas y una gran interactuación entre los instrumentos.

Sin duda este disco es una joya de principio a fin y os puedo garantizar a los que leáis esto que no os disgustará para nada.

Así que os dejo ya con "Nepal":

Analizando..."Fragile" (Yes)

Como no tenía demasiado claro de que hablar hoy, me voy a decantar por este trabajo de uno de los grupos clave del rock progresivo.

Este es sin duda uno de sus mejores discos, junto a "The Yes Album" (1971), "Close to the Edge" (1972), o "Relayer" (1974).

Dentro de este disco os encontraréis, entre otras cosas, con la inigualable voz de Jon Anderson, cuya tesitura le permite alcanzar tonos agudos sin recurrir al falsete; los punteos de guitarra de Steve Howe, que es uno de los guitarristas más versátiles y con más personalidad de los que he llegado a escuchar, ya que su técnica recoge influencias desde el rock hasta el flamenco y la música clásica, pasando también por el country o el jazz; el característico sonido grueso y algo distorsionado en el bajo de Chris Squire; la complejidad en el ritmo de algunas secciones, bien marcadas por el batería Bill Bruford.

Todo esto se puede resumir en que la banda se encontraba en su mejor momento tanto por los integrantes con los que contaba, como por su creatividad en conjunto.

De las 9 canciones del álbum, se puede decir bastante, como por ejemplo la primera, "Roundabout", con sus más de 8 minutos de duración, que comienzan con unos punteos muy suaves en una guitarra acústica, y dan paso a un ritmo funky, donde resaltan el sonido del bajo y los harmónicos de guitarra acústica haciendo una melodía sencillísima, pero pegadiza.

Otra característica de esta y de la mayoría de canciones de "Fragile" (y también de otros álbumes de Yes) son las harmonías vocales a 3 voces entre Anderson como voz media, Howe como voz baja y Squire como voz alta (recurriendo éste último al falsete, obviamente).

A este tema largo le sigue un intermedio llamado "Cans and Brahms". Se trata simplemente de una pieza clásica adaptada por el pianista y teclista Rick Wakeman.

Seguimos con canciones cortas, concretamente con "We have Heaven", una de esas canciones imposibles de llevar al directo, ya que las voces son varias pistas diferentes superpuestas haciendo harmonías y cánones.

Le sigue una de las que más me gusta dentro de este trabajo, "South side of the Sky", cuyo principal detalle a destacar podría ser la melodía de la voz, y el solo de piano de Wakeman después del estribillo, donde recorre varias escalas y hace la misma melodía bajando de octava hasta dar paso a una harmonía vocal entre los tres encargados de las voces que citaba más arriba.

Uno de los riffs que más me han llamado la atención desde que escucho a Yes (y a otros grupos progresivos en general), es el de la canción "Long Distance Runaround", que forma una melodía bastante alegre.
Y no sólo los riffs, sino la voz de Anderson, los coros, el piano o el ritmo de la batería son los detalles que hacen a esta canción tan llamativa.

Esta canción acaba con un punteo de guitarra con un efecto que juraría que es un delay.
El punteo se desvanece y enlaza esta con la siguiente canción "The Fish (Schindleria Praematurus)", que apenas tiene intervención vocal, por lo que se podría considerar un tema instrumental más dentro del álbum (que instrumentación no le falta).

Como curiosidad, ahora que me acuerdo, "Fish", es el apodo que tuvo en su día Chris Squire, al cual se le atribuye el propósito de haber compuesto este tema.

Justo después pasamos a uno de los temas más bonitos que he escuchado tocados en una guitarra, y que os lo recomiendo a todos los amantes de este maravilloso instrumento, "Mood for a Day", donde Steve Howe nos muestra su virtuosismo con la guitarra acústica y su gran influencia clásica, sobre todo por parte del flamenco.

Y acabamos con la canción más larga del disco, "Heart of the Sunrise", que empieza con un desarroyo instrumental muy secuencial, en el que guitarra, bajo y teclado ejecutan entre ellos un conjunto de riffs un tanto agresivos junto con la batería que se muestra explosiva.

A partir de los primeros tres minutos y medio, la canción se vuelve tranquila, y la voz de Jon Anderson entra en escena, bien acompañada por punteos de guitarra.

Cabe decir que esta se podría considerar una de las mejores interpretaciones vocales de Anderson, debido al contraste que muestra entre tranquilidad al principio, y más adelante se vuelve más emotiva.

En el ecuador de la canción, se desarroyan varios riffs, y entre ellos se retoma el incial, alternándolo con el resto.

Al acabar la canción, se produce una corta pausa, y aparecen aquellas pistas de voz superpuestas que sonaban en "We have Heaven", de modo que se forma así una especie de vínculo entre las canciones.

Este álbum es un buen ejemplo de lo que Yes llevaría a cabo a lo largo de la década de los 70, contrastando canciones muy largas y de grandes desarroyos instrumentales con otras más cortas y accesibles al público, lo cuál llegaría a su culmen dos años después de la publicación de éste (1973), con el álbum conceptual " Tales from Topographic Oceans", el cual se convirtió en su disco más complejo y ambicioso, ya que está compuesto por 4 canciones cuya duración ronda entre los 18 y 22 minutos, por lo que no tendría una buena acogida, siendo considerado por la crítica como uno de los peores excesos del rock progresivo.

En fín, me permito decir que no he sido capaz de escuchar entero ese álbum que acabo de mencionar, y volviendo a "Fragile", todo lo que os esté contando acerca de él puede resumirse en que se trata de un excelente trabajo por parte de todos los componentes de la banda, los cuales son todos músicos increíbles cada uno en su instrumento, incluyendo a Jon Anderson como cantante, que a pesar de no tener un registro descomunal como los clásicos del rock o del heavy metal, ni de tener esa garra que tuvieron los grandes cantantes de rythm and blues décadas atrás, tiene una voz muy especial, lo cual hace que el simple hecho de intentar versionar una canción de Yes sea algo casi imposible, puesto que una voz así es inimitable.

Os dejo con una versión en directo de "Roundabout", extraída de su primer disco en directo, "Yessongs" de 1973:

Analizando... "In the court of the Crimson King" (King Crimson)

Si esta simpática portada ha captado vuestra atención, me dispondré entonces a hablaros de una de las mejores obras maestras en la historia del rock progresivo y debut de uno de sus pioneros, King Crimson.

"In the court of the Crimson King" es más que un disco, es otro mundo, una fusión entre elementos de jazz, rock y sobre todo folk, con arreglos de teclado que imitan sonidos orquestales; unas estructuras debatería impecables, cargados de redobles y contrapunto; punteos de guitarra con una marcada influencia de jazz, y la brillante voz de Greg Lake, que tras grabar el tercer disco de la banda, en 1970, la abandonaría para iniciar una exitosa carrera con el trío Emerson, Lake and Palmer, otro de los grandes del género.

La corte del rey carmesí abre, pues sus puertas con la alocada "21st century schizoyd man", con su atractivo riff tocado por guitarra y saxofones, la voz de Lake a través de un micro distorsionado. Más adelante, esta canción coge un ritmo muy dinámico y psicodélico, mientras que la guitarra, el bajo y los saxofones interpretan un segundo riff en el que se nota tambien esa influencia jazzística que caracterizaría los dos primeros discos de la banda.

Pasamos a "I talk to the wind", una preciosa canción donde destacan las harmonías de voz y flauta que parecen recrear un mundo de fantasía. En esta canción, al igual en las demás, se aprecian una magnífica composición lírica por parte del letrista Peter Sinfield, que trabajaría con el grupo durante años.

Las letras tienen un gran contenido poético, como es el caso de esta canción:

"Said the straight man to the late man
Where have you been
I've been here and I've been there
And I've been in between."
("Dijo el hombre temprano al tardío:
¿Dónde has estado?
He estado aquí y
he estado ahí y
he estado en el medio")

Después de ésta llega una emotiva canción de más de 8 minutos de duración, "Epitaph". Con una letra tambien muy poética, un sintetizador con un sonido atmosférico y los punteos de guitarra del líder de la banda, Robert Fripp, único mienbro permanente hasta el día de hoy.

La siguiente es "Moonchild", la cual tambien tiene un sonido muy similar a las demás canciones de este álbum, pero a partir de los 2 primeros minutos, se convierte en una improvisación entre el teclado y la guitarra, con una intensidad muy leve, que la vuelve relajante.

Más adelante se vuelve inquietante, ya que éstos empiezan a tocar notas sueltas con "poca coherencia". A pesar de esto, ambos terminan manteniendo una pequeña harmonía que se desvanece.

Y llegamos al clímax del disco, "The Court of the Crimson King". Esta canción describe literalmente un mundo practicamente medieval, dónde las estrofas acaban repitiendo el título, mientras que los instrumentos abren un acorde de forma explosiva. Y cuando parece haber acabado, suenan los platos suavemente y el teclado vuelve a hacer los acordes del estribillo con un sonido similar a un coro de flautas.

En fín, os recomiendo a todos este disco(incluídos los demás miembros del blog), porque a pesar de que no todos estén familiarizados con el estilo de esta banda, y de que con el paso de los años su estilo haya evolucionado y se haya vuelto más oscuro y frío, este disco es bastante escuchable.

Os dejo con la canción que da título a este fantástico trabajo.